El trazo español en el British Museum. Dibujos del Renacimiento a Goya. Museo del Prado Madrid.

La exposición "El trazo español en el British Museum. Dibujos del Renacimiento a Goya" en el Museo del Prado comienza con los ejemplares más antiguos que corresponden a artistas del siglo XVI y que desarrollaron su actividad en Castilla, como Alonso Berruguete. Asimismo, esta primera sección explora la repercusión que tuvo para el dibujo español la participación de artistas extranjeros, principalmente italianos, en la decoración del Monasterio de El Escorial. Tal es el caso de Pellegrino Tibaldi del que se incluye uno de los dibujos con arquitectura más sobresalientes del siglo XVI, el Estudio para la decoración de la Biblioteca del Escorial.

Continúa con la obra de algunos de los pintores más importantes del siglo XVII que trabajaban en distintas regiones del país, las cuales actuaban como ‘centros’ artísticos independientes. Así, Vicente Carducho, Alonso Cano y Francisco Rizi lo hacían en Madrid; Francisco Pacheco, Murillo y Zurbarán, en Sevilla; Juan Ribalta en Valencia o José de Ribera, en Nápoles. Todos ellos fueron representantes del florecimiento del dibujo durante el Siglo de Oro y produjeron ejemplos excepcionales como El enano Miguelito de Rizi, San Miguel Arcángel de Murillo, Curación milagrosa de un santo atribuido a Ribalta o Ticio (o Prometeo) de Ribera.

Al llegar al siglo XVIII, la exposición incluye obras clave de Luis Paret como Baile de máscaras en el Teatro del Príncipe; de José Camarón, Mujer oriental bajo un toldo; y otros maestros del periodo, que demostraron el considerable aumento del uso del dibujo en respuesta a las tendencias e influencias internacionales.

La muestra finaliza con la obra de Francisco de Goya, que cambiaría para siempre el panorama del arte español al ayudar a convertir España en una fuerza artística dominante. A través de sus dibujos exploró lo fantástico, las creencias y las conductas humanas. Ocho dibujos del maestro aragonés –correspondientes a toda su carrera y nunca vistos en conjunto en España-, entre ellos el magnífico Arthur Wellesley, primer duque de Wellington, ponen de manifiesto la incomparable versatilidad de sus recursos gráficos y la variedad de los temas que captaron su atención.

Una exposición para descubrir a Juan Fernández el Labrador

La exposición sobre Juan Fernández el Labrador se articula en dos secciones que muestran la evolución del artista en sus composiciones, desde las primeras obras en las que representa exclusivamente racimos de uvas hasta sus últimas pinturas conocidas en las que las uvas se combinan con otros elementos.

Los racimos de uvas son objeto preferente de representación en el género de la naturaleza muerta desde su origen, a fines del siglo XVI y principios del XVII. Con ellos los artistas podían demostrar su maestría captando sus calidades, estructura o madurez. Pero, al mismo tiempo, les servían parar evocar al público culto un remoto episodio que reivindicaba la superioridad de la pintura. Según los textos clásicos, el pintor griego Zeuxis de Heraclea (siglo V a.C.) llegó a realizar con tal fidelidad las uvas que los pájaros acudieron engañados a picotear un cuadro en el que pintó estas frutas.

En sus primeras obras conocidas el Labrador solo utilizó uvas, presentadas de forma desconcertante. Los racimos, minuciosamente detallados, aparecen suspendidos en la oscuridad, violentamente iluminados y eliminada toda referencia espacial. Su aspecto natural y de instantánea reta al ojo del espectador de su época, evidenciando la extraordinaria capacidad mimética de su autor, suficiente para equipararlo a un Zeuxis moderno.

A partir de 1633 el Labrador comenzó a pintar composiciones más complejas en las que las uvas, su verdadera marca de autor, se combinan con otros elementos. Estos bodegones reúnen siempre especies vegetales que fructifican en la misma estación, o que se conservan bien en meses posteriores. Generalmente son productos del final del verano o del otoño, que conviven con los racimos en pequeñas repisas vistas frontalmente y destacadas sobre fondos en sombra. En ellas reina un aparente desorden en el que se añade algún recipiente refinado, de materiales brillantes o coloridos, que marca un sutil contraste con la sencillez de bellotas o castañas.

Estos cuadros constituyen auténticas celebraciones otoñales, en las que la variedad de frutos supone una demostración de humilde abundancia. A este personal repertorio unió en 1635, por sugerencia quizás de sus clientes británicos, la representación de ramos de flores. Con ellas adquirió fama, por su frescura y sensación realista, incorporando así nuevos colores primaverales a su paleta.

