Exposición de Paul Thek en el Reina Sofia.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acoge la retrospectiva más completa dedicada a Paul Thek, nacido en 1933 en Nueva York, ciudad donde fallece a causa del SIDA a la edad de 54 años. Esta exposición cuenta con una selección de más de 300 obras, en su mayoría pertenecientes a colecciones privadas, entre las que se incluye pintura, fotografía y objetos de las obras colectivas que el artista realizó para diversas instituciones europeas. El trabajo de Thek se encuentra entre las fuentes centrales de la revolución artística de los sesenta y tuvo una gran influencia tanto en creadores coetáneos como en los de generaciones sucesivas.

La obra de este neoyorquino parte de realidades confrontadas: mientras que la religión católica marca su obra, Thek confiesa abiertamente su homosexualidad, al mismo tiempo que se muestra obsesionado por el deseo de casarse y tener un hijo.

La pintura es una constante a lo largo de la carrera de Paul Thek. En ella se cuestiona con humor y libertad las convenciones y caprichos del mundo del arte institucionalizado. Son numerosos los ejemplos de obras pictóricas expuestos que pertenecen a distintas etapas de la carrera de Thek, junto a esculturas de bronce y objetos del artista.

Entre las obras expuestas destacan sus conocidos Technological Reliquaries (Relicarios Tecnológicos), inspirados en su visita a las catacumbas capuchinas de Palermo y creados en Nueva York entre 1964 y 1967. Estas obras representan trozos del cuerpo humano creados con gran realismo en cera a modo de relicarios de la era tecnológica, en contraposición al minimalismo generalizado en el Nueva York del momento.

A lo largo de su carrera Thek realiza numerosas obras colectivas con el grupo de artistas Co-op para importantes instituciones europeas. Algunas de estas obras, realizadas a modo de instalación, han podido conservarse y exponerse junto a las fotografías de otras instalaciones que no han llegado hasta nuestros días.

Esta exposición ha sido organizada por ZKM, Museum für Neue Kunst Karlsruhe y Sammlung Falckenberg Hamburg, en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Fecha: 6 febrero – 20 abril de 2009
Lugar: Edificio Sabatini, Sala A1
Horario: Lunes a sábado: 10 a 21h / Domingos: 10 a 14.30h / Martes cerrado

Caixaforum descubre a Vlaminck, con una importante exposición.

Maurice de Vlaminck formó parte junto con Matisse y Derain de los pintores conocidos como fovistas (fieras), pero a diferencia de estos es poco conocido en España, donde ahora se le dedica una primera exposición que reúne en CaixaForum ochenta obras. Seguir leyendo el arículo.
Considerado como uno de los más radicales de su generación por su uso estridente del color y su distorsión de las formas, Vlaminck (1876-1958) fue uno de los artistas clave para entender la renovación de la pintura europea de vanguardia de principios del siglo XX.

"Maurice de Vlaminck, un instinto fauve. Pinturas de 1900 a 1915", que abrirá sus puertas el próximo día 11, es la primera exposición que se dedica a este artista en España, donde llega después de su exhibición el pasado año en el Museo de Luxemburgo, en París, con motivo del cincuenta aniversario de la muerte del pintor.

Artista que a lo largo de su trayectoria no dejo de experimentar, la exposición incide en su periodo vanguardista, entre 1900 y hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial, con ejemplos de un primer periodo influenciado por el postimpresionismo hasta la iniciación del fovismo y su posterior alejamiento tras conocer a Cézanne.

Vlaminck, que compartió con André Derain estudio en Chatou donde les visitaba Matisse, fue un revolucionario autodidacta, icono del fauvismo, que contribuyó con su obra a la renovación de la pintura dentro de la vanguardia europea de principios del siglo XX.

Las obras reunidas, procedentes de dieciocho museos y colecciones de diez países, muestran paisajes llenos de color desbordante y tonos muy vivos realizados en el valle del Sena, naturalezas muertas y retratos así como un conjunto de cerámicas que pintó a partir de 1906.
La muestra incluye también una selección de esculturas africanas y oceánicas coleccionadas por Vlaminck y que fueron fuente de inspiración para los fovistas.

