sábado, 31 de octubre de 2009

La "Tregua de los Doce Años" en el arte, en la Fundación Carlos de Amberes.


La Fundación Carlos de Amberes y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales se han unido para analizar un periodo esencial de la historia europea en la exposición "Tiempo de Paces. La Pax Hispanica y la Tregua de los Doce Años".

Enmarcada en la celebración del IV Centenario de la Tregua de Amberes/La Haya (1609-2009), se exhiben en la exposición (Del 27 de octubre de 2009 al 31 de enero de 2010 en calle Claudio Coello, 99) setenta y cinco obras, entre pinturas, grabados, documentos y objetos, procedentes de los más prestigiosos museos europeos, como el Rijksmuseum, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, el Prado, Patrimonio Nacional o el Museo del Louvre.

Algunas de estas obras, seleccionadas por el comisario Bernardo García García, no han sido nunca expuestas en España, como "Alegoría de la Tregua de los Doce Años", de Adriaen Pietersz; van der Venne, procedente del Louvre; el anónimo flamenco "Minerva desarmada por Venus", del Museo Municipal de Châlons-en-Champagne, "Bélgica aplasta la herejía", de Mathieu Bolin prestada por Museo de Lille, o el grabado anónimo "El pez grande se come al chico", del Rijksmuseum.

El recorrido, dividido en tres secciones, permite analizar un periodo esencial de la historia situándolo en el contexto de una política de paces que marca de manera singular los años 1598-1618 hasta el inicio de la Guerra de los Treinta Años y la posterior reanudación de las hostilidades en los Países Bajos a partir de 1621.

El 9 de abril de 1609 se firmó en Amberes la Tregua de los Doce Años (1609-1621) entre la Monarquía de Felipe III, los archiduques y la República holandesa que supuso un significativo paréntesis en la Guerra de los Ochenta Años (1568-1648).

Además de su carácter histórico, la exposición pretende conmemorar lo que supuso un paso decisivo para el desarrollo de un compromiso efectivo por la paz y la tolerancia en la cultura, el derecho internacional y la política europea y, en particular, en las relaciones entre España y los países que hoy integran el Benelux.

El comprometido esfuerzo por pacificar los conflictos, alcanzar acuerdos estables con otros príncipes y repúblicas primando a menudo la política sobre la religión, y reducir los compromisos bélicos para tratar de sanear la situación económica presentando una imagen más conciliadora y protectora, conforman el reinado de Felipe III y el valimiento del duque de Lerma.

Pero la Pax Hispanica no hubiera sido posible sin la participación de otros soberanos, como Enrique IV de Francia, Jacobo I Estuardo, los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia, o papas como Clemente VIII y Pablo V, y de ahí, la importancia de presentar la tregua en el contexto de la política europea, ha señalado durante la presentación el comisario Bernardo García.

En su opinión, es interesante hacer una reflexión sobre este "tiempo de paces" en el que la política supo poner freno al fanatismo religioso, en el que la búsqueda y la conservación de la paz se estimó como el objetivo primordial, en el que se trató de construir unas relaciones más estables y prósperas, y se puso fin por un tiempo a la dinámica bélica del siglo XVI.

"Se oyeron voces que abogaban por la tolerancia, la convivencia pacífica y las libertades. Por ello, merece la pena dedicar una exposición a este paréntesis de esperanzas y acuerdos que supo dar alternativas a conflictos que parecían irresolubles".

El anónimo flamenco "Minerva desarmada por Venús. Alegoría de la Paz de Cateau-Cambrésis", inicia el recorrido por la primera sección dedicada a "La revuelta de los Países Bajos (1559-1597)", donde se exhiben obras emblemáticas como "La furia española en Amberes", grabados de Franz Hogenberg, la "Alegoría de la rendición de Amberes" de Hans Vredeman de Vries o el retrato de la infanta Isabel Clara Eugenia de Juan Pantoja de la Cruz.

El segundo apartado trata "La Pax Hispanica en el contexto europeo (1598-1617)" y en el se muestran, entre otras, pinturas como "El romance de los caballeros de la Gloria", anónimo francés; "Intercambio de las princesas Ana de Austria e Isabel de Borbón en el Bidasoa", atribuido a Peter van der Meulen, así como destacados libros, haciendo referencia a las comedias de Lope de Vega.

En la ultima sala, "La Tregua de los Doce Años (1609-1621)", se contemplan pinturas como "La derrota de los españoles en Gibraltar", de Adan Willaerts, "La fecundidad o la Abundancia" de Jan Brueghell II o la custodia donada por Felipe III al Real Hospital de San Andrés de los Flamencos.

Fundación Carlos de Amberes
C/ Claudio Coello, 99. 28006 Madrid. 914352201
Fechas: Del 26 de octubre de 2009 al 31 de enero de 2010

Horarios: De martes a viernes de 10,00 a 20,30 h.
Sábados de 11,00 h. a 14,00 h. y de 17,30 h. a 20.30 h.
Domingos y festivos de 11,00 h. a 14,30 h

Precio de la entrada: Martes y miércoles: Entrada general gratuita
De jueves a domingo: General 3 euros
Con visita guiada, jueves y viernes a las 17,00 h. y a las 19,00 h. (previa reserva en el tel. 91 435 22 01 91 435 22 01 o el correo electrónico ana@fcamberes.org): 5 euros
Amigos de la Fundación Carlos de Amberes y menores de edad: Entrada gratuita

Don Juan Carlos inaugura en Madrid una exposición sobre Carlos III.

Don Juan Carlos ha inaugurado esta semana una exposición que conmemora el 250º aniversario de la coronación de Carlos III, organizada por la Real Academia de San Fernando en Madrid. La exposición, inaugurada bajo el título Carlos III. Entre Nápoles y España y patrocinada por Endesa, reúne cuadros y esculturas que repasan la vida del monarca y que proceden del Museo Nacional del Prado, de la Real Academia de Bellas Artes y el Palazzo Quirinale, entre muchas otras instituciones.

viernes, 30 de octubre de 2009

‘Mucho más que Pop’, exposición al dedica al Pop Art en la galería Arteselección.










Del 29 de octubre al 30 de diciembre de 2009

Obra gráfica de Rafael Canogar, Eduardo Arroyo, Equipo Crónica, Eduardo Úrculo y Antonio de Felipe.

Todos los grandes maestros de la figuración del siglo XX están presentes en ‘Mucho más que Pop’, la muestra que arteselección dedica al Pop Art desde el 29 de octubre hasta el 30 de diciembre. La galería madrileña se viste así con los iconos publicitarios y cinematográficos que tan sabiamente utilizaron los artistas españoles para dar otra vuelta de tuerca al movimiento que triunfó en los Estados Unidos con Andy Warhol o Roy Lichtenstein.

La fina ironía de los maestros de este lado del Atlántico enriqueció aquella iniciativa con la agudeza de su compromiso político y con la osadía de quien se propone democratizar el arte urbano fuera de su ámbito natural. De esa manera impulsaron la cultura de masas más allá de la fascinación por el consumo y las nuevas tecnologías.

El Pop Art se apropia de las imágenes de la vida cotidiana que divulgan los medios de comunicación para proyectar una mirada crítica sobre la Historia a través del collage y el fotomontaje. Desprovistas de su anterior contexto, adquieren sobre el plano pictórico un carácter trascendental que contrasta vivamente con su aparente banalidad.

Esa interrelación permanente entre cultura popular y cultura de élite se convierte en punto de partida para la búsqueda de nuevos lenguajes figurativos que en la segunda mitad del siglo XX canalizaron la inquietud de una generación hastiada del elitismo abstracto. El Pop Art, en su sentido más amplio, legó a las vanguardias una narrativa que aún hoy sigue siendo vital para las aspiraciones de los movimientos artísticos emergentes.

El recurso a la pintura del pasado y al cómic de culto brinda también la posibilidad de sortear los mecanismos de control político para canalizar la rebeldía latente en la sociedad. Manipulando lo ya manipulado, se fuerza al espectador a reflexionar sobre conceptos que las manifestaciones y barricadas no consiguen extender entre las masas.

El Arte Pop surge en España de manera espontánea. Sin grupo ni manifiestos. Sin programa. Como un conjunto de individualidades que se conectan de manera más o menos casual. Todos los artistas abrazan la obra gráfica como técnica capaz de superar el concepto tradicional del arte como bien exclusivo y es así como surgen piezas de inaudita brillantez que estudiantes y obreros podían adquirir sin mayor quebranto para sus economías.

Desde las figuras sin rostro de Canogar hasta las turgencias femeninas de Úrculo, todo es Pop Art, aunque mucho más que arte pop, como puede comprobarse estos días en la galería arteselección de Madrid. Destaca también la incursión en el mundo de los cuentos infantiles de Eduardo Arroyo y el hedonismo rabiosamente americano de Antonio de Felipe con sus recreaciones velazqueñas y sus guiños constantes al mundo de la publicidad.

Unos y otros llevan implícito el marchamo de una generación que en muchos aspectos es heredera de las vanguardias históricas, aunque su práctica artística sea posmoderna gracias a la apropiación de imágenes preexistentes y a la crítica de la realidad política y social.

‘Mucho más que Pop’ es el resumen de una época y todos los artistas representados se encuentran entre los mejores exponentes del arte contemporáneo español. Con sus diversos formatos, técnicas y tamaños, abre un abanico insospechado de posibilidades para el pequeño coleccionista que en esta exposición encuentra obras firmadas de puño y letra de sus respectivos autores por menos de 600 euros. Una vez más, el concepto intrínsecamente pop del artista como marca.


Arteselección
C/ Santa María, 25
28014 Madrid
Tfno. 913896550
www.arteseleccion.com

Exposición de pintura y dibujos de Javier Blázquez Murillo, "La mujer no querida de la historia".




