Madrid Woman's Week del 5 al 9 de Marzo 2012.

Hoy se ha inaugurado en Madrid una semana dedicada a la Mujer, un "foro de pensamiento abierto a todos los públicos" que celebrará talleres, exposiciones y charlas centrados en temas de igualdad, conciliación y diversidad.

Todas estas actividades, así como la II Semana Internacional de la Mujer y el Día Internacional de la Mujer, el día 8, forman parte del evento Madrid Woman's Week, organizado conjuntamente con el Instituto de la Mujer y que tendrá como epicentro el Centro Turístico de Colón.

MADRID WOMAN’S WEEK no quiere ser protagonista, sino ser plataforma abierta de comunicación y acción donde se escuchen voces de todos los colores políticos, ideológicos, confesionales, culturales, sociales y empresariales.

Este año, la Semana Internacional de la Mujer contará con la presencia de directivas, líderes políticas, sociales y empresariales de España, Europa y América que debatirán sobre el éxito de las Políticas de Igualdad y su irrupción en el mundo Empresarial y Social. También compartirán su experiencia en políticas empresariales de Igualdad, Conciliación, Certificación, Consejos de Administración. 

Además, desde el punto de vista empresarial, se celebrarán sesiones para conocer dónde hay financiación, cómo emprender y qué hacer para hacer de la crisis una oportunidad de convertir un sueño en una realidad de negocio a autoempleo.

¿Por qué me gusta el teatro? Burundanga.

Quien quiera reírse sin para, quien quiera pasar un rato divertido y olvidarse de sus problemas, quien quiera disfrutar del teatro, que no dude en ir a ver Burundanga en el Teatro Maravillas. Excepcional actuación de Marta Poveda (algunos la recordaréis de cuando salía en la televisión en "Escenas de matrimonio"), alma de esta obra de teatro que da una clase de interpretación difícil de olvidar.

La obra es una comedia de Jordi Galcerán (“El método Gronholm”) que nos habla sobre una joven pareja de enamorados. Ella quiere saber todo sobre él pero no se atreve a preguntar. Su mejor amiga le ofrece una dosis del suero de la verdad: Burundanga. ¿La quiere? ¿Es él quien aparenta ser? ¿Es honrado, fiel y trabajador? ¿Y si oculta los peores secretos? ¿Y si no es lo que parece? ¿Es infiel? ¿Es un delincuente? ¿Y si fuera un terrorista?

Sinopsis:

Berta, una joven estudiante, está embarazada de Manel, su novio, pero todavía no se ha atrevido a decírselo.Y es que no sabe qué hacer. Por no saber, no sabe ni si su novio realmente la quiere.

Silvia, su compañera de piso, le ofrece la solución: burundanga, la droga de la verdad, una sustancia que hace perder la voluntad a quien la toma y provoca la sinceridad más auténtica.

Si se la administra a Manel podrá saber la verdad sobre todo aquello que desee. Y Berta lo hace, le da la droga a su novio y descubre no sólo lo que pretendía averiguar si no otra verdad mucho más inesperada que hace estallar un enredo de consecuencias imprevisibles.

El Teatro Maravillas está en la calle Manuela Malasaña, cerca de las paradas de metro de Tribunal y Bilbao. Es una estupenda opción para ir con amigos o con tu pareja, no con niños. 

¿Tienes un plan mejor para este fin de semana?

Reparto:
Eloy Arenas, Mar Abascal,
Marta Poveda, Antonio Hortelano, César Camino.
Director: Gabriel Olivares
Autor: Jordi Galcerán

Exposición del fotógrafo Lewis Hine en la Fundación Mapfre.

La Fundación Mapfre acoge desde el sábado una retrospectiva del fotógrafo norteamericano Lewis Hine, figura clave del documentalismo social. Que podrán visitarse hasta el 29 de abril en la sede de la Fundación Mapfre en el Paseo de Recoletos 23. 

Sus series de fotografías de la isla de Ellis -puerta de entrada de la emigración que afluía torrencialmente a los Estados Unidos-, la construcción del Empire State o el trabajo infantil a lo largo de todo el país, forman ya un documento indispensable para entender la historia social de ese periodo.

El fotógrafo norteamericano Lewis Hine (Wisconsin, 1874 – Nueva York, 1940), una de las figuras claves de la estética del documentalismo social. FUNDACION MAPFRE, en colaboración con la George Eastman House (Rochester, Estados Unidos), depositaria del archivo de Lewis Hine, presenta la obra de un fotógrafo que, preocupado por el bienestar de los más desfavorecidos, recurrió a la imagen fotográfica para reflejar la injusticia y la miseria de la época.

