Exposición: Grafistas. Diseño Gráfico Español 1939-1975, en el Museo Nacional de Artes Decorativas

El Ministerio de Cultura presenta un recorrido por el corpus de trabajo más significativo de los pioneros del diseño gráfico español. En la muestra se puede apreciar, de forma atractiva y didáctica, cómo el diseño gráfico ha trascendido los ámbitos profesionales comunicativos para convertirse en una pequeña historia de la transformación de la España contemporánea.

Entre los creadores cuyos diseños pueden verse en la exposición destacan nombres como Alexandre Cirici Pellicer, Manolo Prieto, Ricard Giralt Miracle, Josep Renau, Daniel Gil, Joan Brossa o Josep Artigas, con cerca de 300 trabajos que recorren los ámbitos de la cultura, el contexto, lo institucional, el comercio y la cronología. Hasta la fecha no se habían mostrado obras e información suficiente para conocer las trayectorias y la dura coyuntura histórica en la que estos creadores trabajaron. Esta exposición cubre así una carencia documental, ubicando por vez primera todos estos datos dentro del contexto internacional y haciéndonos ver lo que los pioneros del diseño gráfico español supusieron para las generaciones posteriores de españoles: la apertura de una puerta a una nueva manera de relacionarse con la comunicación visual y, al mismo tiempo, la posibilidad de disfrutar, a través de sus diseños, de una estética atractiva.

La exposición incluye el diseño editorial (colecciones de libros, periódicos, revistas, cabeceras de diarios), el diseño tipográfico, logos y marcas de empresa, carteles de todo tipo, material discográfico, gráfica de comercios, material gráfico de productos farmacéuticos, felicitaciones navideñas, vallas publicitarias, sellos de correos, calendarios, tarjetas y papel de cartas de autopromoción, displays, collages, esculturas y recortables...

Museo Nacional de Artes Decorativas

C/ Montalbán, 12

Fecha: Desde el 28/10/2011 hasta el 29/04/2012

Horario: Martes a sábados, 9.30-15.00, y jueves, también 17.00-20.00 h; domingos y festivos, 10.00-15.00 h. Lunes, cerrado.

EXPOSICIÓN "OBSERVADOS". VOYEURISMO Y VIGILANCIA A TRAVÉS DE LA CÁMARA DESDE 1870.

La Fundación Canal Isabel II presenta esta excitante exposición. La complacencia de ver sin ser visto. La mirada indiscreta en torno al erotismo, la violencia, el miedo, la muerte, el acecho a los famosos... Intromisión y una cámara son el eje de esta exposición de ciento setenta fotografías y dos piezas audiovisuales.

Trabajos de algunos de los fotógrafos más famosos de la historia como Brassai, Cartier-Bresson, Walker Evans, Robert Frank o Dorothea Lange muestran cómo el concepto de intimidad varía con el tiempo y cómo la vigilancia, en cualquiera de sus vertientes, está cada vez más presente, y de forma más natural, en nuestras vidas.

Exposición organizada por el San Francisco Museum of Modern Art y la Tate Modern. Patrocinada por Trellis Fund y la Phyllis C. Wattis Foundation

Del 27 de octubre de 2011 al 8 de enero de 2012

La escultura aérea de Viviane Brickmanne en la galería Atalante

Una veintena de esculturas de la artista belga (aunque residente en España desde hace muchos años), dialogan con los tapices flamencos colgados de las paredes de la galería Atalante. Piezas que muestran un personal universo poético a través de figuras estilizadas y líneas ascendentes, sugiriendo el vuelo, en consonancia con la definición de William Blake, “El vuelo es la libertad del mundo….el pájaro es el aire libre personificado”.

Las esculturas se instalan bajo el concepto general de “Aire”, aludiendo a una cierta poética del espacio, en referencia al "Ensayo sobre la imaginación del movimiento", del "El aire de los sueños", de Gaston Bachelard. Donde circula el aire La obra escultórica de Viviane Brickmanne ha evolucionado desde unas primeras obras en barro cocido, con potentes alas y picos, no figurativas pero con reminiscencias antropomorfas (Crucificado, Albatros, El Desdichado), hasta sus primeras piezas de bronce (Aullido, Vuelo), más estilizadas y aéreas, con líneas más elaboradas y pulidas, para reforzar la idea de pureza formal. En sus siguientes esculturas (Pájaro durmiente, El Pico del Cóndor, Libélula) elimina las alas buscando, a través de un juego de líneas, sugerir un movimiento dinámico ascendente; se rompe la estructura compacta introduciendo aperturas para dejar circular el aire, como referencia a la idea del soplo vital de François Cheng. En otras piezas (Dualidad, Cobra, Silbido, Llamada) la artista sigue ahondando en la estilización de la figura y en la simplificación de las formas, eliminando todo elemento superfluo a través de líneas depuradas, en bronce pulido.