Exposición de pintura y dibujos de Javier Blázquez Murillo. Intitulada “La mujer no querida de la historia, II”, la exposición trata de los diversos aspectos relacionados con la figura de la mujer en la sociedad y en las artes, a través de la historia. La exposición será presentada por Martín Cid, el director de la revista de artes y cultura Yareah y por el artista plástico Romeo Niram. Las obras de Javier Blázquez Murillo, licenciado en Bellas Artes, hablan sobre su admiración por los grandes maestros de la pintura, Tiziano, Rafael, Rembrandt. Muchas veces, el pintor se centra en alguna obra prima de ellos y ofrece su propia visión.

Espacio Niram - Galería Nicole Blanco, Madrid
Calle Independencia Nº2, 28013, MADRID
(Metro Opera, Plaza Isabel II)
Tel. 918 332 462 918 332 462
Email: espacioniram@espacioniram.com
espacioniram@gmail.com
www.espacioniram.com

jueves, 29 de octubre de 2009

Estampa, la feria del arte emergente y contemporáneo, estará abierta hasta el 1 de noviembre en Ifema.




Estampa, la feria asequible a la clase media y aliciente para bolsillos jóvenes que quieren coleccionar obras de arte emergente y contemporáneo, estará abierta hasta el 1 de noviembre.

Con fotos desde 200 euros, hasta serigrafías y litografías de cuatro y cinco cifras en el precio, la 17ª edición de esta Feria de Arte Múltiple Contemporáneo español ofrece un amplio abanico de piezas en su casi centenar de galerías nacionales y extranjeras, que tienden a ser de corte conservador.

Así, el visitante hallará apuestas tan certeras como la única pieza en la feria del 'enfant terrible' británico y miembro de los Young British Artists (YBA) Damien Hirst, 'Throw it around', de 5.800 euros, según indicó la galería Obra Gráfica Original.
En ese espacio está la única obra a la venta en la feria de Francis Bacon, pintor irlandés del que se cumple esta semana el centenario de su nacimiento. Se trata del tríptico 'La Orestiada de Esquilo', valorado en 10.000 euros.

ESTAMPA 09 ha traído por primera vez, gracias a la galería SE7 Espai D'Art (Alicante), la serie 'Más allá de las edades', que creó a sus 90 años el poeta Rafael Alberti, formada por seis serigrafías con una tirada de 150 copias que oscilan entre 1.740 y 2.088 euros.

A su vez, es posible hallar obra de dos artistas 'top' en el mercado arte, quienes destacan más como escultores y creadores de instalaciones, pero de los cuales ESTAMPA 09 expone cuadros. El británico Anish Kapoor de cuyo proyecto 'Shadow II' se venden copias por 2.900 euros; y el estadounidense Richard Serra del que se exhiben sus serigrafías 'Parts&Edges' -60 ejemplares de entre 4.800 y 5.200 euros-, inspiradas en la visión aérea de sus esculturas, según indicó a Efe la galería La Caja Negra.

Entre estas propuestas 'únicas' en la Feria se puede optar por piezas que combinan el binomio caro e inversión segura y están firmadas por artistas españoles claves en la Historia reciente del Arte.
Desde los fallecidos Picasso, Chillida, Miró y Pablo Palazuelo hasta los contemporáneos Manolo Valdés, Barceló y Tapiès; entre los que destaca Luis Gordillo, que recibió hoy el Premio Estampa 09 de la Comunidad de Madrid por su proceso digital "Archipiélago".

Fuente: Agencia EFE

42 Diseños de jóvenes iberoamericanos se exponen en la Casa de América.

Proyectos de diseño como la cocina "Non smoke stove", creada para mejorar las condiciones de vida en Guinea-Bissau, ideas para facilitar la convivencia de vecinos en una azotea, el transporte de ganado en Colombia o el ahorro de agua, se exhiben desde hoy en la Casa de América, en Madrid.

Titulada "Talentos Design", la muestra acoge 42 proyectos de jóvenes talentos iberoamericanos de diseño sostenible que fueron elegidos entre un millar de propuestas de casi un millón y medio de internautas, según el comunicado de la organización.

La exposición, que ha sido organizada por la Fundación Banco Santander y la Casa de América, permanecerá abierta hasta el próximo 15 de noviembre con 42 obras de diseño de interiores, industrial, de moda o gráfico.

De esa cuarentena de proyectos que concurrieron en el certamen homónimo (www.talentosdesign.com) se exponen también los cinco ganadores que fueron elegidos por un jurado.

El primer premio -dotado con 5.000 euros- fue para la cocina "Non smoke stove", de Pablo Montilla (Instituto Europeo di Design, Madrid), creada para que la ONG Plan Internacional se la facilite a las capas más desfavorecidas de Guinea-Bissau.

Y los cuatro restantes premiados con 2.500 euros en cuatro áreas: Espacio e Interiorismo, "Habitar la azotea", de Víctor Mena y Celia Alba (Universidad Politécnica de Valencia, España), y Productos, "Equipo de transporte de ganado", de Carlos Miguel Cepeda (Universidad del Norte, Barranquilla, Colombia).

A su vez, en la categoría de Gráfico el ganador fue "Por qué", de Pablo García González (Escuela Superior de Arte de Avilés, España), y en Moda y Textil, "Un objeto...un sólo uso?", de Estefanía Herrero (Universidad Politécnica de Madrid, España).

"Talentos Design" contó con una amplia participación -unos mil proyectos- que procedían principalmente de España con un 42%, seguida a gran distancia de Colombia (11,7%), México (8,5%), Argentina (6,7%), Brasil (6,18%) y Perú (5,87%).

"Luzdía" en la Sala de exposiciones Ultravioleta.


La Galería virtual "Luzdía" presenta en la Sala de exposiciones Ultravioleta, obras originales de una selección de 16 autores que forman parte de este colectivo.


Sala de exposiciones Ultravioleta
Calle: Cavanilles 21

miércoles, 28 de octubre de 2009

FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTA EL CURSO “¿QUÉ NOS QUEDA DEL SIGLO XX?”

El Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE va a poner en marcha un nuevo curso de iniciación al Arte Contemporáneo, titulado “¿Qué nos queda del siglo XX?” en el que, bajo la dirección de Pablo Jiménez Burillo, Director General del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE, se analizará la herencia del arte del siglo pasado en las nuevas expresiones artísticas de nuestros días.

El curso, que se celebrará desde el 29 de octubre hasta el 3 de diciembre en el auditorio MAPFRE de la Avenida General Perón, consta de diez conferencias en las que se estudiará lo contemporáneo como expresión que hay que preservar en el futuro, se examinarán los límites del arte y se debatirá sobre la búsqueda de la libertad en la expresión artística del siglo pasado.
En este curso, donde se tratarán fenómenos como la desmaterialización y la escenificación del arte, y se abordarán movimientos como el simbolismo, la abstracción o el impresionismo.

A lo largo de las diez conferencias, participarán personalidades nacionales e internacionales del mundo del arte como Juan Manuel Bonet, escritor y crítico de arte; Francisco Calvo Serraller y Estrella de Diego, Catedráticos de Historia de Arte de la Universidad Complutense de Madrid; Pascal Rousseau, profesor de la Universidad François-Rabelais de Tours; o Werner Spies, antiguo Director del Centro Pompidou de París y crítico de arte.

Los participantes que asistan a este curso de iniciación recibirán un título acreditativo. Además, en todas las conferencias se contará con traducción simultánea al lenguaje de signos para aquellos matriculados que precisen de dicho servicio y lo soliciten al realizar la matrícula,
El curso tiene un coste para todos los alumnos de 60 euros.

Para conocer todo el programa del curso “¿Qué nos queda del siglo XX?” y acceder al formulario de inscripción, pinche aquí:
http://www.mapfre.com/fundacion/es/cursos-de-formacion/cultura/cursos/que-nos-queda-del-siglo-XX-2009-presentacion.shtml

Cuando el Telón de Acero desaparecía, en el Ateneo.





En la Sala de Exposiciones del Ateneo de Madrid podemos disfrutar de la EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA organizada El Centro Checo, Embajada de Hungría, Instituto Polaco de Cultura e Instituto Cultural Rumano han preparado una exposición colectiva de 40 fotografías que documentan los acontecimientos pasados hace 20 años, cuando se derrumbaba el régimen comunista en la Europa Central y de Este. La exposición forma parte del ciclo de actividades culturales organizadas con motivo del 20° aniversario de la caída del Telón de Acero.
Anotaciones históricas
POLONIA
En Polonia se inició el proceso revolucionario con las huelgas en el verano de 1988. El gobierno comunista se vio obligado a negociar con el sindicato Solidaridad. En los acuerdos de abril de 1989 se reconoció legalmente el sindicato y con ello se abrió un proceso de transición democrática. En las elecciones de junio del mismo año, el partido comunista fue derrotado y se formó un gobierno presidido por el dirigente de Solidaridad Mazowiecki. En 1990 fue elegido presidente Lech Walesa.
HUNGRÍA
En Hungría iniciaron el proceso democrático los propios comunistas reformadores como Imre Pozsgay. En 1988 fue expulsado el viejo Janos Kadar y en primavera de 1989 se estableció el multipartidismo. En septiembre de 1989, Hungría decidió abrir su frontera con Austria. La decisión tuvo una enorme repercusión exterior, ya que por esta "brecha" en el Telón de Acero huyeron miles de habitantes de la RDA hacia la RFA. En octubre de 1989 se disolvió el partido comunista y se aprobó una constitución democrática. En las elecciones de 1990 ganaron fuerzas democráticas anticomunistas.
CHECOSLOVAQUIA (hoy CHEQUIA y ESLOVAQUIA)
La caída de Muro de Berlín el 9 de noviembre de 1989 aceleró los cambios también en Checoslovaquia. El 17 de noviembre de 1989, la manifestación estudiantil en memoria de Jan Opletal, estudiante asesinado por los nazis, se conviertió en una manifestación masiva que exigía reformas políticas. Fue duramente reprimida por el régimen. Con ello se inicia la "Revolución de Terciopelo", llamada así por su carácter no violento, que llevó a finales de diciembre a la presidencia de la Asamblea legislativa al héroe de la Primavera de Praga, Alexander Dubček, y a la jefatura del Gobierno a Václav Havel, uno de los disidentes más famosos en la Europa comunista.
RUMANÍA
En Rumanía tuvíeron lugar los acontecimientos más violentos. El 21 de diciembre de 1989 una manifestación para glorificar a Nicolae Ceaucescu se convirtió en una protesta popular. Estalló una insurrección preparada por diversos cargos del partido comunista y apoyada por el ejército y el pueblo. Tras vencer a la policía secreta del régimen, el dictador y su mejur fueron apresados, juzgados y ejecutados el 25 de diciembre. La revolución rumana causó cerca de dos mil víctimas y puso fin del ciclo revolucionario de 1989 en la Europa Central y del Este.
CENTRO CHECO MADRID
Embajada de la Rep. Checa
Avda. Pío XII, 22-24
28016 Madrid

lunes, 26 de octubre de 2009

Madrid acogerá del 2 al 29 de noviembre la VII edición de la Mostra Portuguesa.

