Exposición en el Museo Reina Sofia: Roberto Jacoby.

Nueva exposición en el Museo Reina Sofia de Roberto Jacoby (Buenos Aires, 1944). Artista que se caracteriza por un constante tránsito por las áreas limítrofes de la producción artística. Desde sus primeros años como artista vinculado al famoso Instituto Di Tella, que desembocó en el mítico y revolucionario Tucumán Arde (1968), su obra se concibe como una ampliación continua de la noción de trabajo artístico. Entre otros desempeños, ha sido letrista del conocido grupo rock/glam Virus, ha estado vinculado a la sociología y a la teoría política y ha ejercido la crítico teatral y el periodismo para la prensa clandestina. Tal versatilidad ha complicado la exhibición sistemática de su obra, condición a la que esta exposición busca poner fin.

Con la intención de reflejar este carácter in-disciplinar, la exposición se ha distribuido en diferentes espacios que representan fragmentariamente alguna de las facetas, momentos y modos de producción de la obra de Jacoby. El Espacio Uno está dividido en dos apartados: Vivir aquí, reconstrucción realizada en colaboración con otros tres artistas (Marina Caro, Mariela Scafati y Daniel Joglar) de la acción inserta en la Semana de Happening de 1965, consistente en el traslado a la galería de los elementos de su vivienda-taller; 1968 el culo te abrocho (2008) contiene impresiones del busto de Marx intervenido y una ambientación musical del grupo Virus, demostrando diversos modelos de politización que van de la interpretación a la insubordinación corporal.

En la Sala de Bóvedas se sitúa Darkroom (2005), una serie de registros de vídeo de la performance homónima desarrollada para un solo espectador en completa oscuridad, únicamente visible gracias a una cámara de visión nocturna. La castidad (2006-2007) es un vídeo que reconstruye en estilo fictiomental el contrato de convivencia casta que mantuvo durante un año con el artista Syd Krochmalny. En la Sala de Protocolo se encuentra el Gabinete de curiosidades, compuesto por diversa parafernalia procedente de sus acciones que reproduce conscientemente las condiciones de distanciamiento, sacralización y fetichización del documento exhibido. También está disponible en consulta un archivo digital de su trabajo.

La obra de Jacoby, en conjunto, plantea un entorno complejo en el que las normas aceptadas se disuelven generando espacios en los que el vínculo con lo social es inevitable. Esa constante fluctuación entre lo propio y lo colectivo ha desembocado en la generación de redes tanto dentro como fuera del sistema del arte. Evidencia de ello son los diferentes proyectos que ha realizado desde los ’90 hasta hoy, en los que la colaboración y producción de red es fundamental, como Chacra (1999), Proyecto Venus (2000-2006) o la fundamental revista argentina de arte contemporáneo ramona (2000-2010). La polémica en torno a su participación en la Bienal de Sao Paulo de 2010, una oficina de propaganda electoral no oficial organizada por varios artistas argentinos que apoyaba a uno de los candidatos en la elecciones brasileñas, atestigua la vitalidad y actualidad de su trabajo.



Museo Reina Sofia
Madrid
25 de febrero - 30 de mayo de 2011

Encuentro con Dorit Margreiter el miercóles 12 de enero en el Reina Sofia.

Descripción (12 de enero - 25 de marzo de 2011), muestra que recorre la trayectoria de la artista austriaca Dorit Margreiter (Viena, 1967), reúne cuatro instalaciones fílmicas en las que articula su reflexión en torno a los límites y relación de la arquitectura con su representación en el imaginario cultural colectivo.


Con ocasión de su inauguración, la artista conversa con Sabeth Buchmann, historiadora del arte y profesora en el Instituto de Teoría del Arte y Estudios Culturales de la Academia de Bellas Artes de Viena, y Lynne Cooke, comisaria de la exposición y subdirectora del Museo Reina Sofía.

Para Dorit Margreiter las cuestiones relacionadas con la conservación o, a la inversa, con la destrucción de la reciente arquitectura moderna, constituyen una buena oportunidad para investigar otros asuntos de carácter más general que influyen en el contexto sociocultural actual. Compuesta por una meditada selección de piezas realizadas durante los últimos siete años, Descripción, la primera recopilación importante de su obra, es la expresión de una obsesión constante. Las cuatro insta con proyecciones fílmicas se complementan con otras obras subsidiarias que guardan relación con ellas. Un nexo de piezas interrelacionadas, titulado zentrum (2004, en proceso), es la bisagra que une los dos ejes principales de la exposición. Además, zentrum es el elocuente punto de partida de cuatro obras nuevas, repartidas por todas las salas. Estas monumentales esculturas móviles de metal aluden a las obras textuales instaladas en los espacios contiguos, ya que están compuestas por las letras de un mismo alfabeto creado por la artista; sin embargo, si tenemos en cuenta que se trata de imágenes en movimiento, es evidente que presentan una afinidad todavía mayor con las proyecciones cinematográficas de la artista.

http://www.museoreinasofia.es
Fechas: 12 de enero - 25 de marzo de 2011
Edificio Sabatini, Planta 3
Museo Reina Sofía

El Reina Sofía se apróxima al número de visitantes del Museo del Prado.