Del 11/03/2009 al 07/06/2009

EXPOSICIÓN EN FNAC PLAZA NORTE, FUEYE, DIBUJOS DE JORGE GONZALEZ

FUEYE, DIBUJOS DE JORGE GONZALEZ

EXPOSICIÓN EN FNAC PLAZA NORTE. DEL 3 DE MARZO AL 30 DE ABRIL

Obra ganadora del I Premio Internacional de Novela Gráfica, convocado por Fnac y Ediciones Sins-Entido

1916. Un barco zarpa desde Italia y navega durante 35 días. En su interior cientos de italianos llegarán a Buenos Aires. Aquí comienza la historia de Antonino Dufour y de su hijo Horacio de 8 años.

Fueye cuenta la inmigración europea a Argentina y todo el proceso social, político y cultural que ésta produjo en el país, repasando de esta manera la historia de Argentina desde los años 20 hasta los años 60.

El tango, la prostitución, la mafia, el higienismo político y los problemas socio-políticos de los habitantes son los temas principales que aborda Jorge González en esta novela gráfica.

Con motivo de su publicación, la Fnac presenta esta exposición de los dibujos y bocetos de Fueye, un recorrido por el proceso creativo del proyecto ganador del Primer Premio Internacional de Novela Gráfica, creado por Fnac y Ediciones Sins Entido.
Acceso a Fnac Plaza Norte:

- En coche por la A-1, salidas 17 y 19 (en sentido Burgos) y salida 17 en sentido Madrid.
- En transporte público: autobús interurbano 156, con salida en Plaza Castilla cada 30 mins. y línea 10 de Metro (parada Reyes Católicos).
- Parking exterior entre Centro Comercial Plaza Norte y Carrefour.
- Parking interior del Centro Comercial Plaza Norte (zona verde).

Exposición Taller Missoni, el Arte del Tejido en Movimiento”

“Las Experiencias del Color, desde las Abstracciones hasta el Design”Del 20 de febrero al 1 de abril.

MADRID se ha llenado de COLOR gracias a la exposición “Taller Missoni, el Arte del Tejido en Movimiento” que se celebra simultáneamente en el Istituto Italiano di Cultura, el Museo del Traje y el Istituto Europeo di Design.

En esta muestra diseñada por el comisario Luca Missoni, se podrán contemplar proyecciones, tejidos que envuelven algunos elementos arquitectónicos e instalaciones. De este modo, el espectador se verá envuelto en la experiencia de una realidad creativa y artística que abarca otras áreas como el interiorismo y el diseño de producto.
La marca Missoni nace en 1953 de la pasión de Ottavio y Rosita Missoni por los materiales y por el color; al fusionar investigación artística y tecnológica crean una nueva manera de interpretar el vestuario. Hoy en día se conoce a Missoni como uno de los protagonistas más valorados del mundo de la Moda y del Design.

MESA REDONDA IED Madrid “El Universo Missoni: Multiculturalidad y Vanguardia”Día 19 de febrero 20h. Palacio de Altamira C/ Flor Alta nº8Entrada libre hasta completar aforo. http://www.iedmadrid.com/

EXPOSICIÓN MISSONI IED Madrid“Las Experiencias del Color, desde las Abstracciones hasta el Design”

Del 20 de febrero al 1 de abril.

Palacio de Altamira C/ Flor Alta nº8

Horario de: Lunes a viernes de 10 a 22h

ENTRADA LIBRE

http://www.iedmadrid.com/

El Aeropuerto de Madrid - Barajas expone obras de Elisa Merino.