La ciudad de Madrid acogerá del 2 al 29 de noviembre la VII edición de la Mostra Portuguesa en la que se abarcará el universo del país vecino, incluyendo música, moda, artes plásticas, danza, teatro, literatura, filosofía, cine y gastronomía, entre otras disciplinas.

La capital española volverá a abrir sus puertas a la cultura del país vecino, junto a otras ciudades como Barcelona, Cáceres, Badajoz, Valencia, Zaragoza, A Coruña, Vigo, Santiago de Compostela y Alcalá de Henares, en una propuesta que abarca el universo portugués e incluye música, moda, artes plásticas, danza, teatro, literatura, filosofía, cine y gastronomía, entre otras disciplinas.

En el apartado musical,el fado vuelve a ser protagonista en esta nueva edición de La Mostra, e incluye un concierto-diálogo sobre el escenario, que reunirá a la portuguesa Cristina Branco y la española María Berasarte.

Además, el conocido y prestigioso compositor Rodrigo Le'o actuará en Madrid y en Barcelona. Deolinda, uno de los más interesantes proyectos musicales surgidos últimamente en Portugal, actuará en el Círculo de Bellas Artes y la música étnica de la lusofonía la ofrecerá la formación Nua Trío.

Asimismo, dentro del apartado de las artes plásticas destaca El escultor del silencio, del maestro Canto da Maia, un trabajo en terracota que muestra una interesante variedad de temas, motivos, figuras y estéticas.

Esta exposición se podrá visitar en la delegación del Principado de Asturias en Madrid; la exposición In-Sonoro (Intituto Europeo de Design en Madrid) del artista Leonel Moura y la exposición del dibujante de cómics Richard Câmara, que se podrá visitar en la Universidad Autónoma de Madrid y en la de Alcalá de Henares.



CICLOS DE CINE

La Mostra Portuguesa incluye además dos ciclos de cine (uno de ficción y otro de documentales para exhibir en las filmotecas de Madrid, Zaragoza y Valencia), danza (Tânia de Carvalho y su espectáculo De mi no puedo huir, paciencia! integrado en el Festival de Otoño), literatura (encuentros bilaterales entre poetas y novelistas), teatro (la obra Jaula, de Ana Cristina Câmara, en Casa de América).

Otras actividades culturales son la presentación de la antología bilingüe de la poesía portuguesa Alma Minha Gentil (de los orígenes hasta nuestros días) y el doble recital (en Madrid y Barcelona) de los poetas Manuel Alegre, Vasco Graça Moura y Ana Luísa Amaral, presentados por César António Molina y Carlos Clementson; y la 2ª edición del seminario De Mar a Mar, organizado por la Cátedra José Saramago de la Universidad Autónoma de Barcelona, el Instituto Cam'es y el Instituto Cervantes, que se celebrará en Barcelona.

La gastronomía cuenta con su propio espacio dentro de la programación en la Semana de Gastronomía Portuguesa, un recorrido por lo mejor del arte culinario luso de la mano del chef ejecutivo de Tivoli Hotels & Resorts, Luis Baena. Se celebrará del 16 al 20 de noviembre en el Hotel Villa Magna de Madrid.

Manolo Valdés expone sus 17 'Meninas' dentro de la exposición 'Arte en la Calle' de CaixaFórum.

El artista valenciano Manolo Valdés expondrá hasta el 22 de noviembre, 17 esculturas que representan a 'Las Meninas' dentro de la exposición 'Arte en la Calle' del CaixaFórum, informó el centro cultural.

El objetivo es impresionar a los viandantes con la majestuosidad de estas figuras, que representan a mujeres tan importantes en la historia como 'La dama de Elche', 'La reina Mariana' o 'La infanta Margarita', inmortalizadas por Velázquez, o 'La gran Odalisca' de Ingres.

El resultado se convierte en iconos de la belleza, la emoción y el valor de las creaciones del espíritu humano más allá del tiempo. Y es que Valdés, uno de los principales artistas españoles del panorama internacional actual, ha buceado en la historia del arte para recrear algunos de sus temas libremente y en tres dimensiones.

El programa 'Arte en la calle', una línea de exposiciones iniciada por la Obra Social La Caixa con el objetivo de aproximar las creaciones de los artistas contemporáneos al público que no tiene por costumbre visitar museos y galerías de arte, inició su andadura en 2006 con los bronces gigantes del artista Igor Mitoraj, y cuenta en estos momentos con dos exposiciones más en curso.
El programa también incluye la exposición 'Rodin en la calle' que, tras exhibirse en Sevilla, Bilbao o Madrid, se podrá ver próximamente en Barcelona y Valencia.

LA DANZA DE LOS COLORES. EN TORNO A NIJINSKY Y LA ABSTRACCIÓN.







FUNDACION MAPFRE, en colaboración con la Kunsthalle de Hamburgo, presenta La danza de los colores. En torno a Nijinsky y la abstracción. Se presenta un conjunto prácticamente desconocido de dibujos de Vaslav Nijinsky (1889-1950) en el contexto de la modernidad visual de su tiempo, participando de este modo en los actos que en todo el mundo conmemoran el centenario de la primera actuación de los Ballets Rusos en París.

Hace un siglo, el 19 de mayo de 1909, comenzó en París la campaña triunfal por Europa de la compañía de danza Ballets Rusos, dirigida por el empresario Sergéi Diaghilev. Nijinsky era el bailarín solista masculino más sobresaliente y la estrella de la compañía, y se convirtió, para la intelectualidad de la época, en una figura de culto. Muchos artistas destacados de su época, como Léon Bakst, Jean Cocteau o Georg Kolbe, hicieron del bailarín protagonista de sus creaciones.
Al igual que Nijinsky, los pintores Sonia Delaunay-Terk, Alexandra Exter, Vladímir Baranov-Rossiné y František Kupka (formados en Odessa, San Petersburgo, Moscú y Praga) habían ido a París para hacer realidad sus ambiciones artísticas en la metrópoli más vanguardista de Occidente. Todos ellos compartían el interés por representar el movimiento del ser humano en el espacio. Para ello dirigieron su atención sobre todo a la dinámica, el ritmo y la vitalidad de la danza.
Sus pinturas muestran formas circulares giratorias, arcos, espirales y curvas de oscilación melódica. Las superficies de los cuadros están estructuradas por patrones dispuestos rítmicamente, y muchas de las obras se despliegan en secuencias de imágenes yuxtapuestas. Inspiradas por la música, reivindican absolutamente los colores puros, liberados de su función de representación. Partiendo de la figura humana, de la danza y del radio de movimiento del cuerpo y sus extremidades, cada uno de los artistas de la exposición llegó a la abstracción por un camino propio. Los principios fundamentales de la configuración de sus pinturas presentan profundas coincidencias formales con las coreografías modernas que Vaslav Nijinsky representó por primera vez en 1912.

La exposición comprende un total de 64 obras (pinturas, dibujos y una escultura), de entre ellas 21 dibujos de Nijinsky, en gran parte procedentes de la Fundación John Neumeier, y otras tantas obras del resto de artistas, procedentes de importantes museos y colecciones particulares de Praga, París, Hamburgo, Zúrich, Londres, Moscú, Lisboa y Nueva York. El catálogo de la exposición incluye reproducciones en color de todas las obras y nuevos artículos de investigación de renombrados especialistas.

Del 7 de octubre al 20 de diciembre de 2009.
FUNDACIÓN MAPFRE. Instituto de Cultura.
Paseo de Recoletos nº 23. Planta -1.

domingo, 25 de octubre de 2009

Exposición en el Reina Sofia: Rodchenko y Popova. Definiendo el constructivismo.


La exposición, una de las más importantes de la temporada, recoge la obra de dos figuras clave de la formación estilística y teórica del Constructivismo Ruso: Liubov Popova (1889 -1924) y Alekxander Rodchenko (1891 – 1956). Organizada por la Tate Modern de Londres en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la muestra, que ha sido comisariada por Margarita Tupitsyn, supone un completo repaso a este movimiento artístico que cambió la cara del arte ruso.

La amplia muestra, la más completa que hasta ahora se les ha dedicado en España, recoge aproximadamente 350 trabajos, realizados entre 1917 y 1929 por ambos artistas: pinturas, carteles de cine y teatro, dibujos de diseño de trajes, de muebles, libros, fotografías y esculturas. Como complemento se proyectarán algunas películas de la época que guardan relación con los artistas y se podrán ver otros trabajos de creadores coetáneos.

Una característica a destacar de la exposición, es la equiparación de los sexos (en consonancia con los ideales de la Revolución Rusa); a Popova se le ha otorgado el mismo espacio e importancia que a Rochednko y en términos de calidad e innovación en el trabajo, no hay diferencia entre los dos artistas.