En 2010, año de su 20 aniversario, el Reina Sofía alcanzó la cifra de 2.313.532 visitantes, un 10 por ciento más que en 2009, mientras el Museo del Prado perdió más de 32.000, aunque siguió siendo el más visitado.


El Museo del Prado cerró 2010 y por tercer año consecutivo por encima de los 2,7 millones de visitantes. Desde que se inauguró la ampliación, el centro no ha bajado de esa cifra, aunque en 2010 perdió 32.155 visitantes respecto a 2009.

El Centro de Arte Reina Sofía ganó casi 200.000 visitantes respecto a 2009, lo que se relaciona con la nueva organización de la colección correspondiente a las décadas de 1940, 50 y 60 y a la consolidación de las actividades públicas.

También creció en 2010 el Museo Thyssen-Bornemisza, que recibió más de 800.000 visitantes, un 2,4 por ciento más que en 2009. El museo informó que su exposición más visitada -176.460 personas-, fue Monet y la abstracción. 2007 fue el mejor año para el Thyssen, cuando llegó a los 976.150 visitantes.

En materia de exposiciones, Pasión por Renoir fue la más visitada del Prado, con 235.224 personas y Rubens, con 194.186. No obstante, ambas muestras permanecen abiertas en enero, por lo que el número total de visitantes será mayor.

Más de la mitad del público asistente visitó solo la colección permanente del Prado, en su mayoría de Madrid, Cataluña, Italia y Estados Unidos. La exposición dedicada a Turner y los maestros fue vista por 160.139 personas.

Fuente: http://www.hechosdehoy.com/

"Atlas — ¿Cómo llevar el mundo a cuestas?", exposición en el Reina Sofia.

Atlas — ¿Cómo llevar el mundo a cuestas? es una exposición inter-disciplinaria que recorre el siglo XX y nuestro reciente siglo XXI, eligiendo el atlas de imágenes Mnemosyne como punto de partida. A pesar de todas las diferencias de método y contenido que pueden separar la investigación de un filósofo-historiador y la producción de un artista visual, quedamos impactados por su común método heurístico —o método experimental— cuando se basa en un montaje de imágenes heterogéneas. Descubrimos entonces que Warburg comparte con los artistas de su tiempo una misma pasión por la afinidad visual operatoria, lo que le convierte en contemporáneo de artistas plásticos de vanguardia (Kurt Schwitters o László Moholy-Nagy), fotógrafos de “estilo documental” (August Sander o Karl Blossfeldt), cineastas de vanguardia (Dziga Vertov o Sergei Eisenstein), de escritores que ensayaban el montaje literario (Walter Benjamin o Benjamin Fondane), e incluso de los poetas y artistas surrealistas (Georges Bataille o Man Ray).

La exposición Atlas no ha sido concebida para reunir maravillosas pinturas, sino para ayudar a comprender cómo trabajan algunos artistas –en relación con eventuales obras maestras– y cómo este trabajo puede considerarse desde el punto de vista de un método auténtico e, incluso, desde un conocimiento transversal, no estandarizado, de nuestro mundo. En esta exposición no se ven las bellas acuarelas de Paul Klee, sino su modesto herbario y las ideas gráficas o teóricas que brotaron de él; no se ven los modernos “cuadrados” de Joseph Albers, sino su álbum de fotografías realizado alrededor de la arquitectura precolombina; tampoco las inmensas pinturas de Rauschenberg, sino una serie de fotografías reuniendo objetos tan modestos como heteróclitos; no se ven las magníficas pinturas de Gerhard Richter, sino una sección de montajes realizados para su Atlas de larga duración; no se ven los cubos minimalistas de Sol LeWitt, sino sus montajes fotográficos en las paredes de Nueva York. Antes que las pinturas (como resultado del trabajo) hemos preferido, esta vez, las mesas (como espacios operativos, superficies de juego o realización del trabajo mismo). Y al caminar por la exposición descubrimos que los supuestos “modernos” no son menos subversivos que los “posmodernos”, y que éstos no son menos metódicos y preocupados por la forma que los “modernos”. Constituye una nueva forma de contar la historia de las artes visuales alejada de los esquemas históricos y estilísticos de la crítica académica del arte.

ATLAS.

La mitología griega cuenta que el titán llamado Atlas, junto a su hermano Prometeo, quiso enfrentarse a los Dioses del Olimpo para quitarles su poder y dárselo a los hombres. Cuenta que fue castigado en la misma medida de su fuerza: mientras un buitre le arrancaba el hígado a Prometeo en los confines del Este, Atlas, en el Oeste, (entre Andalucía y Marruecos) fue obligado a sostener con sus hombros el peso de la bóveda celeste entera. Cuenta también que llevar esta carga le hizo adquirir un conocimiento infranqueable, y una sabiduría desesperante. Fue precursor de astronautas y geógrafos, incluso algunos dicen que fue el primer filósofo. Dio su nombre a una montaña (el Atlas), a un océano (el Atlántico) y a una forma arquitectónica antropomórfica (el Atlante) que sirve como columna de soporte.

Fechas: 26 de noviembre - 28 de marzo
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 1
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

desbordamiento de VAL DEL OMAR en el Reina Sofia.