Esta exposición, compuesta por una selección de 170 imágenes –en su mayoría vintage-, ofrece un completo recorrido por su trayectoria fotográfica, y sitúa la obra de Hine en el contexto artístico, político y cultural de su tiempo, desde sus primeros retratos de inmigrantes desembarcando en Ellis Island (1904-1909, 1926) y niños trabajadores (1903- 1913), hasta su labor en Europa para la Cruz Roja americana a finales de la Primera Guerra Mundial (1918-1919), o su serie sobre la construcción del Empire State en Nueva York (1930-1931). Asimismo, el recorrido se acompaña de documentos y publicaciones de la época, algunos de ellos inéditos recientemente adquiridos por la George Eastman House, con los que Hine impulsó causas sociales como la mejora de la vivienda o la erradicación de los talleres de explotación ilegal.

Vinculado estrechamente a movimientos progresistas e instituciones humanitarias, Hine puso su cámara al servicio de la denuncia y la lucha por dignificar la vida de las clases trabajadoras.

Exposición "Un paisaje holandés" en la Casa Encendida.

Parece que el buen tiempo ha llegado para quedarse en Madrid, un buen momento para venir en alguno de los numerosos vuelos baratos a Madrid, como los de la compañia Ryanair. Pues cuando lleguen no se olviden de visitar la exposición de la Casa Encendida.

Alrededor de cuarenta de obras de una docena de creadores forman parte de un proyecto sobre las grandes transformaciones que sufrió el arte en los años sesenta y las secuelas que han dejado en las nuevas generaciones. No es una muestra sobre el paisaje, pero toma el nombre del género pictórico como metáfora para describir una panorámica concreta del arte realizado en los Paises Bajos en dos momentos determinados. Los años sesenta y setenta, en los que los artistas holandeses jugaron un papel fundamental, y la primera década del siglo XXI, en el que un grupo de artistas jóvenes redefinen el lenguaje conceptual, una estrategia que se ha convertido en uno de los géneros esenciales del arte.

Una de las claves de la exposición es ver cómo se interpretan conceptos importados de los años sesenta como la desmaterialización o la autorreferencialidad, o prácticas basadas en repeticiones, permutaciones, sistemas, series... Los artistas de una y otra generación introducen nociones subjetivas contraviniendo las premisas del conceptual más severo. Así, se configura un paisaje en el que se impone lo poético, una lectura de la experiencia cotidiana que incurre con frecuencia en el absurdo y lo irracional a partir del escepticismo y la incertidumbre que depara nuestro tiempo.

La exposición presta atención al trabajo solitario del artista en su estudio, sumergido en profundas disquisiciones en torno a la realidad y el modo en que ésta se representa. Estas reflexiones dejan mucho espacio al azar y están trufadas de errores y fracasos que son siempre bienvenidos. Cuando el artista sale al exterior es un flâneur expuesto a las contingencias de lo cotidiano, al accidente, al vacío.

La muestra “Un paisaje holandés” está compuesta por los trabajos de Bas Jan Ader, Feiko Beckers, Gwenneth Boelens, Marinus Boezem, Stanley Brouwn, Jan Dibbets, Sharon Houkema, Martin In’t Veld, Katja Mater, Navid Nuur, Ger van Elk y Marijn van Kreij.

Fuente: Casa Encendida

Hans Haacke muestra sus "Castillos en el aire" en el Museo Reina Sofía.

Ya podemos disfrutar de una muestra de 40 obras de Hans Haacke abierta en el Museo Reina Sofía. El proyecto Castillos en el aire (2012), concebido específicamente para el Museo Reina Sofía, tiene en cuenta la realidad de un barrio del extrarradio madrileño, el Ensanche de Vallecas, donde Haacke encuentra las imágenes de las ruinas que corresponden a nuestra sociedad contemporánea. Junto a las escrituras inmobiliarias de hipotecas, planos, edificios, calles vacías, destaca los nombres de las mismas, dedicados a los principales movimientos artísticos del siglo XX.

Hans Haacke ha realizado expresamente la obra “Castillos en el aire” para escenificar esta exposición. Se trata de una gran instalación de la que forman parte nueve trabajos de otros autores. Hans Haacke (Colonia, 1936) es un destacado representante de la llamada crítica institucional surgida a finales de los años 70; una especie de ‘antisistema’ pegado el sistema que se ha caracterizado por cuestionar el uso comercial y propagandístico que se ha dado al arte y al artista.