La exposición arranca en 1917, año de la Revolución de Octubre, cuando Popova y Rodchenko empezaron a aplicar al diseño sus experimentos anteriores sobre abstracción geométrica. Con la convicción de que el lenguaje abstracto tenía el potencial de alterar la vida cotidiana, ambos artistas transformaron la pintura en un campo de pruebas de formas abstractas capaces de influir en las primeras teorías de la arquitectura constructivista y las nuevas ciudades socialistas.

En el arranque de la exposición, se muestran los primeros trabajos realizados por los artistas: una extraordinaria colección de lienzos y obra gráfica producidos entre 1917 y 1921 que reflejan la aplicación inmediata de su vocabulario abstracto, todavía muy influido por la arquitectura.
Siguiendo el recorrido expositivo, encontramos una sala dedicada a uno de los grandes pioneros del arte abstracto, Wassily Kandisky, influencia evidente en los primeros momentos del Constructivismo ruso y figura clave para los dos protagonistas de la muestra.

Más adelante, y después de pasar una sala dedicada a escultura, se presenta parte de la exposición titulada “5x5 = 25” que Rodchenko y Popova realizaron en Moscú en 1921 junto a Varvara Stepanova, Aleksandr Vesnin y Aleksandra Exter, donde renunciaban a la pintura. A partir de este momento, nos encontramos con la transición desde la pintura a otros medios como el diseño gráfico o la moda. Por lo tanto, los dos artistas promovieron una práctica multi-media que incluyó desde diseño para cine y teatro, hasta el diseño de pósters, libros, ropa, textiles, y muebles. En este sentido encontramos, por ejemplo, diseños para portadas de libros de escritores como Trotsky o Mayakovsky.

La exposición aúna también las contribuciones originales de ambos artistas en estos medios, enfatizando en su dedicación al trabajo en colaboración y su implicación con las industrias locales. La muestra de las obras utilitarias de Rodchenko y Popova pondrá de manifiesto el grado en el que ambos artistas influyeron en la moda, los medios audiovisuales, el teatro y el cine del siglo XX.

La temprana muerte de Popova, en 1924 no le permitió entrar en la siguiente fase del Constructivismo. A partir de este momento Rodchenko se dedicaría exclusivamente a la fotografía y el cine. La exposición, recoge, cómo éste empleaba la cámara para reflejar de forma efectiva la nueva arquitectura Soviética, y para identificar, por medio de enérgicos retratos, a las figuras claves del movimiento Constructivista. Por último, se proyectará la película Moscú en Octubre, 1927 de Boris Barnet donde Rodchenko participó como director de arte y diseñó los títulos de crédito del film.

Fecha: 21 de Octubre de 2009 - 11 de Enero de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Sala 103

viernes, 23 de octubre de 2009

La capital celebrará su I Semana Gótica desde mañana hasta el 1 de noviembre en la Plaza Felipe II.

La capital celebrará su I Semana Gótica de Madrid entre mañana, 24 de octubre, y el 1 de noviembre en la Plaza Felipe II, un evento cultural, académico y multidisciplinar para conocer autores góticos clásicos y actuales, ver la obra de artistas plásticos, disfrutar de cortometrajes, conferencias de expertos sobre cine y literatura, conciertos y talleres, todo ello enmarcado en el estilo 'siniestro'.

Besarilia, asociación cultural sin fines de lucro de manera conjunta con la agencia de comunicaciones TwentyfourSeven han elaborado el programa del evento, que se puede consultar en la web www.semanagoticademadrid.com Contará con escritores, conferenciantes, artistas audiovisuales, músicos, compañías de teatro y artistas del cómic.

Según informó la organización, desde el primer momento la Semana Gótica de Madrid fue concebida como un evento académico y multidisciplinar, una ocasión para conocer autores góticos clásicos y actuales, ver la obra de artistas plásticos, disfrutar de cortometrajes, conferencias de expertos sobre cine y literatura, todo ello enmarcado en el estilo gótico. "Y por supuesto conocer la perspectiva de los estudiosos de los movimientos góticos urbanos en la actualidad", señalaron.

Asimismo, la I Semana Gótica, que se celebrará aprovechando las fiestas de Halloween y Todos los Santos, pretende posibilitar que los escritores se conozcan, debatan, y sepan por qué derroteros marcha la literatura gótica actual en los países de origen de los mismos. En este sentido, será un punto de encuentro para el contacto no sólo entre escritores sino con los libreros especializados y una oportunidad para editores independientes de vender una parte significativa de su producción.

Los organizadores pretenden, igualmente, favorecer la divulgación de los trabajos de artistas plásticos góticos de culto en disciplinas como la fotografía, el cómic y la pintura, divulgar los trabajos escénicos de compañías de teatro que actualmente presentan obras de ese estilo, acercarse a la música de los períodos romántico y gótico y conocer en profundidad el movimiento gótico actual y sus fuentes de inspiración en la literatura y el cine.

Por otro lado, en el contexto de la I Semana Gótica de Madrid se ha convocado el I Premio Avadoro de novela gótica. Podrán participar en el premio todos los autores que lo deseen, sin importar su nacionalidad, siempre que la naturaleza de la obra que presente se ajuste al común concepto de novela, se haya escrito originariamente en español y pertenezca al género gótico, entendiendo por tal no sólo el canon de autores clásicos, sino también cualquier nueva formulación o innovación que sobre este canon se pueda llevar a cabo.

“Si me descuido, no vienes”: Una expo-acción realizada por Javi Larrauri y Chevi Muraday.


Javi Larrauri y Chevi Muraday crearon el concepto de expo-acción con la idea de aglutinar danza y arte en un único formato, intentando en cada ocasión intervenir el espacio utilizado ofreciendo su propia visión de él.En el primer encuentro entre estos dos artistas, ocuparon un antiguo prostíbulo de la madrileña calle Ballesta.
En los distintos espacios de este burdel, el público se podía encontrar con instalaciones, obras de arte y solos interpretados por bailarines, creados expresamente para la ocasión.Estos dos artistas madrileños con inquietudes similares buscan espacios no convencionales para seguir desarrollando su obra en conjunto retroalimentándose mutuamente.

En esta ocasión Javi Larrauri y Chevi Muraday crean un recorrido donde el espectador podrá ir transitando por diferentes formas de expresión que ellos han ido adquiriendo a lo largo de sus carreras. Los textos y obra pictórica de Javi Larrauri acompañan al movimiento de Chevi Muraday jugando y ensamblándose para que el espectador pueda adquirir una clara visión del trabajo de estos dos artistas madrileños.
El agua estará en todo momento presente durante la expo-acción con la idea de desatascar conciencias y abrir mentes.
Estas expo-acciones abren una vía en esta ciudad tan necesitada de encuentros entre creadores y espacios abiertos a la investigación.
Fundación Canal.
C/ Mateo Inurria, 2
29 octubre 2009
21 horas
Entrada gratuita.

Exposición: "CASA TOMADA" en Galería Columpio




En 'Casa Tomada', Theo Firmo (Brasil, 1983) presenta una serie de dibujos y un vídeo que dan continuidad a su investigación acerca del retrato y los espacios familiares que pertenecen a la memoria colectiva. Imágenes que se materializan en líneas sobre papel milimetrado que es una de las señas de identidad de ese artista brasileño y que ahora presenta su primera exposición individual en la galería Columpio, en la que en 2007 mostró sus dibujos en una colectiva.

Galería Columpio
Torrecilla del Leal 7
28012 Madrid - España
Tel: +34 91528 02 39
HORARIO
Lunes a viernes: 17.30 - 21.00 h. y sábado: 12.00 - 14.30 y 17.30 - 21.00 h.

jueves, 22 de octubre de 2009

Una exposición en Nuevos Ministerios recorre los 90 años de Metro.



Una exposición en Nuevos Ministerios recorre los 90 años de Metro a través de sus escrituras, insignias y billetes.

Metro de Madrid ha organizado una exposición en la estación de Nuevos Ministerios para conmemorar sus 90 años de vida y para ello ha reunido sus reliquias más destacadas como las escrituras de la fundación de la compañía, los diseños de los billetes a lo largo de estas décadas o las distintas insignias que ha tenido el metropolitano.

En la muestra puede verse desde los primeros uniformes utilizados por los trabajadores del Metropolitano, pasando por la evolución de los planos hasta las placas, semáforos y timbres del suburbano.

También hay muestras de las primeras máquinas expendedoras, así como maquetas y fotografías de la historia del suburbano que, desde su primer día de servicio, el 17 de octubre de 1919, con 600.000 habitantes en Madrid, ha evolucionado al compás de la sociedad madrileña.

La exposición permanecerá en Nuevos Ministerios durante el fin de semana y después se ubicará en la sala Expometro de Retiro, donde podrá ser visitada desde el 21 de octubre hasta el 9 de noviembre.

Exposición "The Subjecters", de Thomas Hirschhorn en la Casa Encendida.

“The Subjecters”, primera exposición individual del artista Thomas Hirschhorn en Madrid, es un “comentario sobre el mundo en el que vivimos, complejo, caótico, cruel, pero a la vez hermoso y espléndido”, según el propio artista. Se podrán ver instalaciones, esculturas, y vitrinas con maniquíes en su interior.

El trabajo de Thomas Hirschhorn (Berna 1957), se caracteriza por ser una reflexión comprometida sobre la realidad contemporánea. Haciendo uso de distintas disciplinas como la escultura, el vídeo o la instalación, Hirschhorn desarrolla un trabajo ligado a la crítica social y política.

A través de la utilización de materiales cotidianos como cinta adhesiva, cartón, hojas de plástico, fotocopias, o, en este caso maniquíes, representa situaciones universales de una manera transgresiva y directa. A través de los maniquíes que nos representan, el artista, nos habla de una “herida universal”, que quiere dar forma a su afirmación “Yo soy responsable de cada herida producida en cualquier parte”.