El perfil de José Val del Omar no puede ser adscrito a una actividad demasiada concreta, si bien tuvo su raíz principal en el cine. Perteneció a una generación que creyó en el cine como un arte de pleno derecho, antes que como un nuevo opio para las masas. Por otra parte, si se le vincula al medio cinematográfico es como un creador maldito, de obra exigua; al menos, en cuanto al metraje que se conserva actualmente. Un excéntrico en el seno de la cinematografía española, tan poco propicia al experimentalismo, que con el tiempo ha devenido en figura de culto cuya veneración se renueva y crece constantemente.

Val del Omar se dedicó en gran parte a la exploración tecnológica, tanto en aspectos concernientes al cine y a los retos planteados en su tiempo (cine sonoro, en relieve, en color, en pantalla ancha...), como en otros terrenos que incluyen la electroacústica, la radio, la televisión y las aplicaciones educativas de los medios audiovisuales. Algunas de sus invenciones pretendían soluciones prácticas, especialmente en el marco de la depauperada economía de la España de Franco, tan dependiente de las importaciones en materia de tecnologías, stocks de película y otros recursos. Pero otras se adentraron en la noción de espectáculo total con un instinto visionario insólito, más aún si se tiene en cuenta que muchas de sus ideas al respecto ya las hizo públicas entre 1928 y 1944. Éstas incluyen el desbordamiento de la pantalla y la persecución de un cubismo acústico y visual mediante el sonido diafónico, envolvente, y la tactilvisión con sus técnicas basadas en una iluminación pulsatoria, parpadeante. Además, Val del Omar siempre se mantuvo al corriente sobre los últimos medios y tecnologías y llegó a atisbar las que se abrían con la cibernética, el láser, el vídeo digital y los medios mixtos.

Misiones Pedagógicas

La época de las Misiones Pedagógicas, primer área de la exposición, reúne documentos e imágenes en relación con las actividades de Val del Omar en los años de la Segunda República, particularmente aquellas que le vinculan con la experiencia colectiva de las Misiones Pedagógicas. Incluye una amplia selección de las fotografías que se conservan en diversos archivos, así como las películas que han logrado recuperarse: Estampas 1932 y los documentales que rodó en Murcia, Cartagena y Lorca.

5 de octubre - 28 de febrero de 2011
Museo Reina Sofia
Edificio Sabatini, Planta 3

Hans-Peter Feldmann. “Una exposición de Arte”, en el Reina Sofia.

Retrospectiva de Hans-Peter Feldmann en el Museo Reina Sofia El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia acoge desde el día 22 de septiembre hasta el 28 de febrero de 2011, una retrospectiva del artista alemán Hans-Peter Feldmann, con un centenar de sus trabajos más representativos y bajo el título "Una exposición de Arte". Hans-Peter Feldmann nació en Hilden, Düsseldorf, en 1941.

Desde finales de los 60 hasta la actualidad, el trabajo de Feldmann se ha definido por una muy personal manera de ser.

Hans-Peter Feldmann creció durante la postguerra alemana, un mundo desprovisto de imágenes. Para él las escasas imágenes que encontraba a su alrededor eran ventanas a otros mundos. Fascinado, empezó a coleccionarlas, recortarlas y pegarlas en álbumes, y ha seguido haciéndolo hasta hoy. Por eso no es extraño que cuando empezó su carrera como artista, a finales de los años 60, cubriera la parte de atrás de sus pinturas con collages de fotos, o que más tarde hiciera unos libritos modestos con tapas de cartón e imágenes en offset de un mismo tipo de objetos: aviones, camas deshechas, rodillas de mujer, etc. Los titulaba 2 imágenes (2 Bilder) o 7 imágenes (7 Bilder), según el número que contenían. También comenzó a recoger en las 36 imágenes de un carrete analógico, a la manera de fotos-fijas de cine; hechos triviales: un barco pasando por el río, la mujer de enfrente limpiando la ventana, dos chicas vistiéndose en la piscina. En estas secas y poéticas series que llamó Time series, no suele haber nada extraordinario, sólo el flujo invisible del tiempo detenido para examinarlo. Años más tarde expandió su reflexión en un libro y una serie de 101 retratos fotográficos que llamó 100 Years(100 años), en cada foto mostraba una persona, de entre ocho meses y un siglo. Las personas retratadas eran familia o amigos del artista. Para él fue una manera de mediar con el paso del tiempo; para nosotros, la serie hace de bisagra entre la memoria personal y la colectiva, nos recuerda que el tiempo pasa para todos y cuando la recorremos, inevitablemente comparándonos con las personas retratadas de nuestra edad, repasamos 100 años, toda una vida.

22 de septiembre de 2010 - 28 de febrero de 2011
Edificio Sabatini, Planta 3
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

El Museo Reina Sofía ofrece a sus visitantes una entrada gratuita.

El Museo Reina Sofía ofrece a sus visitantes una entrada gratuita para recorrer las exposiciones temporales todos los sábados de agosto y septiembre de 21.00 a 23.00 horas, ha informado hoy la pinacoteca.


Hasta ahora, el Reina Sofía facilitaba la gratuidad de la visita de los sábados entre las 14.30 horas y las 21.00 horas.

Con ese nuevo horario estival, el museo madrileño abre también su terraza instalada en el jardín de Sabatini hasta las 23.00 horas y su bar-restaurante de Nouvel hasta la medianoche, según el comunicado.