193 aniversario del Museo del Prado: Acceso gratuito para celebrarlo

Hoy, lunes 19 de noviembre, el Museo del Prado quiere celebrar su 193 aniversario ofreciendo acceso gratuito durante toda esta jornada a las salas de la colección permanente y obsequiará a los niños menores de 14 años que lo visiten este día con un pase familiar para repetir visita en otra fecha.

Pinturas religiosas de artistas españoles en Roma (1852-1864)", "Las miniaturas en el Museo del Prado" y la exposición "Dibujos de Goya restaurados". Además, el público disfrutará de la oportunidad de visitar la exposición didáctica "Los trípticos cerrados del Museo del Prado. De grisalla a color", una muestra fotográfica que presenta las imágenes, poco conocidas, que aparecen en los reversos de los trípticos y tablas flamencas del Prado, y de "La Obra invitada", Retrato de caballero de Velázquez, procedente del Metropolitan Museum de Nueva York que permanecerá en la sala 9A, junto a Las Lanzas, hasta el 27 de enero de 2012.

Además, el Museo del Prado obsequiará con una tarjeta-regalo a los niños menores de 14 años que lo visiten a lo largo de esta jornada. Esta tarjeta podrá ser utilizada por un grupo de hasta cinco personas, de las que al menos una deberá ser menor de 14 años, para acceder gratuitamente al Museo otro día.

Exposición El joven Van Dyck en el Museo del Prado

El próximo 20 de noviembre el Museo del Prado presentará una de las más esperadas exposiciones de esta temporada y también una de las mayores dedicadas al arte de Van Dyck (1599-1641) en el mundo y la primera que se celebrará en España. Centrada exclusivamente en su obra de juventud, la muestra del Prado abarcará el periodo comprendido entre 1613, aproximadamente, cuando Van Dyck contaba 14 años de edad, hasta su marcha de Amberes a Italia en octubre de 1621. Durante estos ocho años de producción temprana, Van Dyck había pintado unos 160 cuadros, mucho de ellos obras de gran tamaño y ambición creativa, de los que el Prado posee el conjunto más importante.

La muestra, compuesta por noventa pinturas y dibujos, permitirá estudiar en profundidad la carrera del joven artista y poner de relevancia que su talento precoz se manifiesta no sólo en la cantidad, sino también en la calidad de sus obras. Incluso de no haber pintado más que los cuadros de esta etapa temprana, Van Dyck sería uno de los pintores más importantes del siglo XVII.

La exposición contará con notables ejemplos de cómo este talento precoz le permitió pintar obras maestras de gran originalidad, como El Prendimiento (Museo del Prado) y el San Jerónimo en el desierto (Gemäldegalerie de Dresde). En cuadros como La entrada de Cristo en Jerusalén (Indianapolis Museum of Art) o La Lamentación (Ashmolean Museum de Oxford), se mostrará su faceta de pintor experimental que busca nuevos recursos para aumentar el impacto de sus cuadros en los espectadores. Al margen de su trabajo propio, Van Dyck también trabajó para Rubens (1577-1640) y fue uno de los primeros pintores en enfrentarse a la abrumadora influencia de aquel, ejemplificada en obras como La coronación de espinas (Museo del Prado), en la que la aparición de figuras muy próximas a Rubens no impide apreciar nítidamente en otras la lucha del joven pintor por definir un estilo propio.

Retrato de caballero, Velázquez. Museo del Prado

El Museo del Prado tiene una iniciativa muy interesante que es recuperar obras olvidadas o poco conocidas. En este caso estamos ante uno de las obras más interesantes que ha recuperado del olvido. Se trata de este retrato de un caballero realizado por Velázquez. 

Su historia es la siguiente. En 2009, este retrato, que se exponía en las salas del museo de Nueva York atribuido al círculo de Velázquez, fue enviado al taller de restauración. A medida que se avanzaba en su limpieza se fueron haciendo más evidentes sus cualidades, que llevaron a Jonathan Brown a publicarlo como original de Velázquez. 

Desde el siglo XVIII había pertenecido a colecciones privadas alemanas, hasta que en 1925 o 1926 pasó a manos de Joseph Duveen, el marchante de pintura antigua más importante de su tiempo. Con objeto de facilitar su salida comercial, hizo restaurar el cuadro atendiendo a criterios que satisficieran las expectativas del coleccionismo internacional. Esa intervención creó un fondo homogéneo, definió las partes del tronco que estaban simplemente abocetadas, convirtió el cabello en una masa uniforme y, en general, dio lugar a una imagen muy estática y uniforme, una sensación que el envejecimiento del barniz no hizo sino aumentar.

Se desconoce la identidad del modelo. Su comparación con el Autorretrato de Valencia y con el que aparece en Las Meninas llevó al hispanista alemán Mayer, a plantear la posibilidad de que el pintor se hubiera representado a sí mismo. Sin embargo, esa misma comparación desvela más diferencias que semejanzas, pues todos los seguros o supuestos autorretratos velazqueños sugieren una piel más oscura y unos rasgos más marcados. 