Además de esta pieza, el artista ha producido dos nuevas obras para el proyecto: “Tool Vitrine” y “Subjecter”, que da título a la exposición. En la vitrina “Tool Vitrine” un maniquí parece amenazarnos con un martillo, aunque también podría estar simplemente cumpliendo su jornada laboral, rodeado de todo tipo de herramientas. Son útiles familiares a los habitantes de zonas industriales como Aubervilliers, donde se encuentra el estudio del artista. En medio de las herramientas, como si de un manual de instrucciones se tratara, aparece la “Ética” de Spinoza, uno de los libros favoritos de Thomas Hirschhorn. En la obra “Subjecter”, un solo maniquí completamente perforado por clavos, aparece fuera de las vitrinas, como una representación fetiche de una figura humana.

En las obras se puede observar que los maniquíes están “conectados” con la sociedad, ya sea a través de los tatuajes sobre la superficie de 4 women, ya sea a través de las revistas que resaltan el cuidado del cuerpo en la vitrina Mono Vitrine (Interview), de los libros de arte sobre Goya que nos recuerdan los desastres de la guerra en Mono-Vitrine (Goya), las herramientas en la pieza Tool Vitrine, o los muñequitos manga en INGROWTH. Se completa la exposición con dos instalaciones situadas en el centro de la sala, Black&White Hemisphere y The One World.

Video de la exposición del Museo Thyssen: "Lágrimas de Eros".




El Museo Thysen-Bornemisza ha escrito la historia del erotismo a través de los grandes mitos que han inspirado a maestros como Rodin, Gauguin, Rousseau, Courbet, Cézanne, Picasso, Rubens, Ernst o Warhol, en la exposición "Lágrimas de Eros".

La pasión erótica, desde todas las miradas y orientaciones sexuales, y la íntima relación entre el sexo y el instinto de muerte se muestran en las 119 obras exhibidas en la doble sede del Thyssen y la Fundación Caja Madrid.

Organizada temáticamente, las obras exhibidas recorren desde el romanticismo hasta el arte contemporáneo pasando por el simbolismo y el surrealismo así como el Renacimiento y el Barroco.

miércoles, 21 de octubre de 2009

Exposición Juan Bautista Maíno en el Museo del Prado.


La exposición Juan Bautista Maíno (1581-1649), que está compuesta por 35 obras del pintor español y otras 31 pinturas de los autores que más influyeron en su formación, entre ellos Velázquez y Caravaggio, permitirá al público contemplar la mayor parte de las obras de este artista, uno de los más importantes de la pintura española de la primera mitad del siglo XVII pero también más desconocidos debido a la tardía y difícil identificación tanto de sus datos biográficos como de sus obras.

Se trata de una ocasión inédita que ofrecerá al visitante la oportunidad de explorar y conocer en profundidad la figura de Juan Bautista Maíno, artista al que hasta ahora no se había dedicado una exposición monográfica. Gracias a los estudios sobre el pintor realizados en los últimos años y al creciente interés que ha despertado, se han ido añadiendo nuevas atribuciones a su escasa producción de unas 40 obras. Siete de estas atribuciones recientes se expondrán como obras del artista por primera vez en la muestra, además de algunas pinturas que hasta la fecha sólo se conocían por reproducción fotográfica y otras que se han exhibido en pocas ocasiones y que en ningún caso habían sido puestas en relación con otras obras del pintor.

También se incluyen en esta exposición algunas composiciones memorables como San Pedro Arrepentido procedente de la Galería Barbié de Barcelona, Magdalena Penitente de una colección particular suiza o Santo Domingo en Soriano, la más divulgada de sus iconografías, del Museo del Ermitage de San Petersburgo.

En cuanto a su importancia, cabe destacar las diez pinturas que conformaron su obra maestra en el convento donde ingresó como dominico en 1613: el Retablo de San Pedro Mártir, en Toledo, proveniente del extinto Museo de la Trinidad y hoy parte de las colecciones del Prado. Los cuatro lienzos de gran tamaño, que constituyen la parte más destacada de ese conjunto, son obras fundamentales de la pintura española del siglo XVII; la Adoración de los Magos y la Adoración de los pastores se sitúan en las cotas más altas de la mejor pintura europea del momento, remitiéndonos directamente a pintores como Savoldo, Caravaggio, Orazio Gentileschi o Guido Reni.

De las Colecciones Reales que ingresaron en el Prado, procede La recuperación de Bahía (1634-35), su obra más emblemática, destinada a decorar el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. La vinculación de Maíno con la corte le llegó gracias a su fama como excelente pintor y a su condición de dominico, y hacia 1620, cuando contaba 42 años, Felipe III lo llamó para que fuera maestro de dibujo del futuro Felipe IV. Por entonces, Maíno trabó amistad con Velázquez, a quién protegió y eligió en un concurso público para pintar el tema de La expulsión de los moriscos (hoy desaparecida) frente a rivales tan reputados como Carducho o Cajés.

De esta época del pintor cercana a Velázquez data el Retrato de caballero (1618-23), adquirido por el Museo del Prado en 1936, uno de los cuatro únicos cuadros firmados por el artista y capital dentro de su producción, en el que se aprecia con claridad los paralelismos con la pintura del sevillano.


Información de entradas y horarios: Entradas y horarios

martes, 20 de octubre de 2009

Exposición de Francesco Lo Savio en el Museo Reina Sofía






Del 14 de octubre de 2009 al 11 de enero de 2010

Primera muestra en España de Francesco Lo Savio (Roma, 1935 – Marsella, 1963), en la que se exhibe aproximadamente un ochenta por ciento de las obras realizadas por el artista en sus cinco años de actividad: las pinturas de la primera época, monocromos, los filtros, los metales, las Articolizioni totali. También se podrán contemplar una serie de trabajos relacionados con la arquitectura, disciplina que apasiona al artista en los últimos momentos de su vida.

A pesar de su prematura muerte a la edad de 28 años, paulatinamente Lo Savio se ha impuesto como una de las figuras más importantes de la escena artística de la segunda mitad del siglo XX. En apenas cinco años, contribuyó con cuadros magníficos a un informalismo todavía dominante en los tiempos en los que debutaba como artista, pero también rompió radicalmente con esa gran tradición para inventar un nuevo lenguaje que prefiguró, con bastantes años de antelación, las investigaciones americanas, particularmente minimalistas, que marcarían los años sesenta. Su obra fue tan radical y prolífica que hoy se le considera, no sólo como uno de los precursores más importantes del minimalismo americano, sino también del arte conceptual en Europa.

lunes, 19 de octubre de 2009

El museo Thyssen pone Madrid al rojo vivo con su exposición sobre el lado oscuro del deseo sexual: "Lágrimas de Eros".





El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid reciben el otoño con la que es su primera gran exposición de la temporada, "Lágrimas de Eros", una gran muestra dedicada al lado oscuro del deseo sexual.

Un escaparate integrado por 119 obras en la que los maestros antiguos conviven con los artistas contemporáneos para mostranos y transmitirnos los tormentos y laberintos de la pasión en diferentes formatos.

Desde lienzos de Paul Cezanne, Gustave Courbet o Dalí, a fotografías de grandes mitos como Andy Warhol, pasando por las esculturas de Auguste Rodin o el vídeoarte del estadounidense Bill Viola.

La exposición ha tomado prestado el título del útlimo libro publicado en vida por Georges Bataille, "Les armes de Eros" (1961), una obra en la que el autor indagaba en la conexión entre la pulsión sexual y el instinto de muerte.

Un extenso catálogo que confiere a esta exhibicón un carácter que el propio museo Thyssen ha calificado de "carácter total y pansexual". "Lágrimas de Eros" nada ente pinturas, esculturas, y como novedad, entre fotografías y vídeos.

El recorrido de la muestra, con clásicos como Delacroix, Ingres o Rodin, nos lleva desde el romanticismo al simbolismo, y de éste al surrealismo y a los autores contemporáneos como Louise Burgeois, Robert Mapplethorpe, Nan Golding o el videoartista Bill Viola.

El paseo por las salas de la Fundación Thyssen también propicia saltos atrás, flashbacks artísticos hacia el Renacimietno y el Barroco.

Un gran repertorio de los mitos de Eros, y su pervivencia hasta nuestros días, que los visitantes de la muestra verán reflejados a través de las diversas épocas y medios artísticos.
Un intenso recorrido por el deseo y todos sus símbolos, las lágrimas, la ola y la espuma del mar, la cabellera o la serpientes, que el museo ha organizado de forma temática en las diferentes salas de su sede y de la Fundación Caja Madrid.

Así esta particular ruta del deseo arranca en una primera sala dedicada al nacimiento de Venus, con delicatessen como la famosa fotografía de Man Ray, "Las lágrimas", o la "Venus" de Amaury Duval.

El siguiente paso nos encamina a un conjunto de obras centradas en "Eva y la serpiente", con rostros famosos como el de Rachel Weisz fotografíada por James White, o el de Nastassja Kinski en el objetivo de Richard Avedon.

Sucesivos espacios ocupados por obras bajo epígrafes tan sugerentes como "Esfinges y sirenas", "El beso", "Andrómeda encadenada" o "Cazadores de cabezas", completan esta exhustiva mirada sobre el concepto de la pasión en la que no falta uno de los hombres más deseados, David Beckham.

Todos tendremos la oportunidad de verle dormido, durante una hora, en un vídeo del artista Sam Taylor-Woody filmado en un hotel madrileño en 2004.

Un "souvenir" especial.
Como novedad, y con el afán de unir el erotismo con los tiempos actuales, el Thyssen venderá una caja con tres preservativos, ilustrada con los Adán y Eva inmortalizados por Jan Gossaert en el cuadro "Eva y la serpiente".

'Lágrimas de Eros' puede visitarte hasta el 31 de enero de 2010 en el Museo Thyssen (Paseo del Prado, 8), de martes a domingo de 10.00 a 19.00 horas, y en la Fundación Caja Madrid (Plaza de San Martín, 1), de martes a domingo de 10.00 a 22.00 horas.

domingo, 18 de octubre de 2009

Madrid Restaurant Week, del 21 al 30 de octubre.