La presente exposición se divide en dos ámbitos: una muestra de obras anteriores del artista, análisis y reflexiones sobre mercado y globalización, en que las instituciones contribuyen a alterar el valor económico del arte, neutralizando su potencial subversivo como The Invisible Hand of the Market (2009); la relación entre arte, patrocinio y publicidad en la pretensión de adquirir imágenes corporativas respetables en Thank you Payne Webber (1979), Global Marketing (1986-2011) o Helmsboro Country (1990); o lo espurio del discurso institucional, que percibe el arte como lubricante social para la aceptación de las actuales dinámicas económico-políticas descrito en On social Grease (1975) o Broken R M (1986). El proyecto Castillos en el aire (2012), concebido específicamente para el Museo Reina Sofía completa la muestra.

Hans Haacke (Colonia, 1936) es considerado pionero de la llamada crítica institucional, vertiente del arte conceptual, surgida a finales de los años sesenta. Formado y residente en los Estados Unidos, su obra transita de un puro conceptualismo inicial hacia un discurso crítico. Sus obras cuestionan los mecanismos y funciones de las instituciones culturales, políticas y económicas, que manifiestan ser herramientas activas en la construcción y transmisión de valores identitarios e ideológicos favorables al discurso y expansión de la globalización. Construye sistemas de relación mediante elementos literales tomados del cotidiano, cuyo significado crítico emerge por colisión simbólica al ser yuxtapuestos, procurando, más que denunciar, dejar ver la relación entre arte y comportamiento social.

Noa Lidor en el MUSEO ABC de Madrid.

En su primera exposición individual en un museo español, Noa Lidor reúne obra anterior y tres nuevas instalaciones realizadas ex profeso para  las salas del museo madrileño. En su práctica, Lidor utiliza a menudo objetos ya existentes, alterando sus usos previstos para  crear nuevas narrativas. Las obras de la muestra personifican un sentido de paradoja, señalando la diferencia entre lo visual y lo táctil, la superficie y la profundidad, la duda y la creencia, el lenguaje y la experiencia genuina.

Utensilios de costura, condimentos que salen de la cocina y piezas de ganchillo  son los utensilios con las que la artista dibuja en sus nuevas instalaciones realizadas para  la muestra. En 'Tank', cientos de dedales metálicos estarán incrustados en la pared, dejando  sólo visible su espacio interior, formando un dibujo lineal de un tanque a tamaño real.  Otra instalación, 'And indeed  there will be time' incluirá una pila de doscientas tapetes tejidos a mano y un velador de madera. Y en una tercera instalación titulada 'I have heard the mermaids singing', un texto será convertido  en código braille,  explotado  y recreado con pequeñas montañas de sal fina sobre una mesa de comedor de madera. La exhibición también incluirá  una serie de dibujos en páginas de un libro en braille,  así como una nueva serie de acuarelas llamada ‘Doubting Thomas’.

De los trabajos anteriores que se podrán  ver destaca la obra de 2010 Field (Andromeda), donde unas campanas de metal están incrustadas en un colchón doble, de forma que exponen  su espacio interior, normalmente oculto. La ubicación  y los distintos tamaños de las campanas corresponden a un mapa estelar que refleja  la constelación de Andrómeda, llamada así por la princesa que, según la mitología griega,  fue encadenada a una roca como sacrificio a un monstruo del mar.

El trabajo de Noa Lidor se materializa en forma de dibujo, escultura e instalación. Y destaca por el uso poético y sensual de materiales humildes –como el papel, el yeso o la cera–,  así como objetos cotidianos en el entorno doméstico –como el mobiliario de una casa familiar–,  o los instrumentos musicales, que al ser manipulados por la artista, pierden su función original. La temática de su obra
se nutre de historias míticas y mitológicas que se transforman camaleónicamente adoptando idiosincrasias culturales, integrándose en las tradiciones populares de distintas comunidades aparentemente lejanas y dispares. Los códigos diseñados por el hombre para  facilitar  la comunicación y que, sin embargo, la entorpecen, son metáforas recurrentes que la artista evoca a través de los instrumentos mudos o la utilización del braille.

SOBRE LA ARTISTA

Noa Lidor nació en Israel y reside en Londres. Su trabajo de los últimos años incluye encargos específicos para  la Galería de Arte Abbot Hall en Kendal, Reino Unido (2011), la sala ‘Members Room’ de la Tate Modern en Londres (The Mammals - 2008-9) y el Museo de Arte Haifa en Haifa, Israel (Lighthouse - 2007-8).