En cambio, sí llaman poderosamente la atención sus semejanzas con el soldado anónimo que aparece en el extremo derecho de Las Lanzas, al que durante el siglo XIX, no en la actualidad, se consideró también Autorretrato. ¿Será el mismo caballero? y en tal caso, ¿de quién se trata?

Información obtenida de la web del Museo del Prado

La "otra" Gioconda vuelve al Museo del Prado

La copia de la Gioconda ha regresado este miércoles al Museo del Prado tras su préstamo al Museo del Louvre de París. De manera provisional esta pieza se exhibirá en la Sala 47, cerca de la Transfiguración de Rafael, según informa el Museo del Prado.

Esta copia de la obra del maestro italiano llevaba colgada en las paredes del Museo catorce años, hasta que un estudio técnico con motivo de una exposición que se iba a desarrollar en el Louvre, desveló que el repinte negro que cubría el cuadro ocultaba un paisaje. Este hallazgo hizo concluir a los investigadores del Prado que la copia fue pintada en el taller de Leonardo da Vinci y que fue una de las primeras en salir de su bodega. 

Los estudios y análisis técnicos comenzaron hace dos años cuando se lo pidió el Museo del Louvre de París con motivo de la exposición que inaugurarán en marzo, dedicada al cuadro 'La Virgen, el niño y Santa Ana' de Leonardo, pero fue gracias a las radiografías y fotografías con infrarrojos cuando aparecieron una serie de elementos, hasta entonces desconocidos, el principal de ellos, el paisaje. 

La obra llegó al Museo del Prado procedente de la antigua Colección Real. No se sabe exactamente la fecha de su llegada a España, pero Falomir apunta que el cuadro estaba ya en nuestro país en las primeras décadas del siglo XVII. 

Hay tres elementos que siempre han diferenciado la copia del Prado del original que exhibe el Louvre: en primer lugar la diferente factura; en segundo lugar, las cejas, porque la Mona Lisa del Prado tiene cejas y la de Leonardo da Vinci, no, y en tercer lugar, la ausencia del paisaje. 

Durante mucho tiempo se pensó que era una obra hecha en Italia teniendo en cuenta que el original Leonardo lo llevó consigo a Francia donde murió. 

'El último Rafael' en el Museo del Prado de Madrid

El Museo del Prado muestra en la exposición 'El último Rafael', la primera gran muestra monográfica que combina dibujos y pinturas de los últimos siete años de la vida de Rafael (1483-1520), la etapa que le convirtió en el pintor más influyente del arte occidental. Reúne 74 obras, de las cuales la mayoría no han sido expuestas antes en España.

El último Rafael es una de las exposiciones más importantes dedicadas al artista y su taller, y la primera centrada en sus años finales, etapa de su producción que le convirtió en el pintor más influyente del arte occidental. La muestra expone setenta y cuatro obras en total, de las cuales la mayoría no se han mostrado nunca antes en España tranzando un recorrido cronológico por la actividad del maestro, desde el inicio del pontificado de León X (1513) hasta su muerte en 1520, y de la de sus principales discípulos, Giulio Romano y Gianfrancesco Penni, hasta finales de 1524.

Esta exposición busca delimitar mejor las fronteras entre las obras ejecutadas por Rafael y las realizadas con la participación de sus principales ayudantes, Giulio Romano (h. 1499 – 1546) y Gianfrancesco Penni (h. 1496 – 1528).La muestra empieza en 1513, cuando Rafael ya llevaba trabajando en Roma cinco años decorando las monumentales estancias vaticanas en paralelo a otros importantes artistas italianos, como Miguel Ángel (su principal rival que trabajaba entonces en la Capilla Sixtina) y Sebastiano del Piombo, primero bajo el pontificado del Papa Julio II y después del Papa León X.

La exposición cuenta con un conjunto histórico de cuarenta y cuatro pinturas, veintiocho dibujos, una pieza arqueológica y un tapiz, procedentes de cerca de cuarenta instituciones distintas. El público puede disfrutar de un recorrido en el que se presenta de forma cronológica y en seis ámbitos temáticos el desarrollo pictórico y estético de Rafael al tiempo que se compara su evolución artística final con una selección de obras de sus dos seguidores Romano y Penni, tanto de las realizadas en vida del artista de Urbino como de las inmediatamente posteriores a su muerte. Esta inédita comparación permite identificar la participación de maestro y alumnos en las obras, así como dilucidar la contribución intelectual y estética de éstos a la obra de Rafael.