New York, Miami, Río de Janeiro, Ámsterdam, Londres, Lisboa...y ahoraMadrid.
Del 21 al 30 de octubre tendrá lugar la primera edición de Madrid Restaurant Week, una iniciativa con la que podrás disfrutar de menús delujo en los restaurantes de más alto nivel de la capital por sólo 25 €.

Desde hace más de 15 años ciudades como New York celebran cada año su Restaurant Week, una semana en la que se puede comer en los mejores restaurantes de la ciudad a un precio fijo y asequible para todos aquellos ciudadanos que no siempre tienen oportunidad de comer y cenar en establecimientos de tan alto nivel.

Ahora, de la mano del sello de calidad en la alimentación "Sabor del Año" y apoyados por el Patronato de Turismo del Ayuntamiento de Madrid, esta ideallega a la capital. Durante unos días podrás saborear los mejores platos deconsagrados chefs colaborando además con una causa solidaria ya que 1€ decada menú irá destinado a una ONG.

Solo tienes que consultar la lista de restaurantes que participan en Madrid-Restaurant Week, llamar para reservar mesa y por 25€ (sin incluir bebidas) disfrutarás de un menú de lujo además de contribuir con una buena causa.

sábado, 17 de octubre de 2009

Exposición: "Déjate Sorprender" en el Aeropuerto de Madrid-Barajas en colaboración con las Asociaciones APAFAN Y AFANIAS.




El Aeropuerto de Madrid-Barajas en colaboración con las Asociaciones APAFAN Y AFANIAS, asociaciones de apoyo a las personas con discapacidad intelectual, acoge desde ayer en sus instalaciones una exposición multidisciplinar que presenta al público la muestra de arte "Déjate Sorprender".

La exposición recoge, en tres formatos simultáneos, la obra artística de múltiples autores y autoras. Por un lado, la muestra está compuesta de una exposición de culturas y cerámicas. Otro es la proyección fotográfica y audiovisual de cuadros, actuaciones de percusionistas y teatro. Y por último una programación de actuaciones en vivo de diferentes formas de expresión artística y artesanal como la actuación del grupo de percusión "Tambores de Pozuelo", aulas de danza y talleres de imagen, pintura, encuadernación artesanal y costura artesanal.

La muestra se completa con diferentes paneles informativos que muestran información acerca de la labor que realizan las asociaciones a favor de las personas con discapacidad intelectual. Asimismo, se realizará una degustación de alimentos elaborados por trabajadores de un centro especial de empleo.

Las Asociaciones APAFAM, asociación de padres, amigos y familiares de personas con discapacidad, y AFANIAS, asociación pro personas con discapacidad intelectual, tienen como misión ayudar a la integración en la sociedad, reconocimiento y respeto de las personas con discapacidad y sus familias y mejorar su calidad de vida.
La exposición, situada en la zona de confluencia de los pasillos de acceso a los Terminales T2 y T3, desde el Parking P2 y el Metro podrá ser disfrutada por pasajeros y visitantes desde el 5 de octubre, hasta el 30 del presente mes.

viernes, 16 de octubre de 2009

Medialab-Prado pone en marcha la plataforma HelloWorld!

Creación escénica contemporánea y nuevas tecnologías, dedicada a impulsar el diálogo entre las tecnologías digitales y las artes escénicas. A través de un taller de producción colaborativa de proyectos, se desarrollarán ocho espectáculos de pequeño formato que incorporan técnicas de realidad aumentada, vídeo en tiempo real, escaneado en 3D, sensores de movimiento o videojuegos, con el objetivo de reflexionar sobre el espacio escénico, el papel activo del público o las nuevas posibilidades expresivas y narrativas del acto escénico.

El taller se celebra en octubre (15-18) y diciembre (10-13) de 2009 en la sede de Medialab-Prado y reunirá a cerca de 60 artistas, escenógrafos, diseñadores, dramaturgos, programadores, ingenieros, coreógrafos, etc. que trabajarán de forma colaborativa en grupos de trabajo interdisciplinares y abiertos a la participación de cualquier persona interesada. La convocatoria para colaboradores que deseen participar en el desarrollo de las obras está abierta en la web de Medialab-Prado www.medialab-prado.es.

Entre las actividades previstas destacan las conferencias de dos referentes del arte digital y electrónico actual: el estadounidense Zachary Lieberman (15 de octubre, 19:30 horas) y el performer catalán y fundador de La Fura dels Baus Marcel·i Antúnez (10 diciembre, 19:30 horas), ambas abiertas al público y de asistencia gratuita.

Además del taller, Medialab-Prado organiza el próximo sábado 17 de octubre a las 19:00 horas un Encuentro AVLAB dedicado al Escenario aumentado. En esta ya tradicional reunión mensual sobre audio y vídeo experimental, se presentarán los proyectos Buscando aberraciones, Sonoescénica: Teatro sonoro y realidad recortada y Versión_Beta, tres ejemplos de las posibilidades que surgen al aplicar nuevos materiales expresivos al espacio escénico, jugar a “recortar” los sentidos o engañarlos a través de la ilusión óptica o el vídeo en tiempo real.
El taller Helloworld! está coordinado e impartido por David Rodríguez, y cuenta con el apoyo docente de Jorge Cano y Óscar Villegas.


Proyectos seleccionados:

Demodrama - Faces (Enrique Esteban García, Patricia Esteban García e Ismael García Abad). Puesta en escena basada en máscaras aumentadas: imágenes en vídeo de máscaras suplantan el rostro del actor, permitiendo superponer rostros digitales a un cuerpo físico y definir diferentes formas de interacción entre ambos.

Homeward Journeys (Amaya Jiménez y Lara Sánchez Coterón) son mini performances en las que el público “juega” y dirige a los personajes como si se tratara de un videojuego.

Shift (Kyle McDonald y Lisa Parra) es una performance multimedia que busca explorar el cuerpo mediante un un set de imágenes en tiempo real que aumenten a los bailarines en el espacio. Orbital incluye a un malabarista y un video-artista que generan distorsiones sobre un patrón original.

Single loop, double loop (Mika Satomi) apuesta por hacer que la ropa de un performer transmita su movimiento y genere audio en tiempo real.

Viduina (Sebastián Antico). Sistema de movimiento de cámara que permite todo tipo de movimientos inteligentes, controlados y repetibles, y es susceptible de ser controlada mediante sensores.

El cuerpo llama pero el alma no responde (Jesús Barranco y Raúl Marcos). Mensajes nada cotidianos en un contestador automáticos se convierten en el material compositivo.

Proyecciones Adaptables (Guillermo Casado Lacabra). Espacio en el que los objetos cambien su textura dependiendo de su posición y orientación. Los visitantes pueden interactuar con los objetos simplemente moviéndolos para que reaccionen cambiando su apariencia.

Todas las actividades son de acceso gratuito.
Medialab-Prado
Plaza de las Letras
C/ Alameda, 15
28014 Madrid
Metro: Atocha (L1)

Exposición: "César Lucas. El oficio de mirar" en Conde Duque.



El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid ha inagurado la exposición 'César Lucas. El oficio de mirar', una retrospectiva sobre el trabajo realizado por el foto-reportero a lo largo de más de cinco décadas, desde 1960 hasta la actualidad.

En la exposiicón se puede disfrutar una colección de más de 120 instantáneas. Debido al gran volúmen de material, la exposición se ha dividido en varios apartados: Orígenes, Cine, Mitos de un país, Nuevos tiempos, Rostros y Recorridos.
Quizás lo más atractivo sea la colección son las fotografías que César Lucas tomó, en los años 60, en varios rodajes cinematográficos. Donde hay fotografías de Brigitte Bardot, John Lennon, Michael Caine o Sean Connery.

Hasta el 10 de enero, en el número 9 de la calle del Conde Duque, de Madrid.

jueves, 15 de octubre de 2009

VER ITALIA Y MORIR. Fotografía y pintura en la Italia del S.XIX.




Del 7 de octubre al 20 de diciembre de 2009 podrá visitarse en la sala de exposiciones de la planta 1, del edificio de FUNDACIÓN MAPFRE, en el Paseo de Recoletos, 23 de Madrid, la muestra que reúne pintura, fotografía y escultura en torno a la representación de Italia en el S.XIX.

FUNDACION MAPFRE, en colaboración con el Musée d’Orsay, presenta Ver Italia y Morir, -Pintura y Fotografía en Italia en el S.XIX- .Tras su paso por París, la exposición invita a un viaje para descubrir todos los tesoros del país que entonces encarnaba el summum de la belleza. Partiendo de una idea de Guy Cogeval y Ulrich Pohlmann, la exposición retrata Italia vista por los artistas desde una perspectiva múltiple y contrastada.

En tiempos del Grand Tour, todo creador que se preciara de serlo debía pasar por el rito de viajar a Italia y vivir la transformación que sus paisajes, sus gentes y su forma de vida infería en quien lo visitaba. Escritores, intelectuales, bohemios y aristócratas realizaban un viaje que les llevaba desde Venecia hasta Sicilia –esta última sólo para los más atrevidos- y les hacía resurgir con una mirada diferente, despierta, intensa.

El descubrimiento de la fotografía y su práctica alteró la concepción del país de peregrinaje y la belleza. Los artistas, dominados hasta este momento por su formación pictórica, abrazan un medio que les permite una objetividad documental desconocida hasta entonces. Aparece una fructífera tensión entre la manera de ver la realidad de unos y otros, y esto afecta a la percepción del denominado por muchos “paraíso terrenal”, pero también a la evolución que estos artistas sufrirán.

Ver Italia y Morir, título de esta exposición, deriva directamente de la famosa frase de Goethe “Vedi Napoli et poi mori” (Ver Nápoles y luego morir), se apropia de ese sentimiento y propone una simultánea contraposición y comunión de los frutos de estos descubrimientos, de la evolución del país y de sus gentes. Realiza un viaje en el tiempo que parte de los años del invento del daguerrotipo hasta la consolidación del Risorgimento, donde el telón histórico de fondo influye de manera determinante en la evolución del arte del XIX en Italia y en todos los artistas que reverencian este país. En esta exposición se invoca aquella atmósfera para devolverla a la actualidad recuperando su vigencia, haciendo memoria de fascinaciones precedentes para poder comprender las fascinaciones actuales.