Su primera exhibición individual en España fue en la galería La Caja Blanca,  en  Palma de Mallorca (In the Chambers of the Sea - 2010), y, en ese mismo año, celebró una exhibición individual en Green Cardamom, Londres (This Dark Ceiling without a Star - 2010).

La instalación ‘Till human voices wake us’ de Noa Lidor, producida por la galería La Caja Blanca y presentada el pasado febrero en JustMad, fue seleccionada como ganadora de la primera edición del Premio  de Dibujo Museo ABC. Con sal, la artista dibuja –escribiendo en Braille–, un fragmento del poema  “La canción  de amor  de J. Alfred Prufrock” de T.S. Eliot y evoca la forma de una alfombra. La elección se realizó entre los proyectos participantes en la feria de 2011 en los que el dibujo tenía un papel protagonista. El jurado estaba formado  por Inmaculada Corcho –directora del Museo ABC de Dibujo e Ilustración–, Giulietta Speranza –directora de la feria JustMad–, y los comisarios independientes Ana Luiza Teixeira de Freitas, Martí Manen y Javier Duero.

Actualmente, trabaja en una instalación site specific para  el Museo Herbert F. Johnson en Ithaca, Nueva York, en la exposición colectiva 'Lines of control' (2012) . Lidor está graduada por la Academia
de Arte y Diseño Bezalel  en Jerusalén (2001) y tiene un Máster en Bellas Artes por la Escuela de Arte y Diseño de Chelsea, Londres (2004).

centro de arte / dibujo / ilustración
MUSEO ABC

C/ AMANIEL 29-31

MADRID

Realidad y fantasía del artista Alfonso Ruano en el Museo ABC de Dibujo e Ilustración de Madrid.

El Museo ABC de Dibujo e Ilustración de Madrid presenta Primer Recuento, la primera retrospectiva de la obra de Alfonso Ruano, referente esencial en la ilustración de libros infantiles en España. Organizada por la Fundación SM junto a “i con i”, la exposición recorre tres décadas de creación que trasladan al visitante a un universo particular poblado de historias y emociones.

La muestra, que lleva por título Alfonso Ruano.  Ilustraciones. Primer Recuento, recoge 47 ilustraciones originales realizadas desde 1984 hasta 2010, que aparecen en 11 libros: El Señor Viento Norte, El Caballo Fantástico, Zapatones, El Circo de Paco,  El Guardián del  Olvido, La Composición, El Pequeño Títere, Insomnio, Tiempo de Vuelo, Dunas de Agua y El Hada del Agua.

Se trata de imágenes cargadas de realidad y fantasía, memoria propia y común, búsquedas y encuentros donde el tiempo es a la vez hilo conductor y protagonista. Pasado, presente y futuro transitan entre las figuras y sugieren preguntas que permiten ampliar la mirada. Así, las historias e imágenes saltan del libro y de la carpeta a la pared del Museo, convirtiéndose en un viaje por el proceso creativo de la narración en imágenes.

Además, Primer Recuento es un hermoso ejemplo de la evolución de la edición de álbumes ilustrados en España desde los años 80 hasta ahora, donde  el paseo del tiempo  se puede apreciar en los cambios de tipografía, impresión, colores, composición, materiales, etc.

Alfonso Ruano ha trasladado a imágenes los cuentos de autores como Michael Ende, Gustavo Martín Garzo, Carmen Posadas o Antonio Skármeta. Con varias decenas de libros publicados, con ediciones en diversos países de Europa, América y Asia y traducidas a múltiples idiomas, el ilustrador ha obtenido algunos de los más prestigiosos premios de ilustración por títulos como:  El Caballo Fantástico (Premio Lazarillo 1985 y Premio Nacional  de Ilustración 1986), El guardián del olvido (Premio Catalonia  1990, seleccionada como una de las cien obras indispensables de la Literatura Infantil española del siglo XX) o La composición (con los premios de la Biblioteca del Congreso de EE.UU y de la Unesco en el 2000). Hoy es un referente para las nuevas generaciones de ilustradores.

« Una muestra de ilustraciones pide detenerse, mirar y dedicar mayor atención a la forma, a la geometría, a los rasgos y gestos de todo lo representado. Conviene, además, rastrear el reflejo del tiempo en el uso de la secuencia, influencia directa de la historieta y el cine, en el sentido de los encuadres, en la fragmentación y la acumulación, en la influencia del ojo fotográfico y su momento decisivo. Lo que en foto es un instante, en pintura es una parálisis.»

19.01.12 - 04.03.12
MUSEO ABC
Amaniel, 29-31
Madrid
www.museoabc.es
Entrada gratuita

Exposición individual de Eduardo Arroyo en el Círculo de Bellas Artes.