El Aeropuerto de Madrid - Barajas continúa fomentando la presencia del arte en sus instalaciones con la inauguración de una nueva exposición que presenta al público obras de la artista salmantina Elisa Merino.En esta ocasión la muestra elegida para ser expuesta en el Aeropuerto recoge, bajo el título de “Tocando cielo”, una colección de pinturas y esculturas de Elisa Merino, en los que la artista rinde un homenaje a los distintos grupos étnicos y razas minoritarias del planeta como reflejo de su tierra y sus costumbres, en contraposición al fenómeno de la globalización.Con esta orientación, la artista reúne un conjunto de pinturas pertenecientes a las series “Cartografías del silencio” y “Abrazados” realizadas con distintas técnicas mixtas. La exposición recoge también un conjunto de esculturas realizadas con distintos materiales.La exposición, situada en el pasillo que da acceso al Terminal T-2 del Aeropuerto desde el Metro y el Parking P-2, podrá ser disfrutada por pasajeros y visitantes hasta el próximo 31 de marzo.Esta muestra supone un nuevo paso del Aeropuerto de Madrid - Barajas como escaparate artístico, no sólo con obras de exhibición permanente pertenecientes a la Fundación Aena, sino también con exposiciones temporales en las que han participado hasta el momento más de ochenta artistas con obras pertenecientes a las más variadas técnicas artísticas, como la pintura, la escultura, la fotografía, el grabado, la ilustración o el diseño gráfico, entre otros.Con estas exposiciones, los autores quieren dar a conocer sus obras en un espacio diferente e innovador, como es el Aeropuerto, fuera de los foros habituales para la exposición de obras de arte.

La galería de arte Guillermo de Osma de Madrid muestra obras originales de Tàpies incluidas en su etapa surrealista

Se trata de quince obras originales de Tàpies, no incluidas en su obra gráfica, cuyo valor económico oscila entre los 45.000 y los 550.000 euros, según indicaron a Efe fuentes de la galería.

Entre las piezas más importantes de la exposición, que se inaugura esta tarde, se incluye la obra "Fragmento ocre sobre marrón y negro", elaborada con una técnica mixta sobre lienzo, fechada en 1958 y cuya procedencia hay que buscarla en las galerías Stadler de París y Marlborough de Nueva York.

Además, esta exposición comercial incluye, entre otras, la pintura "Señora", de acuarela y tinta sobre papel, que data de 1950 y procede de la galería Biosca, de Madrid; el óleo sobre lienzo "La hora del pastor" (1952) procedente de una colección particular de Barcelona; o "Pequeño óvalo blanco", técnica mixta sobre lienzo (1958).

Muchas de las piezas incluidas en la muestra pertenecen a los años 50, en los que Antoni Tàpies se interesa por el surrealismo como forma de rechazo del arte conservador franquista, dentro del movimiento Dau al Set- aunque posteriormente se desmarca del grupo y apuesta por el arte abstracto.

"Beige", "Todo Rojo", "Blanco sobre gris oscuro II" o "Marró amartellat" son otras obras incluidas en la exposición en las que el artista utiliza la técnica mixta sobre lienzo, al igual que sus pinturas y collage "Gran cartón vertical gris y blanco", "Amorfo y línea diagonal", "Serpellerie", "Petit díptic negre i roig" o "Gris i Roig", posteriores y que van desde los ochenta hasta el año 2000.

Galería de arte Guillermo de Osma, de Madrid.

FUENTE: AGENCIA EFE

El Instituto Cervantes repasa los experimentos poéticos del siglo

El Instituto Cervantes ha inaugurado, en Madrid, la exposición Escrituras en libertad. Poesía experimental española e hispanoamericana del siglo XX, organizada por el Instituto Cervantes y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC, adscrita al Ministerio de Cultura), que acerca por primera vez al público las poéticas experimentales que se han generado durante el último siglo en España e Hispanoamérica. Los artistas de la también llamada poesía visual; exploran en el carácter plástico de la palabra y buscan crear una literatura en la que la palabra y la imagen se conjuguen para consolidar nuevas y sorprendentes realidades.

La muestra, que permanecerá abierta al público hasta el 24 de mayo en la sede central del Cervantes (calle de Alcalá, 49, Madrid), es la mayor organizada sobre la poesía experimental creada por autores hispanohablantes.

Gou Jin y Gou Wei, dos modos de entender el arte en la China de hoy.

Gou Jin y Gou Wei son hermanos y, desde los 90, dos artistas consagrados y representantes de dos modos de hacer en el arte chino de hoy, uno de ellos trabajando sobre la memoria y el tiempo, y el otro, sobre el gran teatro de la sociedad. Juntos exponen hasta el 16 de mayo en la muestra "In Artistic Duel".

Una muestra, que se exhibe en la Galería Dolores de Sierra, hecha a base de retratos de muy distinto signo, según pertenezcan a uno o a otro. Gou Jin está interesado en el pasado, en la memoria, pues, como él mismo dice a Efe: "El pasado siempre es bello, haya sido bueno o malo, la nostalgia lo envuelve en una pátina de belleza".

