EL ARTISTA COLOMBIANO CARLOS SANTA EXPONE POR PRIMERA VEZ EN MADRID

Del 20 al 26 de noviembre

Sala La Cacharrería

El artista colombiano Carlos Santa, uno de los mejores especialistas en dibujos de animación, presenta en el Ateneo de Madrid, en el marco del Festival de Cine Experimental, una completa exposición con lo más significativo de su obra.

Esculturas en bronce que evocan el mundo circense bajo una estética surrealista que motivan en el espectador la fantasía y lo onírico del mundo infantil. El movimiento ha sido captado en todas ellas no de una forma estática, sino con un verdadero juego de velocidad y sonidos en los que el espectador es parte del juego propuesto… esculturas para tocar, oír, sentir.

Entre las piezas son destacables sus cajas de cristal donde alberga esos personajes tan característicos de su obra, recién salidos de sus manos y que van componiendo, tridimensionalmente el espacio partiendo de la sencillez del papel que les otorga cuerpo.

La muestra se completa con varias tiras de fotogramas, todas ellas con dibujos originales, de su última película que ha sido estrenada en el Ateneo de Madrid.

Sin lugar a dudas esta muestra resume las formas de hacer de Carlos Santa, quien convierte la ilustración cinematográfica en un conjunto artístico excepcional.

ATENEO DE MADRID
C/ Prado 21 = 28014 Madrid

El Museo Romántico reanuadará el 3 de diciembre su actividad con un nuevo título, el de Museo Nacional del Romanticismo.

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El Consejo de Ministros aprobó un Real Decreto por el que se otorga al Museo Romántico, de titularidad y gestión estatal, la denominación de Museo Nacional del Romanticismo y se regulan sus fines y funciones.


El museo, que tiene su sede en Madrid, en el Palacio del Marqués de Matallana, se creó en 1921 al aceptar el Estado español la donación por parte del Marqués de la Vega-Inclán de una serie de pinturas, muebles y ajuares, procedentes en su mayoría del siglo XIX.

Desde esa fecha hasta hoy, el museo ha incrementado de manera notable sus colecciones referentes al Romanticismo como época histórica y ha alcanzado una singular relevancia dentro del panorama museístico español por su finalidad y objetivos, así como por la importancia de las colecciones que conserva.

Además, su actual concepción como institución dedicada al estudio de una época ha aconsejado adecuar su denominación a esta situación y a las nuevas corrientes historiográficas y museísticas.

Precio: 3 euros
C/ San Mateo, 13. 28004 - Madrid
Teléfono: 91 448 01 63

Madrid-Barajas acoge la exposición “Sostenibilidad, cultura, diversidad, integración e inserción laboral”, organizada por la Fundación Trinijove.

La muestra, patrocinada por la Obra Social de la Fundación “la Caixa”, reúne una colección de esculturas de Josep Puigmartí.

El Aeropuerto de Madrid-Barajas, en colaboración con la Fundación Trinijove, acoge en sus instalaciones una nueva exposición que presenta al público la muestra “Sostenibilidad, cultura, diversidad, integración e inserción laboral”, con obras del artista Josep Puigmartí.

La exposición, patrocinada por la Obra Social de la Fundación “la Caixa”, es un reflejo los tres ámbitos en los que trabaja Trinijove, el social, el medioambiental y el cultural. Así, mediante la utilización de paneles explicativos, donde se manifiesta “desde la política medioambiental de Aena hasta la responsabilidad social y cultural de distintas entidades”, la muestra trata de concienciar y sensibilizar al público sobre la importancia y el cuidado que se debe tener con el medio ambiente.

Con esta orientación la muestra reúne una colección de esculturas del artista catalán Josep Puigmartí realizadas con diferentes materiales provenientes del reciclado. En su “constante búsqueda de la belleza, latas de bebida, plásticos y otros objetos de desecho, son reconvertidos en Arte, dotándolos de una nueva lectura”.

Los paneles informativos recogen, a través de textos educativos, la importancia del reciclaje y la transparencia y trazabilidad de los residuos, desde su depósito en origen hasta su transporte a la planta de tratamiento. Ejemplos prácticos que ayudan al usuario a tomar conciencia de que con simples gestos se puede hacer mucho por el medio ambiente y a su vez colaborar de una forma simple en la creación de puestos de trabajos con personas con discapacidad y de exclusión social.