Entre las obras más sobresalientes que viajan por primera vez a España destacan el sereno retrato de uno de sus amigos, Baldassare Castiglione (1519), procedente del Musée du Louvre, o el gran cuadro de altar, Santa Cecilia (1515-1516), de la Pinacoteca Nazionale de Bolonia, en el que el espectador puede admirar la singular belleza de sus figuras y la composición armónica y perfecta de las mismas, destreza que el artista logró alcanzar durante su estancia en Roma.

Asimismo, destacan los cuadros del maestro que el propio Museo del Prado conserva de su etapa madura, entre los que se encuentra la gran tabla transferida a lienzo El Pasmo de Sicilia (1515-1516), que se exhibe en la muestra por primera vez tras su restauración.

Fechas

12 de junio - 16 de septiembre de 2012

Horario

De lunes a sábado de 10 a 20h, domingos y festivos de 10 a 19h.

Conferencia extraordinaria en el Museo del Prado para celebrar el Día de la Mujer

El Museo del Prado quiere unirse un año más a la celebración del Día de la Mujer con una conferencia extraordinaria.

Con el título de la exposición que se está presentando actualmente en Málaga, La estética del Barroco en femenino, la conferencia hará un recorrido por las principales artistas de la Edad Moderna: Artemisa Gentilescci, Sofonisba y Lucia Anguissola, Lavinia Fontana, Clara Peters, Luisa Roldán “la Roldana”, las hijas de Pedro de Mena, Josefa de Ayala, Victoria Martín Campo, Rafaela Roose de Quirós y Concepción Cuadra, y nos acercará al arte en femenino en la estética Barroca.

Para asistir a la conferencia es necesario recoger una entrada en las taquillas 1 y 2, desde 45 minutos antes del comienzo de la conferencia.

La Mona Lisa del Museo del Prado.

He de reconocer que esta noticia me ha sorprendido totalmente. Y no ha sido por el descubrimiento propiamente dicho, sino porque me cuesta entender cómo nadie se hubiera percatado antes de la importancia de la copia de "La Mona Lisa" que había en el Museo del Prado de Madrid. No estamos ante una mera copia del retrato de las muchas que hay por todo el mundo, sino de un verdadero retrato paralelo, algo así como una fotocopia ejecutada de forma simultánea por el alumno mientras el profesor pintaba su obra maestra.

El Museo de El Prado de Madrid, tras un proceso de restauración de su copia del famoso cuadro de Leonardo Da Vinci 'La Gioconda', ha descubierto que su relevancia es mayor de la considerada hasta ahora, puesto que fue realizada en el propio taller del humanista italiano mientras este pintaba la original. Ya que han descubierto bajo el fondo negro del cuadro, añadido posteriormente, el mismo paisaje toscano que el de la 'Mona Lisa' del Louvre, y al estar esta copia en mejor estado de conservación, arroja luz sobre el enigmático cuadro de Lisa Gherardini. Con mayor nitidez en el "sfumato" creado por Da Vinci y una nueva luminosidad en el rostro de la retratada que hace considerar a La Mona Lisa no tan madura como se intuía en el original, el descubrimiento de esta copia ha sido certificado no solo por El Museo del Prado, sino también por el propio museo del Louvre.

La conclusión de que esta copia de 'La Gioconda' fue pintada simultáneamente y en el mismo taller de Da Vinci se ha obtenido al descubrir, mediante reflectografías con rayos infrarrojos, que las rectificaciones de la copia son prácticamente exactas a las que hizo Da Vinci, lo que hace pensar que el discípulo presenció el proceso de creación de la obra e introdujo los mismos cambios que su maestro. La obra siempre había sido fechada en el primer tercio del siglo XVI, como contemporánea a la obra de Da Vinci, pero ahora la autoría se divide entre dos de los alumnos más próximos al pinto.

Con toda probabilidad, la obra será cedida temporalmente a sus colegas del museo parisiense por por  los responsables del Prado. Allí será exhibida en la misma galería donde se encuentra la Gioconda, la obra más visitada del Louvre.

Hay que subrayar, además, que el tamaño de original y réplica es prácticamente el mismo: 77 x 53 centímetros para el primero, y 76 x 57 para la segunda. El discípulo de Leonardo habría ejecutado la réplica a medida que el maestro toscano iba pintando el original en su estudio de Florencia, lo que además arrojará nuevas informaciones sobre la forma en que se trabajaba en los gabinetes de los grandes maestros.

El Museo del Prado cumple 192 años.

El Museo del Prado celebra este sábado sus 192 años de historia con una apretada jornada cultural que incluye una amplia oferta de exposiciones, arquitectura y música. El edificio del Museo fue diseñado por Juan de Villanueva e inaugurado en 1819.