La iniciativa del Reina Sofía amplía el horario gratuito habitual del museo, establecido de lunes a viernes -excepto martes, día de cierre-, de 19.00 a 21.00 horas, y los fines de semana: a partir de las 14.30 horas del sábado y desde las 10.00 horas del domingo.

En la actualidad, el Reina Sofía alberga cuatro muestras temporales, que se clausurarán en fechas diversas: "Principio Potosí", "Manhattan, uso mixto"; "Nuevos Realismos: 1957-1962. Estrategias del objeto, entre readymade y espectáculo" y "Desvíos de la deriva: Experiencias, travesías y morfologías".

Fuente: Agencia EFE

Exposición en el Reina Sofia: "Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas desde 1970 al presente".

El título Manhattan, uso mixto alude a la zonificación y al uso del suelo, y en concreto a los barrios o edificios individuales en los que se ha permitido una combinación de funciones comerciales y residenciales. A principios de la década de 1970, la rezonificación de ciertos sectores del Lower Manhattan legalizó una situación de facto en la que los artistas se habían apropiado de naves fabriles en zonas parcialmente desindustrializadas, para utilizarlas a modo de estudio y vivienda. Este fenómeno había generado una comunidad artística incipiente, que pronto dio lugar a una red de instalaciones para satisfacer las crecientes necesidades de sus habitantes, desde restaurantes cercanos a galerías dirigidas por artistas y espacios de performances. El florecimiento de la escena del arte en el downtown, en los años setenta, transformó el Lower Manhattan, y lo que era un área de edificios ruinosos y abandonados, manzanas arrasadas y una zona portuaria desaprovechada devino un terreno expansivo y vital para las actividades de vanguardia. Hacia mediados de la década, el SoHo, epicentro de la zona, no sólo se había convertido en una meca para artistas y galerías de arte, sino también en un barrio en rápida gentrificación.

Exposición organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en el marco de PHotoEspaña 2010

Entre las obras más recientes incluidas aquí se halla Static (2009), una proyección digital del artista británico Steve McQueen. El loop de siete minutos combina un movimiento de cámara en espiral con una banda sonora fluctuante, donde surge intermitente el zumbido incesante del helicóptero que mantenía al artista sobre el lugar.

Otro hilo –a modo de flânerie, paseos desordenados y serpenteantes, o cruising– genera una serie de obras expuestas aquí, sobre todo las fotos de Peter Hujar (1976) de su camino a través del lejano West Side hasta un desértico y nocturno distrito financiero; y de modo más desafiante, Phat Free (1995) de David Hammons, en cuyo vídeo del juego urbano de chutar una lata, oímos música callejera de percusión antes de ver la imagen del jugador solitario: de forma reveladora, la cámara de Hammons sigue al objeto con el mismo movimiento a sacudidas de la lata que él está chutando frente a sí. Otras aportaciones, también basadas en rutinas cotidianas, adoptan una forma más estructurada. Stefan Brecht, por ejemplo, fotografió las aceras que atravesaba a diario en sus trayectos entre su apartamento del West Village y la habitación del Chelsea Hotel en la que escribía. Esas imágenes, analogías visuales de los poemas en los que trabajaba entonces, tenían que ser el fondo sobre el que se imprimirían los textos en un futuro libro. Aunque esa publicación no llegó a materializarse excepto en una versión hecha a mano, fotografías y texto se convierten en objeto independiente de una publicación en curso. Las fotografías sombrías y granuladas de Christopher Wool también surgieron de un trayecto entre su apartamento y su estudio, aunque Wool, a diferencia de Brecht, solía desplazarse de noche, y la filmación casual de lo que atraía a sus ojos no tenía en principio mayor intención. Una apreciación de la poética del azar feliz y de lo efímero, ya sea incidente mundano o detalle olvidado, alimenta su actividad en medios variados, y en concreto en la pintura. Comparte con Zoe Leonard un interés en las nimiedades de un lugar, en la desdeñada y olvidada marginalia que confiere textura e identidad a un sitio. En los últimos años, esta agudeza de los aspectos particulares de su mundo inmediato ha llevado a Leonard a un proyecto más ambicioso que rastrea la reforma de su barrio del Lower East Side. Un lugar que fue hogar de los inmigrantes desembarcados en las costas americanas y que también en los noventa se vio reducido por la invasión de grandes tiendas, alquileres astronómicos y el mercado de lujo.

Junto con Leonard, Glenn Ligon, uno de los pocos artistas de esta exposición que nacieron y se criaron en la ciudad, aporta una mirada muy personal a Manhattan, uso mixto. Su lacónica revisión de los distintos apartamentos y pisos en los que ha vivido durante cuatro décadas se expresa en textos breves cuya afectuosa sequedad suscita imágenes en la mente del lector.

Fechas: 10 de junio - 27 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Exposición"Principio Potosí", en el Museo Reina Sofia.

El Reina Sofía muestra la relación del arte colonial con las múltiples formas de explotación.

Una veintena de artistas muestran en el Museo Reina Sofía la relación del arte colonial con las múltiples formas de explotación. Bajo el título 'Principio de Potosí. ¿Cómo podemos cantar el canto del Señor en tierra ajean', el Reina Sofía invierte el concepto clásico de exposición, cuestiona los parámetros de la modernidad y ofrece al visitante una guía para recorrer un espacio de la historia "que nunca es lineal".