La exposición, situada en la zona de confluencia de los pasillos de acceso a los Terminales T2 y T3, desde el Parking P2 y el Metro, podrá ser disfrutada por pasajeros y visitantes hasta el 15 de enero.

La Fundación Trinijove trabaja desde 1985 en el ámbito de la formación y la inserción sociolaboral de colectivos con especiales dificultades. Durante este tiempo ha trabajado activamente en el diseño y la implementación de medidas y programas innovadores con la finalidad de superar las situaciones de exclusión social.

Esta exposición supone un nuevo paso del Aeropuerto de Madrid - Barajas como escaparate artístico, no sólo con obras de exhibición permanente pertenecientes a la Fundación Aena, sino también con exposiciones temporales con obras pertenecientes a las más variadas técnicas artísticas, como la pintura, la escultura, la fotografía, el grabado, la ilustración o el diseño gráfico, entre otros.

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA AGUA, de EVE Photographers, en Fnac Plaza Norte.

Fotografías de Marizilda Cruppe, Agnès Dherbeys, Bénédicte Kurzen, Justyna Mielnikiewicz, Lourdes Segade y Newsha Tavakolian.

En Fnac Plaza Norte, del 1 de diciembre de 2009, al 11 de enero de 2010.

El colectivo EVE Photographers presenta este proyecto que analiza desde diversos ángulos un tema que en muchos países lleva siendo un grave problema que afecta a la supervivencia de millones de personas y que, conforme se va haciendo más evidente su escasez, cada vez preocupa más a los países industrializados.

Cuanto más nos adentramos en el siglo XXI, el agua se convierte en un asunto global. Las historias que componen este trabajo exploran luchas personales, a lo largo y ancho del mundo, en las que el agua (o la ausencia de ésta) afecta la vida cotidiana de personas concretas, a veces de forma violenta, otras de forma más tradicional.

Las fotografías que componen la muestra Agua reflejan esta realidad en seis lugares del planeta: Brasil, Indonesia, Nigeria, Mar Caspio, Malawi e India.

Consulta en www.clubcultura.com/clubfoto todas las exposiciones fotográficas que te ofrece la Fnac.


Sobre EVE Photographers

El colectivo EVE Photographers está compuesto por seis mujeres, seis miradas personales que afrontan cada uno de sus trabajos fotográficos comunes desde seis alejados puntos del globo y seis realidades sociales distintas.

EVE Photographers expone también en la Fnac un proyecto anterior bajo el título Maternidad.

Más información sobre el colectivo: www.evephotographers.com.


Acceso al centro Comercial Plaza Norte 2:
En coche por la A-1, salidas 17 y 19 en sentido Burgos, y salida 17 en sentido Madrid.
En transporte público, autobús interurbano 156 y 171 con salida en Plaza Castilla, y línea 10 de Metro (parada Reyes Católicos)

Georges Vantongerloo. Un anhelo de infinito en el Reina Sofia.

La exposición muestra un recorrido por la obra del escultor, pintor, arquitecto y teórico del arte Georges Vantongerloo (Amberes, 1886 – París, 1965).

A pesar de ser uno de los artistas-pensadores más importantes del siglo XX, las exposiciones que se han realizado de Vantongerloo hasta el momento han sido escasas. Comisariada por Guy Brett, la exposición que el Museo organiza sobre el artista tratará de mostrar la base de su obra en la que la re-conceptualización del espacio pictórico y escultórico marcó las tendencias artísticas del arte abstracto de los primeros años del siglo XX. También se intentará resaltar el último periodo de su trabajo después de la Segunda Guerra Mundial en el que, en una sucesión de saltos radicales, el creador llegó a una original e intuitiva encapsulación visual de las energías del Universo.

La muestra trazará, por lo tanto, la evolución del artista desde sus inicios con Constructions in the Sphere (1917), hasta sus años como miembro del Grupo De Stijl o del grupo Abstraction-Création (cuando producía pinturas geométricas basadas en un ángulo recto), pasando por la introducción de la “curva” en sus pinturas de finales de los años 30.