El siguiente paso (las piezas Metamorfosis, Vuelo imaginario, La mirada de arriba, Alción), es una ruptura en la forma, no así en el contenido, ya que permanece la idea del aire como concepto, aunque ya no haya alas o espacios que dejen circular el aire. La forma pierde aquí el pulido y el rigor de la línea perfecta y se hace más áspera, con referencias a materiales primarios como la madera. Es el yin después del yang. Estas últimas piezas responden al deseo de buscar una representación diferente y de mayor soltura, con menos limitaciones o ataduras. Siguen siendo importantes el ritmo y la construcción, pero no compacta ni tan elaborada en apariencia.

La exposición cuenta con la colaboración con la Delegación de Flandes (Embajada de Belgica) en España.

Galería Atalante

Salustiano Olózaga, 3

Madrid

Exposición "La Caballería Roja. Creación y poder en la Rusia soviética de 1917 a 1945".

La Caballería Roja. Creación y poder en la Rusia soviética de 1917 a 1945 es un proyecto que engloba una gran exposición y una serie de actividades como cine, conciertos, propuestas escénicas y conferencias. Una visita imprescindibles si vienes con cualquier  vuelo barato a Madrid.

La exposición se centra en los años que van desde la marcha de la primera caballería roja en la Guerra Civil (1918-1921) a la intervención de la caballería roja en la Segunda Guerra Mundial (1941-1945). El título alude también a dos obras maestras homónimas de la época: el libro de relatos de Isaak Bábel y la famosa pintura de Malévich, que abre la exposición.

La Caballería Roja presenta el panorama artístico-cultural de los años 20 y 30 en la Rusia soviética en cuanto a la colaboración, voluntaria y entusiasta en algunos casos, impuesta y forzada en otros, de los creadores (escritores, músicos, artistas, directores teatrales y cineastas) en la construcción del socialismo (sus experimentos, sus compromisos, sus sufrimientos) y analiza las políticas culturales de Lenin, Stalin y su entorno.

La Caballería Roja es una especie de viaje desde la energía artística de la vanguardia que acompañó el estallido y los primeros pasos de la revolución (y sus tanteos y estrategias para conectarse con la nueva realidad social que se estaba construyendo) hasta la aniquilación de cualquier talento creativo por parte de Stalin al final de los años 30. Reúne materiales muy diversos, desde obras maestras de la vanguardia hasta algunas piezas significativas en la estética del realismo socialista, desde manuscritos de los poetas de la edad de plata -Ajmátova o Mandelshtam-, las sátiras de Bulgákov o Olesha y las obras de los llamados compañeros de viaje -Bábel, Pasternak o Pilniak-, hasta las novelas heroicas que se escribieron para ensalzar las grandes obras de los planes quinquenales.

A todos los que no viváis en Madrid, no lo dudéis coger un vuelo barato y visitar la Casa Encendida, situada en Ronda de Atocha, muy cerca de la Estación de Tren.

La Casa Encendida
Del 7 octubre de 2011 al 15 de enero de 2012.

Exposiciones sobre el cine en el Matadero Madrid y el Teatro Fernán Gómez.

Durante toda la semana Matadero Madrid acoge ciclos de proyecciones y el Centro Fernando Fernán Gómez propone una exposición dedicada a los premios Goya. La agenda trae también los coletazos acústicos del Conde Duque con las actuaciones de “La Bienquerida” (hoy jueves, 20 de octubre), “Las Pequeñas Cosas” (viernes, 21 de octubre) y “Calocando” (sábado, 22 de octubre).

La exposición propone al visitante un viaje emocional en el tiempo, en el que aparecen directores, intérpretes o técnicos que cuando nacieron los Goya ya estaban consagrados -como Carlos Saura, Luis García Berlanga, Fernando Fernán Gómez o Gil Parrondo-, así como los que han ido convirtiéndose en nuevas figuras en los últimos veinticinco años -como Alejandro Amenábar, Javier Bardem, Penélope Cruz o Alberto Iglesias. También figuran géneros habituales de nuestro cine, como el histórico o la comedia, junto a otros muy poco explorados anteriormente, caso del fantástico y de terror o del thriller. Asistimos a la internacionalización de nuestro cine de la mano de directores como Pedro Almodóvar o Fernando Trueba, así como a la progresiva incorporación de la mujer a los aspectos más creativos de la autoría cinematográfica, con nombres tan destacados e interesantes como los de Icíar Bollaín o Isabel Coixet.

Más información: http://www.mataderomadrid.org/

Próxima exposición de Martin Creed en la Sala Madrid-Alcalá 31.