La entrada gratuita este día permitirá disfrutar también de varias novedades recientes, como: `La acróbata de la bola´, de Picasso, actual obra invitada, la exposición temporal `Las miniaturas del museo del Prado´, el proyecto audiovisual `El Prado por Francesco jodice´, así como las dos nuevas obras en exposición, `Aníbal vencedor´ de Goya, del depósito temporal de la Fundación Selgas-Fagalde, y la `obra de Antonio Joli´, donada hace unos días por la Fundación Amigos del Museo. No será gratuíta sin embargo la visita a la exposición `El Hermitage en el Prado´.

'El Hermitage en el Prado', excepcional exposición en el Museo del Prado.

El 8 de noviembre el Museo del Prado abrirá al público la fabulosa exposición 'El Hermitage en el Prado', que mostrará a través de ciento veinte obras la gran variedad y riqueza de las colecciones del museo ruso -desde el siglo V a.C. hasta el siglo XX, pasando por sobresalientes piezas de arqueología, artes decorativas y los magníficos fondos de pintura, escultura y dibujo- que hacen de él uno de los primeros centros de arte del mundo. La exposición constituye una ocasión única y extraordinaria al tratarse de la primera vez que se muestra fuera del Hermitage una selección tan importante y numerosa de obras de sus excepcionales colecciones.

Compuesta por casi noventa obras de las célebres colecciones de pintura, dibujo y escultura del museo ruso, junto a una cantidad similar de piezas correspondientes a sus extensas e incomparables colecciones arqueológicas y de artes decorativas, además de trajes de época y mobiliario, la exposición 'El Hermitage en el Prado' completa el intercambio de colecciones sin precedentes acordado entre los dos grandes museos, español y ruso, e iniciado a principios de año con la presentación de 'El Prado en el Hermitage' en San Petersburgo, exposición que contó con la colaboración de AC/E y se convirtió en la de mayor éxito de público en la historia del Hermitage con más de 600.000 visitantes. Ambos proyectos se inscriben en el marco de la celebración del año Dual España-Rusia 2011

Ubicado en un conjunto de edificios palaciegos al lado del río Neva y, sobre todo, en el Palacio de Invierno que fue la residencia en el siglo XVIII de la Zarina Catalina la Grande, el State Hermitage Museum de San Petersburgo es uno de los más grandes y espectaculares museos del mundo. Sus colecciones abarcan el Egipto de los faraones, las culturas siberianas, el mundo grecorromano y llegan hasta el arte renacentista, la escultura neoclásica, y la pintura de Matisse y Picasso. Es uno de los poquísimos museos que, fruto del coleccionismo de los zares, empezando con Pedro el Grande (1672-1725), así como del coleccionismo privado de vanguardia del siglo XX, se puede considerar verdaderamente enciclopédico.

La exposición, comisariada por Mikhail Piotrovsky, director del Hermitage, convertirá las salas de exposiciones temporales de la ampliación del Prado en un “pequeño Hermitage” brindando al público la excepcional oportunidad de conocer no sólo las magníficas obras de arte y arqueología que conserva el gran museo ruso y cuya amplia selección dará cuenta de la riqueza de sus colecciones, sino también la historia del Hermitage. Con este fin, serán los retratos de los emperadores, Pedro I, Catalina II y Nicolas I; los cuadros de las espléndidas vistas de interiores del palacio y sus alrededores e incluso una selección de muebles y trajes de corte, los que recibirán al visitante al inicio de la exposición.

Por su parte, entre las grandes obras maestras de la pintura que formarán parte de esta muestra destacan ejemplos tan notables como el San Sebastián de Tiziano, el Tañedor de Laúd de Caravaggio, el San Sebastián de Ribera, y el Almuerzo de Velázquez. También tendrán cabida dos obras de la importante colección de Rembrandt que atesora el Hermitage, Retrato de un estudioso y Caída de Haman. De su colección de dibujos, vendrán obras de Durero, Rubens, Watteau e Ingres y, entre las esculturas, pueden destacarse el boceto en terracota de Bernini para el Éxtasis de Santa Teresa, y una de las obras maestras en mármol de Antonio Canova, la Magdalena penitente. La exposición contará también con notables ejemplos de las célebres colecciones de pintura impresionista y post-impresionista del museo ruso, en la que estarán representados Monet, Cézanne, Renoir, Gauguin y Matisse, éste último con dos obras, Juego de bolas y Conversación. De Picasso se incluirán tres lienzos, entre ellos Mujer sentada y Bebedora de absenta y completarán la selección dos obras rusas de la vanguardia abstracta, la Composición VI de Kandinsky y el misterioso Cuadrado negro de Malevich.

Museo del Prado
Madrid
8 de noviembre de 2011 – 25 de marzo de 2012

El Museo del Prado culmina la remodelación y reordenación de obras en su gran Galería Central.