El proyecto Principio Potosí centra su atención en el análisis del concepto de la modernidad y su expansión universal, que tuvo lugar desde la colonización de América Latina. En la muestra se expondrán ejemplos de pintura colonial andina y obras de artistas internacionales a los que se invitará a encontrar y elaborar correspondencias entre el arte colonial de los siglos XVI al XVIII y el mundo contemporáneo. Partiendo de ejemplos de la pintura virreinal de la escuela de Potosí, la investigación busca relacionar estos fragmentos de historia clausurada con las condiciones de producción artística en la actualidad. El Principio Potosí es un planteamiento estético de sentido ambiguo. "Principio" puede tener, por un lado, un significado temporal, un comienzo -la larga memoria de Potosí-; por otro lado, tiene también un significado técnico, como un principio mecánico, una regla, que se viene repitiendo en distintas coordenadas del espacio-tiempo global. Estos dos posibles enfoques serán la base del proyecto, el cual, además de la exposición, incluirá seminarios, conferencias y publicaciones.

Marcos de reclusión, exposición de Martín Ramírez en el Reina Sofia.

Con materiales y recursos muy limitados, Martín Ramírez (1895-1963) logró crear una obra sorprendente, a lo largo de un periodo de unos quince años, mientras era un interno del DeWitt State Hospital en Auburn, California. Ramírez dibujada en una sala que compartía con docenas de hombres, también confinados por sus incapacidades mentales y físicas, y quizás porque eran indigentes, pobres y desempleados. El espacio de trabajo de Ramírez estaba en un rincón del pabellón. Guardaba sus dibujos bajo el colchón, para protegerlos. Sus herramientas artísticas se apilaban en una mesita de noche. Recluido en aquel espacio compartido se embarcó en su aventura de artista autodidacta. Este acto de creación en una cultura de confinamiento le une a una extensa tradición de individuos que respondieron al mismo impulso. Crear arte en cárceles y sanatorios y desarrollar estrategias expresivas formales y técnicas específicas para sus restrictivas atmósferas se ha revelado como una reacción común entre internos y pacientes desde finales del siglo XIX en adelante. Transcendiendo la categoría de terapia artística, la obra de los más significativos –los más talentosos y/o visionarios– se ha conocido bajo distintas rúbricas: art brut, arte marginal o arte “autodidacta”.


Fechas: 31 de marzo - 12 de julio de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Thomas Schütte. Retrospección. En el Reina Sofia.

Thomas Schütte está considerado uno de los artistas alemanes más importantes de su generación. Estudió en la Academia de Arte de Düsseldorf con Fritz Schwegler y Gerard Richter. Desde finales de la década de los setenta, Thomas Schütte viene trabajando en series homónimas que examinan momentos de aislamiento, vulnerabilidad y desesperanza humanos, no carentes de ironía. Se hizo muy conocido en los ochenta con sus maquetas arquitectónicas: diseños que llevan al extremo la capacidad de simplificación y exageración y que, sin pretenderlo, ofrecen al espectador protección y cobijo mental. Las obras tienen una apariencia artesanal a la vez que utópica. Toda la obra de Schütte está impregnada de cuestiones sociales y políticas así como de la preocupación por la relevancia y la posición del artista en la sociedad.

Fechas: 16 de febrero 2010 – 17 de mayo 2010
Lugar: Edificio Sabatini. Sala 103, Sala de protocolo, Espacio 1, Claustro y jardín

Mario García Torres. ¿Alguna vez has visto la nieve caer?

El Museo Reina Sofía presenta por primera vez en una institución española la obra de Mario García Torres. Tras una rigurosa investigación de más de tres años, este artista mejicano instalado en Los Ángeles descubre un nuevo episodio de la curiosa relación de algunos artistas con la historia. García Torres se sirve del formato diapositiva para relatar en una pieza audiovisual creada específicamente para la ocasión un capítulo poco conocido del también artista Alighiero Boetti: el One Hotel que Boetti inauguró en Afganistán.

Fechas: 10 de febrero de 2010 – 24 de mayo de 2010
Lugar: Bóvedas de Sabatini

Prado y Thyssen crecen en visitas en 2009 mientras Reina Sofía bate récords.

Los museos del Prado y Thyssen-Bornemisza incrementaron el número de visitas recibidas el año pasado en un 2,5% y un 6,4%, respectivamente, mientras el Reina Sofía batió su propio récord al registrar más de 2 millones de visitantes, casi el 15% más que en 2008.
Al Prado acudieron en 2009 2.763.094 personas, la mayor parte público general a excepción de 100.154 visitantes oficiales e institucionales, informó hoy la pinacoteca madrileña.

La más concurrida de las exposiciones organizadas por el Museo del Prado fue la dedicada a Joaquín Sorolla, que entre mayo y septiembre logró casi 460.000 visitas, seguida por la de Francis Bacon, por la que pasaron 185.252 personas y por la muestra "Entre Dioses y Hombres", que tuvo 164.779 visitantes.

Mientras, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía batió su récord de afluencia en al lograr 2.087.415 visitas, casi un 15% más que en 2008, un aumento del 33% frente a 2007, según señalaron hoy en una nota fuentes de esta institución.

Finalmente, el Museo Thyssen-Bornemisza finalizó el año con 801.272 visitantes, lo que supone un aumento del 6,4% respecto al 2008 y convierte 2009 en el segundo año con más visitantes en la historia de esta pinacoteca.