Por otro lado, la exposición recogerá los trabajos realizados después de la Segunda Guerra Mundial con las series realizadas en plexiglás, modelos prismáticos y pinturas que buscaban un parecido o equivalencia con el fenómeno cósmico -radiación, radioactividad, electromagnetismo, atracción/repulsión- que continuaría hasta su muerte.

Inscrito en la experiencia de las vanguardias históricas y marcado por la invención de la abstracción que ha visto la eclosión de obras maestras como las de Mondrian, Malevitch y Kandisky, en 1917, Vantongerloo firmaría el manifiesto del grupo De Stijl, junto a Mondrian y Van Doesburg.

En los años veinte, una parte importante de su investigación se centró en el color como fenómeno físico y perceptivo. Más tarde, Vantongerloo concebirá sus obras según reglas estrictamente geométricas, después algebraicas, para convertirse así en el fundador del pensamiento matemático en el arte de nuestra época. Verdadero pionero en el terreno de la escultura abstracta, el artista seguirá, después de 1945, proponiendo versiones peculiares de la misma, abandonando toda referencia a una geometría construida y abriéndose a un acercamiento subjetivo al universo de la cosmología.

Exposición Arte en la calle. Manolo Valdés. CaixaForum Madrid.

Exposición "Esencias de Mujer" de la autora Teresa Rodero, en el Ayuntamiento de Alcobendas.

Con motivo del 25 de Noviembre, día de la Mujer maltratada, el 23 de Noviembre se inaugura en el Ayuntamiento de Alcobendas a las 11h la exposición de fotografía digital titulada "Esencias de Mujer" de la autora Teresa Rodero.


Una exposición relalizada en homenaje a las mujeres maltratadas, para concienciar a la sociedad de que las mujeres son la otra mitad de la población mundial

La exposición permanecerá abierta hasta el 3 de Diciembre incluído, en horario continuado desde las 8 de la mañana hasta las 7 de la tarde.

León Ferrari y Mira Schendel: El alfabeto enfurecido.

León Ferrari y Mira Schendel son dos de los artistas latinoamericanos más significativos del siglo veinte. Ambos produjeron sus obras durante los años 60, 70 y 80, en Argentina y Brasil, sin haberse conocido mutuamente, privilegiando la presencia del lenguaje como materia visual y como contenido.

Ferrari, nacido en Argentina en 1920, ha utilizado un amplio repertorio de medios artísticos, de la cerámica al cine, pasando por escultura, dibujo, ensamblaje, grabado, arte postal, pintura, y sonido. Mientras vivía temporalmente en Italia, en los años 50, produjo esculturas en cerámica estilísticamente vinculadas a la abstracción europea de aquel tiempo. De retorno a la Argentina comenzó una significativa producción de esculturas de alambre antes de producir sus obras sobre papel, en la cual formas orgánicas y gestuales constituyen a la vez un repertorio abstracto y una exploración de códigos, caligrafías y escrituras, ulteriormente produciendo pinturas, esculturas e instalaciones. Profundamente preocupado por el rol ético del artista, Ferrari ha vinculado el interés por las formas de vanguardia con un contenido de denuncia política. Aún activo en la escena contemporánea del arte Argentino, vive actualmente en Buenos Aires.

Nacida en Zurich en 1919, Schendel se trasladó junto a su familia a Italia aún niña. En 1936 se inscribió en la Università Cattolica del Sacro Cuore de Milán para estudiar filosofía, siendo forzada al exilio tres años más tarde por la persecución antisemita. Al final de la Segunda Guerra Mundial, emigró al Brasil, donde comenzó a producir su arte, iniciándose como ceramista, luego como pintora. A inicios de los años 60, Schendel produjo un volumen considerable de obras sobre papel aplicando técnicas inéditas, en las que se manifiesta su interés por el gesto escrito y su búsqueda de la transparencia dentro de la materia. A fines de los años 60 realizó obra tridimensional, utilizando el papel como soporte para esculturas abstractas de formas abigarradas y produciendo complejas acumulaciones de signos y escrituras entre soportes de acrílico transparente. Hasta su muerte en 1988, Schendel mantuvo una sensibilidad hacia la dimensión ética del arte, concibiéndolo como una de las más radicales expresiones de la condición humana.