Eduardo Arroyo (Madrid, 1937) es sin duda la figura clave de la «nueva figuración española» y uno de nuestros pintores más reconocidos, que sin embargo cobró protagonismo en el circuito artístico nacional tardíamente, a partir de los años 80, después de un alejamiento de dos décadas durante el régimen franquista. En París optó por la pintura figurativa en unos años de claro dominio de la pintura abstracta. De un uso matérico del color, Arroyo pasaría a una técnica más cercana al pop art. Su primer impacto público se produjo en 1963, al presentar en la III Bienal de París una serie de efigies de dictadores, que provocó las protestas del gobierno español. Actualmente, sus obras figuran en los mejores museos españoles e internacionales y su creatividad se extiende también al ámbito de las escenografías teatrales y las ediciones ilustradas, simultaneando las tareas de pintor y escritor.

Esta exposición se sitúa en el interior mismo de su taller creativo, cuyas fronteras difusas y realidades desordenadas recuerdan a un caótico y laberíntico bazar.

Con motivo de la muestra, el CBA ha producido una pieza audiovisual, Arroyo. Exposición individual, de 24 horas de duración, que se proyectará en el Cine Estudio. Se trata de un largo diálogo entre Eduardo Arroyo y Alberto Anaut en el que el artista repasa su vida, expone sus ideas y analiza los conflictos que ha vivido.

Hasta el 20 de mayo.
Horario: de martes a sábados de 11:00 > 14:00 y de 17:00 > 21:00 domingos y festivos de 11:00 > 14:00 lunes cerrado

Más información en el blog del CBA: http://www.circulobellasartes.com/blog/?p=1443

Madrid-Barajas acoge la exposición ‘Laugh me’, con obras de Pablo Puyol.

El Aeropuerto de Madrid-Barajas continúa fomentando la presencia del arte en sus instalaciones con la inauguración de una nueva exposición que presenta al público obras del artista madrileño Pablo Puyol Cuesta.

El Aeropuerto de Madrid-Barajas sigue siendo un lugar clave para el turismo, os dejo un artículo recientemente publicado sobre vuelos baratos, con los resultados de un Estudio sobre las 50 aerolíneas más baratas del mundo.

Volviendo a la exposición, en esta ocasión, la muestra elegida para ser expuesta en el Aeropuerto recoge, bajo el título de ‘Laugh me’, una colección de retratos creada por el artista durante su estancia en Berlín, que se expone por primera vez al público.

Las pinturas, realizadas con pintura acrílica sobre planchas de aluminio o acero inoxidable, recogen primeros planos del rostro de amigos del artista con un estilo y paleta decolores que recuerdan, en cierto modo, al arte pop. La exposición, formada por un total de 20 obras, se completa con una serie de paisajes en gran formato.

La muestra, situada en el pasillo que da acceso a la Terminal T2 del Aeropuerto desde el Metro y el Parking P2, podrá ser disfrutada por pasajeros y visitantes hasta el 31 de marzo.

ARCO, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid.

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid, es una de las grandes citas del mercado del arte de todo el mundo. Coleccionistas nacionales e internacionales han acudido a la Feria, donde se presentan una amplia selección de obras, tanto en cotizaciones como en técnicas, épocas y autores. La 31ª edición de ARCOmadrid se celebra en un momento en el que el mercado del arte está recuperando la confianza y el sector está experimentando crecimiento, como lo demuestran los resultados de las más recientes subastas y estudios.

ARCOmadrid presenta desde obras maestras de los autores más cotizados del siglo XX y XXI, hasta piezas de creadores emergentes, fotografía y obra gráfica, accesible para aquellos que quieran comenzar sus colecciones de arte contemporáneo. Una amplísima oferta que abarca las más diversas tendencias y técnicas, desde las más clásicas hasta las más innovadoras, de la mano de cerca de 3.000 artistas que presentarán las 215 galerías participantes.

Entre las piezas de mayor cotización que estarán presentes en ARCOmadrid se encuentran también varias obras del pintor catalán recientemente fallecido Antoni Tàpies. Además de las piezas de Antoni Tàpies que estarán expuestas en las galerías participantes, ARCOmadrid rendirá un homenaje al pintor a través de un gran muro de mensajes situado en el Pabellón 10. Galeristas, expertos, artistas y visitantes son invitados por la organización del certamen a dejar sus mensajes que serán entregados a la familia del artista al finalizar la Feria. El homenaje se completará con la proyección de un vídeo de RTVE sobre Antoni Tàpies.