La exposición más vista en el Thyssen fue la dedicada a Matisse, por la que pasaron casi 224.000 personas, seguida por "La Sombra", con 95.705 visitantes.

EFE

El Reina Sofía arranca su temporada de exposiciones 2010 con una instalación sonora realizada por Francisco López.

El Museo Reina Sofía arranca su temporada de exposiciones 2010 con una instalación sonora realizada por Francisco López (Madrid, 1964), en cartel del 13 de enero al 29 de marzo. Se trata de una instalación sonora ideada por López para un espacio específico e inusual del Museo, el corredor metálico interior del nivel superior del edificio Nouvel.

En este lugar, que permanecerá casi a oscuras, se instalará un sistema de sonido que permitirá al público escuchar la pieza, de unos 5 minutos de duración y de características acústicas especiales dado el lugar.

La instalación creará un ambiente sónico virtual con contrastes extremos. Para ello se aprovecharán en particular las superficies metálicas del techo, paredes y suelo del corredor, así como las proporciones peculiares de este espacio.


GRABACIONES E INSTALACIONES EN 50 PAÍSES

López está reconocido internacionalmente como una de las figuras clave de la música experimental. Su experiencia en el ámbito de la creación sonora y en el trabajo con grabaciones ambientales abarca un período de 25 años. Ha realizado cientos de conciertos, proyectos con grabaciones de campo e instalaciones sonoras en 50 países de todos continentes.

Su catálogo de piezas sonoras (con colaboraciones en directo y en estudio con más de 100 artistas internacionales) ha sido editado por más de 150 compañías discográficas de todo el mundo. Ha recibido en dos ocasiones la mención honorífica del festival Ars Electrónica y recibió recientemente el primer premio del I Concurso de Arte Sonoro 'Broadcasting Art', organizado conjuntamente por el programa 'Fluido Rosa' de Radio 3 de RNE y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC).

EUROPA PRESS

León Ferrari y Mira Schendel: El alfabeto enfurecido, exposición en el Reina Sofia.

Se trata de la primera gran retrospectiva de ambos autores que se celebra en España. La exposición hará coincidir a dos figuras significativas del arte latinoamericano de la segunda mitad del siglo XX: el argentino León Ferrari y la suiza Mira Schendel, cuyas trayectorias artísticas se unieron en Brasil. La muestra proviene del Museo de Arte Moderno de Nueva York, e incluirá aproximadamente 160 obras que nunca han sido expuestas en su totalidad y que abarcan dibujos, esculturas y pinturas realizadas en Argentina y Brasil desde comienzos de los años sesenta hasta los noventa. Las obras funcionan como metáfora de la existencia humana mediante la elocuencia de nombrar y escribir.

Fecha: 25 de noviembre de 2009 - 1 de marzo de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Georges Vantongerloo. Un anhelo de infinito en el Reina Sofia.

La exposición muestra un recorrido por la obra del escultor, pintor, arquitecto y teórico del arte Georges Vantongerloo (Amberes, 1886 – París, 1965).

A pesar de ser uno de los artistas-pensadores más importantes del siglo XX, las exposiciones que se han realizado de Vantongerloo hasta el momento han sido escasas. Comisariada por Guy Brett, la exposición que el Museo organiza sobre el artista tratará de mostrar la base de su obra en la que la re-conceptualización del espacio pictórico y escultórico marcó las tendencias artísticas del arte abstracto de los primeros años del siglo XX. También se intentará resaltar el último periodo de su trabajo después de la Segunda Guerra Mundial en el que, en una sucesión de saltos radicales, el creador llegó a una original e intuitiva encapsulación visual de las energías del Universo.

La muestra trazará, por lo tanto, la evolución del artista desde sus inicios con Constructions in the Sphere (1917), hasta sus años como miembro del Grupo De Stijl o del grupo Abstraction-Création (cuando producía pinturas geométricas basadas en un ángulo recto), pasando por la introducción de la “curva” en sus pinturas de finales de los años 30.

Por otro lado, la exposición recogerá los trabajos realizados después de la Segunda Guerra Mundial con las series realizadas en plexiglás, modelos prismáticos y pinturas que buscaban un parecido o equivalencia con el fenómeno cósmico -radiación, radioactividad, electromagnetismo, atracción/repulsión- que continuaría hasta su muerte.

Inscrito en la experiencia de las vanguardias históricas y marcado por la invención de la abstracción que ha visto la eclosión de obras maestras como las de Mondrian, Malevitch y Kandisky, en 1917, Vantongerloo firmaría el manifiesto del grupo De Stijl, junto a Mondrian y Van Doesburg.

En los años veinte, una parte importante de su investigación se centró en el color como fenómeno físico y perceptivo. Más tarde, Vantongerloo concebirá sus obras según reglas estrictamente geométricas, después algebraicas, para convertirse así en el fundador del pensamiento matemático en el arte de nuestra época. Verdadero pionero en el terreno de la escultura abstracta, el artista seguirá, después de 1945, proponiendo versiones peculiares de la misma, abandonando toda referencia a una geometría construida y abriéndose a un acercamiento subjetivo al universo de la cosmología.

León Ferrari y Mira Schendel: El alfabeto enfurecido.