Los suyos son retratos de niños y jóvenes a los que aplica una técnica a base de pinceladas que le dan una textura que pretende reflejar ese paso del tiempo.
El resultado son unos retratos cargados de poesía, líricos, dominados por la serenidad y con una gama cromática armoniosa.

Por contra, a Gou Wei no le interesa la tradición, sino el presente para cuestionarse "el teatro de la sociedad de hoy", comenta el artista, quien en su serie, donde ha seguido el desarrollo de su propia hija, actualmente muestra la agresividad y la impostura de los adolescentes chinos.
Sus retratos son más agitados, pues intenta, explica, "encerrar en la obra las inquietudes, los miedos y las angustias que influyen en el quehacer cotidiano de esa persona".

Jin, nacido en 1964 y Wei, en 1960, se dieron a conocer a principios de los 90, coincidiendo con el estallido de la pintura china en los mercados occidentales.

Ambos recuerdan cómo antes de 1980 China era un país cerrado completamente al exterior cuyos artistas se centraban en "obras de denuncia contra el Régimen".

Pero, con la apertura, China se vio inundada por un aluvión de información procedente de todo el mundo y así surgió un movimiento artístico que hoy es uno de los más pujantes en todo el mundo.

Fundación Telefónica presenta la exposición "Weegee´S New York"

Fundación Telefónica, dentro de su estrategia de difundir y dar a conocer la obra de los grandes fotógrafos, presenta la exposición "Weegee’s New York", la más extensa celebrada en España hasta el momento de esta singular figura de la fotografía del siglo XX.

Fundación Telefónica, dentro de su estrategia de difundir y dar a conocer la obra de los grandes fotógrafos, presenta la exposición “Weegee’s New York”, la más extensa celebrada en España hasta el momento de esta singular figura de la fotografía del siglo XX.

Arthur Fellig, más conocido como Weegee, es el arquetipo del fotógrafo de prensa del siglo pasado. El Nueva York de Weegee representa una oportunidad excepcional para aproximarse a las imágenes cotidianas de la metrópoli americana durante la década de los años 30 y 40. Es el cronista nocturno de la ciudad.

El mundo de Weegee es el fotoperiodismo. No hubo un suceso neoyorquino en el que no estuviera presente: asesinatos, luchas entre bandas, espectáculos, incendios, accidentes….. Pero también refleja en su obra la cruda vida cotidiana de la metrópolis con su trasfondo social.

Son años frenéticos de noches sin dormir, de horas de espera en su coche, en la calle o en sórdidos lugares, siempre preparado para captar todos los dramas inimaginables y publicar en la prensa las fotografías más impactantes.

La exposición cuenta con 270 imágenes de Nueva York pertenecientes a la colección privada de los suizos Michel y Michèle Auer. Son imágenes directas, expresivas, que demuestran una habilidad inusual para capturar los momentos más dramáticos, consiguiendo hacer de sus fotos en blanco y negro un medio de expresión creativo.

Arthur Fellig (Zloczew, 1899-Nueva York 1968) emigró en 1910 a Estados Unidos con su familia donde comenzó su carrera como fotoperiodista. En 1917 consiguió trabajo en un estudio de fotografía y pronto se convirtió en asistente de fotógrafo. En 1921 trabajó en el cuarto oscuro del New York Times y Wide World Photos aunque pronto prefirió pasarse a Acme Newspictures, la agencia que proveía de imágenes a los tres periódicos de Nueva York: Daily News, World Telegramm y Herald Tribune.

Frustrado por el hecho de que su firma no aparecía en las fotografías, se convirtió en freelance en 1935 y demostró tener gran éxito publicando sus fotos en revistas como Live y Popular Photography.