La exposición Things/Cosas, del artista británico Martin Cree, uno de los artistas internacionales más interesantes de su generación, que combina su faceta de artista plástico con su grupo de música, formado en 1994.

Sus esculturas, instalaciones, vídeos y dibujos están inspirados en objetos, palabras, y sonidos de la vida diaria, en lo cotidiano. Creed está constantemente investigando la naturaleza básica de las cosas, creando un mundo de clasificaciones, categorías y excepciones inesperadas a través de objetos, palabras y sonidos.

El espacio expositivo será una gran sala donde Creed mostrará obra concebida para la ocasión, como sus nuevas pinturas murales, combinándolas con piezas tan conocidas como Work No. 88 A sheet of A4 paper crumpled into a ball (Una hoja de papel A4 hecha una bola), 1995, o su vídeo Work No. 670 Orson and Sparky, 2007, nunca hasta ahora presentadas en España.

Martin Creed se dio a conocer por la utilización de materiales simples para crear un mundo donde la realidad parece transformada, como la masilla azul adhesiva pegada en una pared en Work No. 79 Some Blu-Tack kneaded, rolled into a ball and depressed against a wall (Un poco de Blu-Tack amasado, hecho una bola y aplastado contra un muro), 1993, o una hilera de clavos ordenados de mayor a menor en Work No. 701 Nails (Clavos), 2007.

Sus trabajos son a veces el resultado de una rigurosa fórmula, presentados en forma de instrucciones: Work No. 150 Half of anything multiplied by two (La mitad de cualquier cosa multiplicada por dos), 1999, o frases tan simples escritas en signos de neón como Work No. 251 Things (Cosas), 2000. Estos trabajos que parecen simples gestos, a veces con un sentido del humor absurdo, pueden conseguir cambiar la percepción del espectador sobre los objetos y materiales que le rodean en su entorno diario.

La exposición podrá visitarse del 15 de diciembre al 26 de febrero de 2012, en la Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31 (Calle Alcalá, 31. Madrid), de martes a sábado, de 11 a 20.30 horas; y domingos y festivos, de 11 a 14 horas.

"ARQUITECTURAS PINTADAS. Del Renacimiento al siglo XVIII", exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y la Fundación Caja Madrid presentan a partir del 18 de octubre la exposición Arquitecturas pintadas, un conjunto de más de 140 cuadros, desde el Renacimiento al siglo XVIII, en los que arquitecturas y ciudades pintadas son tema principal o fondo para la representación de escenas diversas. El objetivo es mostrar al público la evolución de estos decorados o escenarios arquitectónicos y el abanico de matices que contribuiría a su independencia como género ya en el siglo XVIII.

Duccio di Buoninsegna, Canaletto, Giovanni Paolo Panini, Tintoretto, Gaspar van Wittel, Hubert Robert, Maerten van Heemskerck, Hans Vredeman de Vries...; grandes pintores, tanto de la órbita mediterránea como del norte de Europa, eligieron la pintura de arquitecturas para resaltar las escenas y los episodios representados en sus cuadros. Pintar arquitecturas significaba establecer la escena del movimiento o de la posición de las figuras, dotarlas de un lugar verosímil espacial y visual, histórico o mítico, legendario o imaginario, incluso convertirse en innovadores proyectos arquitectónicos pintados, o en elocuentes fragmentos de construcciones que guían, con muros y huecos, las emociones e historias representadas.

El recorrido de la exposición se organizará siguiendo un orden cronológico y temático al mismo tiempo, con una primera parte en las salas del Museo Thyssen-Bornemisza que abarca los siglos XIV al XVII, cuando la pintura de arquitecturas y vistas de ciudades se considera un género menor, pero que se utiliza con frecuencia como fondo de escenas religiosas, históricas, mitológicas... y va cobrando cada vez mayor protagonismo, hasta llegar a su triunfo como género independiente en el siglo XVIII, etapa que centrará la atención del visitante en las salas de la Fundación Caja Madrid, con la obra de los grandes maestros de las vedute, paisajes de ruinas, caprichos, etc.

18 de octubre de 2011 - 22 de enero de 2012

Museo Thyssen-Bornemisza y

Fundación Caja Madrid

Madrid

Exposición "Night falls" de Carissa Santoso.

La galería acoge a partir del 13 de octubre la exposición Night falls. The glass house for individual plants, creada por la ilustradora y diseñadora Carissa Santoso durante su formación en el Master of European Design Labs del IED Madrid. La artista indonesia, afincada en Madrid, nos acerca a un mundo imaginario que distingue la experiencia de la realidad. Lo que nos ofrece Carissa para estos días es un universo compuesto por la influencia de las cosas que nos rodean: el latido de la naturaleza, el olor de la tierra húmeda, el cielo estrellado, la brisa, las gotas de agua, los animales, el movimiento y lo que intuimos en la oscuridad; a través de vidrio soplado y tallado a mano con toques de madera de nogal.