El Museo del Prado presume de sus tesoros en la reorganización de sus espacios. Para los responsables del museo, se trata de uno de los hitos más complejos y destacados del Prado, que ha afectado a la práctica totalidad de la planta principal. Los primeros tramos del amplio y luminoso eje del edificio Villanueva acogen ahora obras de gran formato que muestran la distinguida tradición pictórica con raíz en los maestros venecianos, Tiziano, Tintoretto y Veronés. Con ellos, Annibale Carracci, Diego Velázquez, Rubens y Van Dyck entablan un diálogo en el que se narran las conexiones, influencias, admiraciones y rivalidades entre artistas a través de más de un siglo.

Uno de los puntos más importantes de la Galería Central, en la que se exhiben 59 obras la mayoría de ellas de gran formato, es el eje en el que se pueden contemplar 'Carlos V en la Batalla de Mühlberg', de Tiziano, frente al icono del Prado, 'Las meninas' de Velázquez, y al fondo de la galería 'La familia de Carlos IV' de Goya

Exposición "Roma. Naturaleza e Ideal (Paisajes 1600-1650)", en el Museo del Prado de Madrid.

El Museo del Prado la muestra ROMA: Naturaleza e Ideal. Paisajes. 1600-1650, que abrirá sus puertas mañana y será uno de los principales atractivos turísticos del verano madrileño. Compuesta por más de un centenar de obras, la exposición se presenta en el Museo del Prado hasta el 25 de septiembre tras su celebración en el Grand Palais de París gracias a la colaboración de la Comunidad de Madrid. La muestra constituye uno de los proyectos más ambiciosos de la pinacoteca, habiendo exigido la participación de más de cuarenta y cinco prestadores para completar la selección de paisajes más importante presentada nunca.

Por primera vez en una exposición se aborda el nacimiento del género del paisaje hasta su pleno desarrollo, con todos sus protagonistas y con la ciudad de Roma en la cumbre de su esplendor de fondo, en un conjunto de obras maestras que dan cuenta de todos los temas que trataron figuras de capital importancia: Annibale Carracci –padre del nacimiento del género-; Claudio de Lorena y Poussin –artistas cumbre del paisaje que imprimieron un carácter solemne y filosófico al mismo-; Velázquez –que inaugura una manera distinta de mirar la naturaleza- o los demás pintores encargados de realizar la serie de la galería de paisajes del Palacio del Buen Retiro, cuya sección se destaca en la muestra por su vital trascendencia en el devenir del paisaje.

Hasta finales del siglo XVI, los paisajes fueron considerados un género menor por parte de los teóricos del arte y en ocasiones fue tratado como una especialidad relegada a los pintores que llegaron a Italia desde el norte de Europa. En Roma coincidieron diferentes tradiciones que durante el siglo XVI habían constituido las tendencias más significativas de este género pictórico: los paisajes arqueológicos de Polidoro da Caravaggio y Rafael, así como los fondos más naturalistas y poéticos de obras de Giorgione o Tiziano, que algunos de los grandes coleccionistas romanos mostraban con orgullo.

Programa paralelo de actividades

El auditorio del museo acogerá entre julio y septiembre charlas didácticas gratuitas sobre los aspectos más relevantes de la muestra proporcionando las claves esenciales para apreciar y comprender mejor las obras que forman parte de la exposición en su recorrido por las salas. Los horarios pueden consultarse en http://www.museodelprado.es/.

5 de julio - 25 de septiembre 2011

Organizada por el Museo Nacional del Prado, la Rmn-Grand Palais (París), y el Musée du Louvre, Paris

Día Internacional de los Museos en Madrid.

Los museos madrileños celebran hoy el Día de los Museos y lo harán con el acceso libre y gratuito a sus instalaciones, así como varias actividades organizadas en torno a sus colecciones y exposiciones temporales.

El Museo del Prado celebrará el Día Internacional del Museo (18 de mayo) con el acceso gratuito a todas las salas de la Colección y a las tres exposiciones temporales actualmente en curso: 'Chardin', que se clausurará el 29 de mayo, 'El joven Ribera' y 'No solo Goya', ambas abiertas hasta el 31 de julio.

Por otra parte, quienes no sean visitantes asiduos del Museo y dediquen esta celebración a visitar la Colección, podrán disfrutar de algunas novedades, como la presentación temporal de fondos del siglo XIX "Fortuny y el esplendor de la acuarela española" -compuesta por trece ejemplos de esta delicada técnica pictórica y que estará en exhibición únicamente hasta el 4 de septiembre.

Para concluir esta jornada festiva, el Museo ha previsto también la celebración de una conferencia extraordinaria en el auditorio que será impartida por Juan Pablo Fusi, a las 19h, bajo el título 'La historia soñada: sobre el diálogo entre Arte e Historia', y que contará con la asistencia de un intérprete de Lengua de Signos Española.