León Ferrari y Mira Schendel son dos de los artistas latinoamericanos más significativos del siglo veinte. Ambos produjeron sus obras durante los años 60, 70 y 80, en Argentina y Brasil, sin haberse conocido mutuamente, privilegiando la presencia del lenguaje como materia visual y como contenido.

Ferrari, nacido en Argentina en 1920, ha utilizado un amplio repertorio de medios artísticos, de la cerámica al cine, pasando por escultura, dibujo, ensamblaje, grabado, arte postal, pintura, y sonido. Mientras vivía temporalmente en Italia, en los años 50, produjo esculturas en cerámica estilísticamente vinculadas a la abstracción europea de aquel tiempo. De retorno a la Argentina comenzó una significativa producción de esculturas de alambre antes de producir sus obras sobre papel, en la cual formas orgánicas y gestuales constituyen a la vez un repertorio abstracto y una exploración de códigos, caligrafías y escrituras, ulteriormente produciendo pinturas, esculturas e instalaciones. Profundamente preocupado por el rol ético del artista, Ferrari ha vinculado el interés por las formas de vanguardia con un contenido de denuncia política. Aún activo en la escena contemporánea del arte Argentino, vive actualmente en Buenos Aires.

Nacida en Zurich en 1919, Schendel se trasladó junto a su familia a Italia aún niña. En 1936 se inscribió en la Università Cattolica del Sacro Cuore de Milán para estudiar filosofía, siendo forzada al exilio tres años más tarde por la persecución antisemita. Al final de la Segunda Guerra Mundial, emigró al Brasil, donde comenzó a producir su arte, iniciándose como ceramista, luego como pintora. A inicios de los años 60, Schendel produjo un volumen considerable de obras sobre papel aplicando técnicas inéditas, en las que se manifiesta su interés por el gesto escrito y su búsqueda de la transparencia dentro de la materia. A fines de los años 60 realizó obra tridimensional, utilizando el papel como soporte para esculturas abstractas de formas abigarradas y produciendo complejas acumulaciones de signos y escrituras entre soportes de acrílico transparente. Hasta su muerte en 1988, Schendel mantuvo una sensibilidad hacia la dimensión ética del arte, concibiéndolo como una de las más radicales expresiones de la condición humana.

Schendel y Ferrari emergieron como artistas durante un tiempo marcado por el uso de modelos lingüísticos para comprender el mundo. A diferencia de los artistas conceptuales, Ferrari y Schendel no hicieron uso del lenguaje en sus obras para producir arte como idea o como concepto, sino para manifestar su específica materialidad, utilizándolo como un medio físico que puede ser moldeado y esculpido. Tangled Alphabets: León Ferrari and Mira Schendel es la primera muestra retrospectiva de sus obras en los Estados Unidos.


Fecha: 25 de noviembre de 2009 - 1 de marzo de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Exposición en el Reina Sofia: Rodchenko y Popova. Definiendo el constructivismo.

La exposición, una de las más importantes de la temporada, recoge la obra de dos figuras clave de la formación estilística y teórica del Constructivismo Ruso: Liubov Popova (1889 -1924) y Alekxander Rodchenko (1891 – 1956). Organizada por la Tate Modern de Londres en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la muestra, que ha sido comisariada por Margarita Tupitsyn, supone un completo repaso a este movimiento artístico que cambió la cara del arte ruso.

La amplia muestra, la más completa que hasta ahora se les ha dedicado en España, recoge aproximadamente 350 trabajos, realizados entre 1917 y 1929 por ambos artistas: pinturas, carteles de cine y teatro, dibujos de diseño de trajes, de muebles, libros, fotografías y esculturas. Como complemento se proyectarán algunas películas de la época que guardan relación con los artistas y se podrán ver otros trabajos de creadores coetáneos.

Una característica a destacar de la exposición, es la equiparación de los sexos (en consonancia con los ideales de la Revolución Rusa); a Popova se le ha otorgado el mismo espacio e importancia que a Rochednko y en términos de calidad e innovación en el trabajo, no hay diferencia entre los dos artistas.

La exposición arranca en 1917, año de la Revolución de Octubre, cuando Popova y Rodchenko empezaron a aplicar al diseño sus experimentos anteriores sobre abstracción geométrica. Con la convicción de que el lenguaje abstracto tenía el potencial de alterar la vida cotidiana, ambos artistas transformaron la pintura en un campo de pruebas de formas abstractas capaces de influir en las primeras teorías de la arquitectura constructivista y las nuevas ciudades socialistas.

En el arranque de la exposición, se muestran los primeros trabajos realizados por los artistas: una extraordinaria colección de lienzos y obra gráfica producidos entre 1917 y 1921 que reflejan la aplicación inmediata de su vocabulario abstracto, todavía muy influido por la arquitectura.
Siguiendo el recorrido expositivo, encontramos una sala dedicada a uno de los grandes pioneros del arte abstracto, Wassily Kandisky, influencia evidente en los primeros momentos del Constructivismo ruso y figura clave para los dos protagonistas de la muestra.