Mi objetivo es conseguir que las personas experimenten la sensación de sentirse rodeadas de objetos que les hagan sonreír. Los elementos y personajes de este mundo imaginario tienen formas, materiales y tamaños diferentes. Me gusta jugar con la confusión de dimensiones y espacios, afirma Carissa. Mantiene las plantas a salvo, les da un hogar y las aísla de la contaminación y de la corrupción del mundo cotidiano.

Recomendamos acercarte a ver el detalle del grabado a mano sobre el vidrio. Son símbolos de protección, como dragones y elementos naturales, que se ayudan mutuamente para defender este espacio, comenta la diseñadora.

Sin duda, conocer de cerca el trabajo de Carissa es la excusa perfecta para visitar una de las galerías más acogedoras y emergentes del barrio de Malasaña, en Madrid.

Inauguración: 13 de octubre a las 19:00

Exposición: del 14 al 28 de octubre

Galería 6mas1

Horario: Lunes a viernes. 10:00 -14:00 y 16:00 – 20:00

Entrada libre

Delacroix, el príncipe de los románticos, llega al Caixaforum de Madrid.

"Eugène Delacroix. De la idea a la expresión (1798-1863)" pretende dar a conocer una nueva interpretación de la visión romántica del artista, reuniendo más de 100 obras del gran pintor francés Eugène Delacroix (1798-1863), una de las figuras más destacadas del romanticismo, entre cuyos óleos más conocidos están Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi (Museo de Bellas Artes, Burdeos), uno de los bocetos de La muerte de Sardanápalo (Museo del Louvre, París) o Las mujeres de Argel en su aposento (Museo del Louvre), excepcionalmente prestado para la muestra.

Dramatismo, exotismo, movimiento y color definen el programa de un artista que se presentaba a sí mismo como un revolucionario, enfrentado a las rígidas convenciones del arte neoclásico. Delacroix fue el primer pintor moderno, visceral y apasionado, que trasladó a la tela la renovación espiritual del romanticismo.

La exposición, organizada conjuntamente por la Obra Social ”la Caixa” y el Museo del Louvre en el marco de un acuerdo de colaboración, es la más importante que se ha organizado en España en torno a la figura de Delacroix. Cuenta con préstamos de instituciones tan importantes como la National Gallery de Londres, El Metropolitan Museum de Nueva York o el Art Institute de Chicago.

Propone un recorrido por las diferentes etapas de su producción, desde las primeras obras, que buscan la inspiración en el museo, hasta la etapa de madurez, en la que el artista extrae sus temas de la realidad, haciendo especial hincapié en sus obras de historia así como las orientalistas, reunidas por primera vez desde 1963, año de su centenario.

Horario: Lunes a domingo, de 10.00 a 20.00 h

Centro: CaixaForum Madrid, Paseo del Prado, 36

28014 MADRID

Exposición "Granada en Sorolla" en el Museo Sorolla.

La exposición “Granada en Sorolla” organizada por el Museo Sorolla de Madrid en colaboración con el Ayuntamiento de Granada es una oportunidad única de descubrir la huella que dejo esta ciudad en el pintor.

Sorolla estuvo en Granada en cuatro ocasiones: 1902, 1909, 1910 y 1917. La primera fue una visita fugaz, pero dejó en él una profunda huella con el deseo de regresar para pintarla, Sorolla quedó deslumbrado por el paisaje y el patrimonio monumental de la ciudad.

La exposición reúne 24 de los cuadros que el pintor realizó allí en varias estancias. Sierra Nevada, las vistas de la ciudad o los patios y torres de La Alhambra son algunos de los motivos que cautivaron al pintor. Los paisajes que realiza en Granada son claves dentro de su producción. En ellos explora el género del paisaje puro, sin figuras, desplegando todos los recursos adquiridos a lo largo de su carrera con una pincelada expresiva y certera. La exposición incluye además un conjunto de dibujos que muestran cómo la asimilación del paisaje granadino va más allá de su producción pictórica, quedando plasmada también en el diseño de una de sus obras más personales, el Segundo Jardín de la Casa Sorolla. Por último el comedor del Museo estará decorado con una muestra de la cerámica granadina de Fajalauza de la colección del Museo. El Museo ha organizado una serie de actividades paralelas a la exposición como visitas guiadas o cuentacuentos. Así mismo, la actividad de la Pieza del Mes abordará durante los próximos meses distintos aspectos de la exposición.

Del 3 de octubre de 2011 al 22 de febrero de 2012