Además, el Prado obsequiará con una tarjeta-regalo a los niños menores de 14 años que lo visiten a lo largo de esta jornada. Esta tarjeta podrá ser utilizada por un grupo de hasta cinco personas, de las que al menos una deberá ser menor de 14 años, para acceder gratuitamente al Museo en la fecha que elijan entre el 19 de mayo y el 18 de noviembre de 2011.

Por su parte, el Museo Reina Sofía ha organizado un amplio programa de actividades, como representaciones escénicas en espacios singulares, itinerarios temáticos a cargo de los mediadores culturales, la presentación de la Radio del Museo Reina Sofía, visitas guiadas al taller de restauración o a las nuevas exposiciones.

Otro de los grandes museos de la capital, el Museo Thyssen celebrará la jornada de puertas abiertas con una exposición Monet y la abstracción, como la Colección Permanente y la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza.

El Día Internacional del los Museos se celebra el 18 de mayo en todo el mundo desde el año 1977, tal día fue el resultado de la resolución tomada en la XII Asamblea General del ICOM (Consejo Internacional de Museos) en Moscú.

El tema para el Día Internacional de los Museos 2011 es 'Museo y Memoria'. Los museos guardan la memoria y cuentan historias. Conservan en sus colecciones objetos fundamentales para la memoria de las comunidades en las que vivimos. Tales objetos son la expresión de nuestros patrimonios natural y cultural. Muchos de ellos son frágiles, varios están en peligro, y todos necesitan un cuidado y una conservación especiales. El Día Internacional de los Museos 2011 será la ocasión de descubrir y redescubrir vuestras memorias individual y colectiva.

La Noche de los Museos en Madrid.

La Noche de los Museos se celebra hoy en Madrid visitas guiadas, conciertos, talleres, representaciones teatrales, audiovisuales, "performances" y juegos, que invitan a redescubrir el arte, de forma gratuita y con un horario ampliado, desde múltiples puntos de vista.

La iniciativa, que se celebra en toda Europa, está auspiciada por el Consejo de Europa y permite a los ciudadanos contemplar las colecciones de los museos en las horas nocturnas, en las que habitualmente están cerrados al público.

En Madrid, el Museo del Prado se suma a esta iniciativa abriendo desde las 21:00 horas hasta la 01:00 horas sus puertas para contemplar las tres exposiciones temporales que alberga actualmente la pinacoteca: "Chardin", "El joven Ribera" y "No solo Goya".

El Thyssen-Bornemisza permitirá la entrada gratuita esa noche a sus exposiciones temporales desde las 19:00 horas, mientras que la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando convertirá su patio en un taller-escuela.

Los museos estatales ofrecerán una programación amplia y variada destinada a toda la población, entre ellos el Museo de Altamira (Cantabria), los Museos de Cervantes de Valladolid y Alcalá de Henares, el Museo del Greco (Toledo), el Museo de Arte Romano de Mérida y el de Arqueología Subacuática de Cartagena (Murcia).

También participan el Museo Sorolla, el Arqueológico o el Museo Nacional del Romanticismo, todos ellos en Madrid.

Este último ofrece una de las iniciativas más originales, "Romanticismo fashion night", en la que se podrán ver dos pases de moda del siglo XIX (entre las 20:30 y las 24:00 horas) que darán a conocer los trajes más típicos de la época, en la que triunfaban los miriñaques, las sombrillas y las levitas.

El sábado 14 de mayo el Museo del Prado celebrá La Noche de los Museos.

El Museo del Prado participará el próximo sábado 14 de mayo en la celebración de La Noche de los Museos con la apertura gratuita y extraordinaria de las tres exposiciones temporales que actualmente ocupan todo el espacio expositivo de su ampliación: Chardin, El joven Ribera y No solo Goya

El Museo se suma así un año más a esta iniciativa, puesta en marcha por primera vez por los museos franceses y a la que posteriormente se fueron sumando también museos de otros países europeos, como el Prado.

El joven Ribera

Una muestra que reúne por primera vez las principales obras del pintor español correspondientes a su estancia en Roma y los años siguientes a su establecimiento en Nápoles, en 1616, con el propósito de dar a conocer la actividad del joven artista. Se trata de una etapa de su producción apenas conocida hasta época reciente y que está dando lugar a un interesantísimo debate entre los historiadores.


Chardin

Con 57 obras, la muestra constituye una oportunidad única para dar a conocer la obra de Jean Siméon Chardin (1699-1779), uno de los más relevantes exponentes de la pintura francesa del siglo XVII, por primera vez en España, país en el que nunca antes se le había dedicado una muestra y dónde, por esta razón, unida a lo escaso de su producción conservado en territorio español (únicamente tres obras), el pintor es prácticamente desconocido para el gran público a pesar de su indiscutible virtuosismo pictórico y originalidad.
 