Los miembros de la llamada Escuela de Roma investigarán y trabajarán con la fotografía, ahondando en esa aproximación más austera y neutra que el medio les permite, en comparación con la ensoñación que tiñe Italia de la mano de los pintores. Pompeo Molins, James Anderson o Giorgio Sommer, entre otros, deciden retratar las ciudades desde la distancia que les permite la fotografía, ahondando en la percepción del detalle geográfico y buscando que la atmósfera de la obra venga determinada por esta imagen fiel a la fuerza, no a la representación idílica sobre el lienzo.

A lo largo de la exposición podremos observar el diálogo que se entabla entre pintura, fotografía y escultura y que debe asemejarse en gran medida al diálogo sostenido por los ávidos viajeros que llegaban a Italia. La tensión entre la austeridad de los daguerrotipos y los calotipos y la riqueza de determinados lienzos como El Tepidarium "la sala donde las mujeres de Pompeya descansaban y se secaban al salir del baño", 1853 de Théodore Chassériau, o Les Pelerins a Rome, de Paul Delaroche, es palpable. Las fotografías del pueblo italiano de Carlo Baldassare Simelli o Edmond Lebel y los paisajes de Giacomo Caneva permiten apreciar la revolución que estaba sufriendo el arte y el país en ese momento.

Venecia, Florencia, Roma y sus foros; Pompeya y los yacimientos arqueológicos, Sicilia y Capri son algunas de las ciudades que encontraremos representadas bajo prismas muy diferentes. Los interiores de las iglesias y los templos, la representación de los paisajes ensoñados, y la nostalgia que impregna todas estas obras contrasta con la adusta densidad de las fotografías que se nutren de una melancolía más sobria por ceñida a la realidad.

El origen, las ruinas, la civilización antigua, hechizan a estos nuevos artistas. Plasman la memoria en imágenes absolutamente documentales, desnudas, sin aderezo. Tanto en estas obras como en los retratos podemos atisbar una Italia salvaje y ruda, a la par que dulce. Un territorio virgen donde muchos optan por asentarse desertando de sus países de origen.
Vamos recorriendo la Historia desde el viaje exclusivo de los más pudientes a los primeros viajes turísticos de la burguesía, que toma el relevo de la aristocracia. Su demanda se refleja en las primeras guías de Thomas Cook, y en los álbumes de expedición que los visitantes primero deben comprar y luego finalmente pueden elaborar ellos mismos cuando se populariza la técnica fotográfica. Los denominados turistas son entonces los viajeros por el placer de poder hablar de lo visto y vivido. Los hermanos Alinari o Alphonse Bernoud son algunos de los fotógrafos que viven de vender su obra como souvenir a los turistas. El recuerdo ya no es exclusivo de la clase social más pudiente. Las fotografías lo acercan a las gentes, y gracias a las guías ilustradas se viaja a ver lo ya visto, a encontrar la realidad de la que ya se tiene una imagen. Italia se convierte, para la Europa del norte, en un país lleno de un exotismo por descubrir.
Paralelamente, y desde un punto de vista muy distinto, está ocurriendo lo mismo con España.
El mundo ama a Italia. Italia se ofrece y el mundo acepta. El país sufre la transformación del Risorgimento, con la serie de contiendas que ponen de manifiesto la pobreza, la forma de vida infrahumana a la que están sometidas la mayoría de sus gentes, la violencia y la necesidad. La representación del pueblo italiano es realista o ensoñada; los extranjeros llegan a percibir esa pobreza como “lo más hermoso”, y aparece de nuevo, como en otros momentos históricos esenciales, la perversa relación entre los refinados extranjeros y los locales -con una libertad y una manera de vivir salvaje y envidiable a los ojos del extranjero-, que queda prendado y decide no volver atrás. Todo esto nos ofrece este viaje, y todo esto pretende que asimilemos.

Con más de 40 prestadores entre colecciones públicas y privadas, donde encontramos obras de la TATE, el Museo Hermitage de San Petersburgo, el Folkwang de Essen, el Stadtmuseum de Munich, el Louvre, y como no, con gran parte de fondos del Musée d’Orsay, los comisarios, Guy Cogeval, Presidente del Musée d’Orsay, Ulrich Pohlmann, Director de la colección de fotografía del München Stadtmuseum, Françoise Heilbrun, Conservadora Jefe de fotografía y Joëlle Bolloch, Responsable de documentación, ambas también del Musée d’Orsay, han logrado dibujar una semblanza del viaje que imponía y permitía Italia entonces, de la percepción que tenían del país en el mundo en ese momento, y recuperar la memoria de los viajes iniciáticos esenciales.

Del 7 de octubre al 20 de diciembre de 2009.
FUNDACIÓN MAPFRE. Instituto de Cultura.
Paseo de Recoletos nº 23



miércoles, 14 de octubre de 2009

Exposición de Carlos Aquilino en el Ateneo de Madrid.



La exposición de Carlos Aquilino en el Ateneo de Madrid muestra aproximadamente 40 de sus obras más recientes -pintura, dibujo y escultura. Destaca la cualidad mágica e intemporal de la obra, como una terapia para el desasosegado hombre de la ciudad.Un absoluto dominio del dibujo y del color en todas sus gamas, desde las más frías a las más cálidas, desde las más apagadas a las más luminosas, un perfecto control de las posibilidades compositivas, de las perspectivas espaciales y de la expresividad de los planos, y una clarividencia en el mensaje con base en un amplio repertorio figurativo surgido de su imaginativa creatividad, son las claves que utiliza Carlos Aquilino para comunicarse con el resto de la humanidad, a la que retrata en mitad de sus dudas, su confusión, sus problemas e inseguridades.

Aquilino marca la necesaria distancia para su omnisciencia, viendo el mundo desde un punto exterior al cuadro; sin embargo este lugar reservado al artista es inundado por el espacio representado, y la aparente lejanía es anulada, condición que le permite darnos una radiografía de la realidad cercana y descifrable, definiéndole así como visionario del presente proyectado en su mundo pictórico imaginado.
ATENEO DE MADRID
C/ Prado 21
28014 Madrid

martes, 13 de octubre de 2009

Hoy recomendamos un restaurante vanguardista en el centro de Madrid, Wagaboo.


Hoy vamos a recomendar un restaurante para tomar ir a cenar después de ver una exposición por el centro de Madrid, en especial por la zona de Chueca y Sol, se trata de Wagaboo.

Puede que ya lo conozcáis, es una cadena de restaurante con una clara personalidad, ser un lugar moderno y donde disfrutar comiendo.

A parte de su estética vanguardista, hay que destacar la comida, en su carta hay una mezcla de platos orientales y mediterráneos muy acertada.

Nosotros reservamos con Atrapalo (http://www.atrapalo.com/), lo que te da la ventaja de tener sitio seguro y un pequeño descuento, que dada como está la cosa nunca viene mal. Hay dos opciones, o sentarse junto a la barra donde puedes ver como cocinan (la verdad es que está opción es muy sugerente), aunque nosotros elegimos cenar en una zona que tienen que es muy intima y que es perfecta para charlar con los amigos o con la pareja.

Calle Gravina 18,
Chueca

lunes, 12 de octubre de 2009

MIRAR Y SER VISTO. De Tiziano a Picasso. El retrato en la colección del MASP.





La exposición Mirar y Ser Visto, en la planta 0, de la sala de exposiciones de Recoletos, 23 un maravilloso conjunto de treinta y tres obras maestras de la historia del retrato europeo, desde el siglo XVI al pasado siglo XX, todas ellas procedentes del Museo de Arte de São Paulo.
El retrato es uno de los géneros más desarrollados de las artes visuales, que desde sus orígenes en la Antigüedad ha contado con un desarrollo propio y ha ejercido una influencia constante en la historia del arte.
La representación de la individualidad de una persona y su perdurabilidad en el tiempo ha sido siempre una cuestión de vital importancia para el ser humano. No obstante, no siempre se ha entendido de la misma manera. Cuestiones como el parecido físico, el reflejo del poder que ostentaron, la clase social a la que pertenecieron o la psicología del retratado han variado mucho a lo largo de los cinco siglos que transita esta exposición.

No cuentan lo mismo los retratos clásicos que los modernos. La presencia del artista se ha ido imponiendo cada vez más sobre la imagen del retratado; la presencia de éste último se ha ido abstrayendo poco a poco hasta convertirse en un mero retrato de la concepción estética del arte. De la mano de sus grandes representantes de este género, FUNDACIÓN MAPFRE brinda la ocasión de recorrer estos cinco siglos y percibir claramente la evolución vivida en la concepción del retrato.

RECORRIDO

La exposición se organiza en dos grupos articulados cronológica y conceptualmente: los retratos de solemnidad (abarca obras desde el siglo XVI hasta la primera mitad del siglo XIX) y los retratos modernos (segunda mitad del siglo XIX y primera del XX). La articulación entre ellos produce un punto de reflexión no sólo sobre los caminos del arte a lo largo de estos cuatro siglos, sino también acerca de los avatares de la identidad durante este mismo periodo.

De entre los primeros lienzos de esta exposición, son ejemplares los retratos de Velázquez, Goya, Van Dyck o Franz Hals: los retratados se hallan sobre fondo neutro y se muestran en poses hieráticas, altivas, imponentes, aparecen de cuerpo entero o de medio cuerpo. Se ha congelado en ellos todo movimiento físico y psíquico. Son retratos de personas, están individualizadas, pero también son símbolos de algo más: del poder que ostentaron. En cierto sentido son atemporales, a pesar de que los ropajes, los atributos los sitúan en un lugar y una época determinados.