Pronto fue muy conocido por ser siempre el primero que llegaba a la escena de un crimen, un incendio, un arresto o un rescate, ya que consiguió ser el único fotógrafo al que le permitieron instalar una radio en su coche para recibir las transmisiones de la policía y bomberos. En 1945 publicó su libro Naked City (Ciudad desnuda) donde reflejó sus años de trabajo.
Sus fotografías han sido expuestas de forma individual en Nueva York, París, Londres y Moscú entre otras ciudades, y también en exposiciones colectivas ha llegado hasta el Guggengheim de Nueva York, la National Gallery of Art de Washington o el museo Van Gogh en Ámsterdam.
FICHA TÉCNICA

Exposición "Weegee’s New

York"http://www.fundacion.telefonica.com/arteytecnologia/exposiciones/weegee.htm
FechasDel 5 de marzo al 17 de mayo de 2009
Lugar

Salas de exposiciones Fundación Telefónica Gran Vía 28. 3ª planta (entrada por C/ Valverde, 2)

28013 MADRID
Número de obras: 270 fotografías

El Prado pone en marcha su otra ampliación: la reorganización de su colección.

La recuperación de veinticinco salas que suponen un veinticinco por ciento más de espacio en el edificio de Villanueva, en el que se exhibirán quinientas obras más de la colección del Prado, y en las condiciones más idóneas, son algunos de los datos de la reordenación museográfica puesta en marcha en el museo.

Velázquez, que estará presente también en la Galería Central, seguirá siendo el corazón del edificio, y las emblemáticas pinturas de "El 2 de mayo de 1808 en Madrid; la lucha contra los mamelucos" y "El 3 de mayo en Madrid; los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío" de Goya bajarán a la planta baja, en la que se mostrará la colección de pintura española del XIX.

La reordenación se realizará en fases y hasta dentro de cuatro años el visitante no podrá contemplar finalizado el proyecto diseñado por los responsables del Prado con el objetivo de llevar a cabo un despliegue amplio y cronológicamente completo de la colección.

Gabriele Finaldi, director adjunto del museo, explicó los puntos más importantes de esta "otra ampliación del Prado" que permitirá "un recorrido más lógico, agrupando a las diferentes escuelas", aunque una buena parte de la colección permanecerá donde se encuentra actualmente.

El nuevo recorrido se plantea en forma de bucle y da sentido a la secuencia de las distintas colecciones, según Finaldi, quien destacó la importancia de recuperar salas para presentar más y mejor las obras, como ocurre con la pintura española medieval "castigada los últimos años por los pocos espacios de que disponía".

La galería central del edificio de Villanueva es uno de los espacios más bellos del museo. Originariamente todo se exponía en esta galería en la que se mostraban 465 obras, mientras que en la actualidad se pueden contemplar 60 pinturas.

En este espacio se llevará a cabo "una de las novedades más atractivas" del proyecto, según Finaldi, destinándose sus paredes a obras de gran formato.

La primera parte mostrará obras de las colecciones venecianas, con grandes pinturas de Tiziano, Veronés y Tintoretto, y en relación con ellos, una de las salas que salen a la galería albergará obras del Greco.

Avanzando por la Galería se llega al espacio que da entrada a la Sala de las Meninas, que dejará de ser Sala 12 para convertirse en Sala 50. A este espacio de la Galería Central saldrán algunas obras de Velázquez todavía por determinar.

A continuación, en la segunda parte de la galería, se mostrarán grandes obras de Van Dyck y Rubens, maestro holandés que estará presente también en los espacios recuperados de la zona norte de la segunda planta, con pinturas de la Torre de la Parada.

La presencia de Goya en el Prado se ampliará a tres plantas, mostrándose en la segunda el Goya más joven, con la exhibición de sus cartones para tapices.

En la primera planta se producirá uno de los cambios más importantes de esta reordenación. Las emblemáticas obras sobre el 2 y el 3 de mayo abandonarán su sala, que será ocupada por retratos de los primeros borbones, para bajar a la planta baja e integrarse en los espacios destinados a obras de Goya del XIX, entre las que se encuentran las pinturas negras y El Coloso, que no cambiará de ubicación.

El recorrido por el que será el futuro museo del Prado finaliza en las salas destinadas a la colección española del XIX, en las que se mostrarán, a partir del próximo otoño, unas 120 pinturas y 20 esculturas. Una de estas salas, informó José Luis Díez, jefe de conservación de pintura del XIX, se destinará a exposiciones temporales de la propia colección.

Entre los espacios que se recuperan para exposición están las tres salas que albergaban anteriormente el gabinete de documentación técnica, así como las salas que estaban destinadas a restauración, en las que se mostrarán medio centenar de obras pertenecientes a la colección italiana de los siglos XV y XVI.