 
No solo Goya

Bajo el título de No solo Goya, la exposición pone de manifiesto que, si bien la obra de Goya ha constituido uno de los ejes de la política de adquisiciones del Museo, quizá el de mayor repercusión mediática por su innegable valor, ha habido también una serie muy numerosa de obras ingresadas en la colección del Prado de no menor importancia artística. A partir de esta idea, la exposición se organiza en ocho secciones que responden a las principales líneas de adquisición establecidas por el Museo.

Sábado 14 de mayo
De 21.00 a 1.00h (último acceso: 0.30h)
Acceso Gratuito. Puerta de Jerónimos. Previa retirada de la entrada en taquilla
Recogida de entradas en las taquillas situadas en la puerta baja de Goya

Exposición antológica de Jean Simeón Chardin en el Museo del Prado de Madrid.

Este lunes se presenta la exposición antológica dedicada a Jean Simeón Chardin (1699-1779) en el Museo del Prado. Se trata de uno de los más relevantes exponentes de la pintura francesa del siglo XVIII del que en España, país en el que nunca se le ha dedicado una muestra.

La exposición cuenta con 57 obras del artista, donde Chardin demuestra porque es un gran maestro del bodegón y de la pintura de género.

El recorrido de la exposición seguirá un orden cronológico atravesando los aspectos más destacados desde los inicios de la vida artística de Chardin, en la segunda década del siglo XVIII, hasta los pasteles de los años setenta. El visitante se encontrará con muchas de sus más famosas creaciones junto a cuadros poco conocidos por tratarse de obras albergadas en colecciones particulares e incluso algunas identificadas recientemente.

La exposición permanecerá en el Museo del Prado de Madrid hasta 29 de mayo de 2011, tras su paso por el Palazzo dei Diamante de Ferrara como primera sede de la misma.

Además, en el Museo del Prado se podrán contemplar 16 obras que no se han incluido en la presentación italiana de la muestra, entre las que cabe destacar 'La raya', una de sus pinturas más importantes; 'Los atributos de las artes', cuadro de grandes dimensiones de tema alegórico que se presta por primera vez a una exposición; o las tres versiones de la 'Joven maestra de escuela' que se reúnen en primicia para su presentación en la sede española.

Mañana miércoles 2 de febrero, a las 19h., Conferencia "Los desnudos en Renoir"en el Museo del Prado.

Mañana miércoles 2 de febrero, a las 19h., Conferencia "Los desnudos en Renoir", por Sylvie Patry del Musée d'Orsay (conferencia con traducción simultánea). Entradas (gratuitas) disponibles en taquillas 1 y 2 desde 45 minutos antes del inicio.

Museo del Prado.

Prorrogada la exposición de Renoir en el Museo del Prado.

El Museo del Prado prorrogará la exposición dedicada a Renoir hasta el 13 de febrero, en vez de clausurarla el próximo 6 de febrero. “Pasión por Renoir” esta teniendo una gran afluencia de público y se ha convertido en todo un éxito en esta temporada.

Por ello, ademas de la ampliación de fecha, otra de las medidas que se tomaran será la de realizar visitas con un aforo limitado de gente, se hará en grupos reducidos con reserva previa y un ingreso cada 15 minutos.

El Reina Sofía se apróxima al número de visitantes del Museo del Prado.

En 2010, año de su 20 aniversario, el Reina Sofía alcanzó la cifra de 2.313.532 visitantes, un 10 por ciento más que en 2009, mientras el Museo del Prado perdió más de 32.000, aunque siguió siendo el más visitado.


El Museo del Prado cerró 2010 y por tercer año consecutivo por encima de los 2,7 millones de visitantes. Desde que se inauguró la ampliación, el centro no ha bajado de esa cifra, aunque en 2010 perdió 32.155 visitantes respecto a 2009.

El Centro de Arte Reina Sofía ganó casi 200.000 visitantes respecto a 2009, lo que se relaciona con la nueva organización de la colección correspondiente a las décadas de 1940, 50 y 60 y a la consolidación de las actividades públicas.

También creció en 2010 el Museo Thyssen-Bornemisza, que recibió más de 800.000 visitantes, un 2,4 por ciento más que en 2009. El museo informó que su exposición más visitada -176.460 personas-, fue Monet y la abstracción. 2007 fue el mejor año para el Thyssen, cuando llegó a los 976.150 visitantes.

En materia de exposiciones, Pasión por Renoir fue la más visitada del Prado, con 235.224 personas y Rubens, con 194.186. No obstante, ambas muestras permanecen abiertas en enero, por lo que el número total de visitantes será mayor.

Más de la mitad del público asistente visitó solo la colección permanente del Prado, en su mayoría de Madrid, Cataluña, Italia y Estados Unidos. La exposición dedicada a Turner y los maestros fue vista por 160.139 personas.

Fuente: http://www.hechosdehoy.com/