Schendel y Ferrari emergieron como artistas durante un tiempo marcado por el uso de modelos lingüísticos para comprender el mundo. A diferencia de los artistas conceptuales, Ferrari y Schendel no hicieron uso del lenguaje en sus obras para producir arte como idea o como concepto, sino para manifestar su específica materialidad, utilizándolo como un medio físico que puede ser moldeado y esculpido. Tangled Alphabets: León Ferrari and Mira Schendel es la primera muestra retrospectiva de sus obras en los Estados Unidos.


Fecha: 25 de noviembre de 2009 - 1 de marzo de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Caja Duero exhibe una muestra de cerca de 200 conjuntos belenísticos de los cinco continentes y más de dos mil figuras.

Se trata de una selección de belenes de la colección privada de la familia Basanta-Martín que se podrá contemplar hasta el próximo 10 de enero. Iniciada hace 45 años por Antonio Basenta, vicepresidente de la Fundación Sánchez Ruipérez, la colección reúne más de 3.250 belenes, realizados por artesanos de 200 países.

La exposición recorre los cinco continentes: De la simplicidad animista de los belenes africanos, a la sensibilidad de los asiáticos; de la insólita presencia del belenismo australiano a la casi infinita aportación de América, en la que países como Perú y Méjico brillan con especial luminosidad; del clasicismo de muchos de los belenes españoles a la peculiaridad del arte belenístico ibérico, transcendental en la propagación y renovación continua de esta expresión artística en el mundo.

Cada belén representa un prototipo cultural, un testimonio que se proyecta en el futuro. La variedad de los materiales: piedra, madera, hueso, paja, resina, etc.; unido a la riqueza cromática y estilística, suma atractivo a esta exposición que propone un viaje por la Navidad de los cinco continentes.

Abre el mayor mercado de antigüedades de España con una sección de 'low cost'.

Madrid se convirtió desde ayer, y hasta el día 29, en el epicentro del mercado del arte antiguo, las artes decorativas y la pintura, con la inauguración de la Feria de Arte y Antigüedades (Feriarte), en la que se exhibirán más de 15.000 piezas de alto valor artístico, de 165 profesionales nacionales e internacionales.

El pabellón 10 del IFEMA dará acogida al certamen, cuyas puertas se abrirán al público a partir de hoy. Dentro, los visitantes encontrarán obras pertenecientes a diversos estilos, épocas y especialidades: obras con más de cien años de antigüedad, de los estilos Art Noveau y Art Decó y pintura y escultura de autores contemporáneos.

Desde hace más de una década, esta exposición es también un evento de visita obligada para coleccionistas y admiradores de la pintura de alta calidad de los siglos XIX y XX, así como de todos los amantes de obras singulares y exclusivas. Gracias a su gran calidad, esta feria se ha convertido en el mejor exponente de arte antiguo en España y uno de los referentes en Europa.



Más internacional

En la edición de este año, entre otras cosas, destaca la prestigiosa representación internacional, que se concreta en la participación de reputados anticuarios y galeristas extranjeros, procedentes de Francia, Alemania, Bélgica, Portugal, Holanda y hasta de Siria. Para cuidar el nivel se ha creado un comité de expertos que evaluará todos los puestos de la exposición.

Junto a la exclusiva selección de arte y antigüedades, destaca la galería del 'Joven Coleccionista', un espacio donde los amantes de las artes decorativas podrán descubrir y adquirir obras de gran interés y belleza a un precio accesible.

Esta novedosa área recogerá los artículos de una cotización inferior a 3.000 euros que pondrán de manifiesto cómo el coleccionismo y el interés por las antigüedades no implica, necesariamente, precios desorbitados. La intención de los organizadores es la de fomentar el coleccionismo en los jóvenes y acercar el arte a todo tipo de público.

Para esa galería se han seleccionado interesantes obras que van desde el grabado y la escultura, al mobiliario, pasando por la joyería o los trabajos de porcelana. La calidad es tan buena que se pueden encontrar obras de artistas de la talla de Eduardo Chillida y Joan Miró.


Para atraer a todo tipo de público y ofrecer más compradores a los participantes, el certamen organizará diariamente dos recorridos de 45 minutos por la feria, guiados y gratuitos, y que mostrarán lo mejor del lugar. La iniciativa se llevó a cabo en años anteriores y según los organizadores contó con una excelente acogida.