Más adelante, y después de pasar una sala dedicada a escultura, se presenta parte de la exposición titulada “5x5 = 25” que Rodchenko y Popova realizaron en Moscú en 1921 junto a Varvara Stepanova, Aleksandr Vesnin y Aleksandra Exter, donde renunciaban a la pintura. A partir de este momento, nos encontramos con la transición desde la pintura a otros medios como el diseño gráfico o la moda. Por lo tanto, los dos artistas promovieron una práctica multi-media que incluyó desde diseño para cine y teatro, hasta el diseño de pósters, libros, ropa, textiles, y muebles. En este sentido encontramos, por ejemplo, diseños para portadas de libros de escritores como Trotsky o Mayakovsky.

La exposición aúna también las contribuciones originales de ambos artistas en estos medios, enfatizando en su dedicación al trabajo en colaboración y su implicación con las industrias locales. La muestra de las obras utilitarias de Rodchenko y Popova pondrá de manifiesto el grado en el que ambos artistas influyeron en la moda, los medios audiovisuales, el teatro y el cine del siglo XX.

La temprana muerte de Popova, en 1924 no le permitió entrar en la siguiente fase del Constructivismo. A partir de este momento Rodchenko se dedicaría exclusivamente a la fotografía y el cine. La exposición, recoge, cómo éste empleaba la cámara para reflejar de forma efectiva la nueva arquitectura Soviética, y para identificar, por medio de enérgicos retratos, a las figuras claves del movimiento Constructivista. Por último, se proyectará la película Moscú en Octubre, 1927 de Boris Barnet donde Rodchenko participó como director de arte y diseñó los títulos de crédito del film.

Fecha: 21 de Octubre de 2009 - 11 de Enero de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Sala 103

Exposición de Francesco Lo Savio en el Museo Reina Sofía

Del 14 de octubre de 2009 al 11 de enero de 2010

Primera muestra en España de Francesco Lo Savio (Roma, 1935 – Marsella, 1963), en la que se exhibe aproximadamente un ochenta por ciento de las obras realizadas por el artista en sus cinco años de actividad: las pinturas de la primera época, monocromos, los filtros, los metales, las Articolizioni totali. También se podrán contemplar una serie de trabajos relacionados con la arquitectura, disciplina que apasiona al artista en los últimos momentos de su vida.

A pesar de su prematura muerte a la edad de 28 años, paulatinamente Lo Savio se ha impuesto como una de las figuras más importantes de la escena artística de la segunda mitad del siglo XX. En apenas cinco años, contribuyó con cuadros magníficos a un informalismo todavía dominante en los tiempos en los que debutaba como artista, pero también rompió radicalmente con esa gran tradición para inventar un nuevo lenguaje que prefiguró, con bastantes años de antelación, las investigaciones americanas, particularmente minimalistas, que marcarían los años sesenta. Su obra fue tan radical y prolífica que hoy se le considera, no sólo como uno de los precursores más importantes del minimalismo americano, sino también del arte conceptual en Europa.

David Maljkovic: Out of Projection, en el Reina Sofia.

David Maljkovic es una de las figuras más importantes de la escena artística croata. Su obra se centra en la memoria y la amnesia colectiva, retratando la transición del comunismo al capitalismo en la historia reciente de su país. Sus instalaciones mezclan vídeos, dibujos y objetos en los que dirige su mirada hacia edificios abandonados y arquitecturas obsoletas o ya derruidas. Los monumentos reflejan la promesa de un futuro mejor, pero también la melancolía por una realidad contradictoria y que se refleja en el estado actual de dichos edificios.

La obra de David Maljkovic, artista croata que actualmente vive entre Zagreb y Berlín, se centra en la memoria y en la amnesia colectiva, así como en la posible reconstrucción de un futuro. Cuestiones todas ellas muy ligadas a la reciente historia de ex Yugoslavia.Sus instalaciones mezclan vídeos, dibujos, objetos y elementos arquitectónicos. Se interesa especialmente por los símbolos arquitectónicos y su significado hoy en día.Sus instalaciones mezclan vídeos, dibujos, objetos y elementos arquitectónicos. Se interesa especialmente por los símbolos arquitectónicos y su significado hoy en día.

La trilogía Scene for New Heritage (2004-2006) está marcada por cierto aire de ciencia ficción ya que se desarrolla en el futuro. Jóvenes deambulan por lo que fue un emblemático edificio en 1980, el Petrova Gora Memorial Park, un edificio construido por Vojin Bakic durante el comunismo para conmemorar las victimas de la II Guerra Mundial. La imposibilidad de estos jóvenes de establecer ninguna comunicación con el espacio alcanza tal grado de intensidad que las razones históricas o políticas que lo justificaron caen en esa amnesia sobre la que Maljkovic pretende profundizar.

Lost Memories for these days (2006) es una continuación de These Days (2005) que también se desarrollaba en el pabellón italiano de la Feria de Zagreb diseñado por Giuseppe Sambito en 1960. Imágenes del pabellón lleno de modernos coches y el significado económico que suponía, fueron el punto de partida de esta obra en la que jóvenes azafatas se apoyan cansadas o aburridas sobre coches, alienadas del pasado que escenifican.

Ha realizado exposiciones en el Museum of Contemporary Art, Belgrado; Van Abbemuseum, Eindhoven; Museum of Modern and Contemporary Art in Rijeka; Centre de Creation Contemporain, Tours; Annet Gelink Gallery, Le Plateau, Paris, Whitechapel, Londres.
Del 22 de septiembre - 23 de octubre de 2009

En el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Edificio A, Sabatini, Planta 1, Espacio 1