Los retratos modernos reflejan la individualidad de la persona, más que lo que representan, las muestran a ellas mismas y no el poder que tengan o al grupo social al que pertenezcan. No obstante predomina una sensación de extrañeza. El rostro está velado por una máscara, impuesta por el artista, tras la que se oculta el retratado.

El parecido fisiognómico ya no es un aspecto deseado y buscado. La modernidad rompe con el principio de congelación de la vida psíquica y corporal e introduce el movimiento. En los retratos realizados por Cezanne, Modigliani o Picasso, entre otros, el observador se enfrenta a las imágenes del Otro que le devuelven una imagen de sí mismo.

CATÁLOGO
Con motivo de la exposición se edita un catálogo que contiene unos textos explicativos sobre el concepto de la muestra de Jose Teixeira Coehlo, comisario de la misma y un ensayo sobre la evolución y el sentido del retrato en la contemporaneidad de Pablo Jiménez Burillo, Director General del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE. Asimismo se incluye en esta publicación, cuidados comentarios de cada una de las obras expuestas en la muestra.
FUNDACIÓN MAPFRE contará en esta exposición con un servicio de: Audioguías en español e ingles, así como un servicio de:Audioguías con audiodescripicion, cuyo guión y producción es elaborado específicamente para usuarios con discapacidad visual, cuya finalidad es lograr la mayor autonomía posible dentro del recinto y el uso de técnicas de descripción para transformar las imágenes en explicaciones sonoras. Signoguías, dispositivo portátil multimedia equipado con una pantalla que reproduce un vídeo en el que se explica las obras seleccionadas de la exposición mediante la lengua de signos y subtitulado.
FUNDACIÓN MAPFRE.
Instituto de Cultura.
Paseo de Recoletos 23, 28004 Madrid
Del 7 de octubre al 20 de diciembre de 2009.

domingo, 11 de octubre de 2009

La UCM organiza la semana próxima una nueva edición de la World Press Cartoon, un certamen mundial de humor gráfico.

La Universidad Complutense de Madrid (UCM) organizará la semana próxima una nueva edición de la World Press Cartoon, uno de los certámenes de humor gráfico más importantes del mundo.Este año, la convocatoria gira en torno a la crisis, y reunirá 50 viñetas humorísticas realizadas por autores de 28 países. La exposición de los dibujos podrá verse de lunes a viernes de 11 a 14 horas y de 17 a 20 horas en la Sala de Exposiciones del Jardín Botánico de la Universidad.Por España participarán una docena de artistas: María José Mosquera, Enric Areños, Luis Ramón Mendiguren Tarres, José Rubio Malagón, Luis Grañena, Jaume Capdevila, Juli Sanchís Aguado, Anxo Rodríguez López, Félix Ronda Rivero, David Vela, Javier Carbajo Alfonso y Alberto Morales Ajubel.

sábado, 10 de octubre de 2009

FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTO TRES GRANDES EXPOSICIONES DE INICIO DE TEMPORADA

FUNDACIÓN MAPFRE ha presentado el día 6 octubre, tres nuevas exposiciones para el inicio de temporada Ver Italia y Morir, Mirar y ser visto. De Tiziano a Picasso. El retrato en la colección del MASP, y La danza de los colores, que podrán verse hasta el 20 de diciembre en las salas de exposiciones de Recoletos, 23.

Se trata de tres proyectos realizados en colaboración con diferentes museos del mundo: el Musée d’Orsay de París, el MASP de São Paulo y la Kunsthalle de Hamburgo. Cada uno de ellos plantea tres visiones diferentes del inicio de la modernidad.

Ver Italia y Morir realiza un recorrido por la imagen de la Italia del S. XIX. Lugar de visita obligado. La idea que anima la exposición es valorar cómo se reinventa la ideología del “grand tour” dieciochesco e ilustrado, en la centuria de la lucha de clases, del desarrollo industrial y de la revolución de los transportes, justo en un momento en el que Italia se acerca, ya no sólo a través del lápiz de los dibujantes y los pinceles de los pintores, sino también a partir de la fotografía. Todo ello sirve para fijar un retrato de Italia, en donde la imagen romántica y elegiaca se completa con una visión sobre su riqueza arqueológica y sus tipos sociales.

Mirar y ser visto. De Tiziano a Picasso. El retrato en la colección del MASP constituye una aproximación al género a partir de 33 obras maestras de los siglos XVI al XX. De Tiziano, Velázquez, Goya, Frans Hals, Van Dyck a Corot, Manet, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Modigliani o Picasso, la muestra abarca desde los retratos solemnes, en los que se ensalza el poder del protagonista y constituyen representaciones directas de la realidad, a los retratos modernos, centrados en el individuo, y en los que se prescinde incluso del parecido en favor del concepto.

Por último, conmemorando el centenario de los Ballets Rusos que tanta relevancia tuvieron en la difusión de la estética de vanguardia, FUNDACIÓN MAPFRE presenta un importante conjunto de dibujos de su principal bailarín, Vaslav Nijinsky, acompañados de obras coetáneas de Frantisek Kupka, Vladimir Baranov-Rossiné, Sonia Delaunay-Terk y Alexandra Exter, que ponen de relieve las relaciones de la música y la danza con los orígenes de la abstracción.
En la rueda de prensa han participado el Presidente del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE, Alberto Manzano Martos, su Director General, Pablo Jiménez Burillo, y los comisarios de las exposiciones: Guy Cogeval, Presidente del Musée d’Orsay, José Teixeira Coelho, Conservador Jefe del MASP, y Hubertus Gaßner, Director de la Kunsthalle de Hamburgo.

viernes, 9 de octubre de 2009

Video de la exposición "Palladio el arquitecto (1508-1580)" en CaixaForum Madrid.

Exposición de Andrea Palladio en Caixaforum.


Palladio el arquitecto (1508-1580) CaixaForum Madrid

Del 07/10/2009 al 17/01/2010

Prácticamente contemporáneo de grandes artistas del Renacimiento como Rafael y Miguel Ángel, Palladio ejerció la arquitectura como una profesión de una importancia singular. Democratizó la arquitectura al reivindicar la supremacía de las estructuras domésticas, poniendo en evidencia que cualquier edificio podía ser bello sin la necesidad de utilizar materiales costosos.
Gracias a su conocimiento profundo de la arquitectura del mundo clásico, ideó un armonioso sistema de planos y alzados que daba lugar a construcciones sorprendentes, por ingeniosas y conmovedoras para la combinación perfecta de belleza y funcionalidad.

A través de más de 200 obras, esta exposición recorre la trayectoria profesional de Palladio, desde su época adolescente de picapedrero en Padua hasta los tiempos de intelectual y arquitecto predilecto del Estado veneciano, aristócratas y autoridades religiosas. Pone también de relieve el compromiso del arquitecto con el humanismo, que avivó su determinación de forjar un lenguaje arquitectónico nuevo y adaptado a su época.
La exposición explora también la influencia que ha ejercido en las generaciones posteriores de arquitectos como Arata Isozaki, David Chipperfield, Richard McCormac, Toh Shimazaki o Jiménez Torrecillas, entre otros.

Exposición organizada en colaboración con la Royal Academy of Arts de Londres y el Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio de Vicenza, con la participación del Royal Institute of British Architects de Londres.

Precio: Actividad gratuita
Horario: De lunes a domingo, de 10.00 a 20.00 h
Centro: CaixaForum Madrid, Paseo del Prado, 36. 28014 MADRID

jueves, 8 de octubre de 2009

JOSÉ LUIS ZUMETA, gráfica reciente (1999 – 2009) en Galería Múltiple.






Selección de obra gráfica del artista vasco José Luis Zumeta realizada durante los últimos diez años.
El universo plástico de Zumeta está presente en esta exposición a través de obras repletas de luminosidad y color, que transmitenuna gran fuerza expresiva.
Nacido en Usúrbil (Guipúzcoa) en 1939, Zumeta es uno de los grandes representantes del arte del País Vasco del siglo XX. Tras su formación en la Escuela de Artes y Oficios de San Sebastián, en los años 60, viaja por Paris, Estocolmo y Londres, movido por su afán de conocer la vanguardia artística del momento. En sus viajes descubre a Pollock, Chagall, Picasso y Jean Dubuffet, entre otros, cuyas obras han ejercido una influencia muy importante en la evolución de su trayectoria artística.
Zumeta fue fundador y miembro del Grupo Gaur (“Hoy”) junto con artistas como Eduardo Chillida, Jorge Oteiza, Rafael Ruiz Balerdi, Remigio Mendiburu, José Antonio Sistiaga, Amable Arias y Néstor Basterretxea. El Grupo Gaur se fundó en 1965, siendo todos ellos artistas con una destacable trayectoria artística, y surgió como una renovación de la escuela vasca, carente de voz en el ambiente artístico e intelectual del momento, y como fruto de una preocupación por la educación estética de los artistas. Aunque su actividad como grupo no duró más de un año y medio, su trabajo constituyó uno de los mejores momentos del arte del País Vasco del siglo XX. Sus integrantes han desarrollado por separado a su vez, una labor creativade indudable influencia.
Para esta exposición, Galería Múltiple ha seleccionado un conjunto de serigrafías de distintos formatos, que el artista ha realizado a lo largo de los últimos diez años.La obra de Zumeta tiene como pilar básico el color, principal elemento expresivo de su pintura: el color es emoción, es el principio que guía su pintura. Sus cuadros se inician desde la mancha de color, y es el propio color el que le indica cómo debe continuar y finalizar la obra. En el traspaso de su obra pictórica a la gráfica, la técnica que le proporciona las mejores posibilidades cromáticas es la serigrafía, gracias a la cual el color pasa directamente al papel, logrando en la obra seriada los mismos resultados que en la pintura: una obra que desprende una gran riqueza cromática y transmite la energía inagotable del artista.

Galería Múltiple
C/ Santa Teresa, 10
28004 - Madrid
T. 91 319 98 69