El artista valenciano Manolo Valdés expondrá hasta el 22 de noviembre, 17 esculturas que representan a 'Las Meninas' dentro de la exposición 'Arte en la Calle' del CaixaFórum, informó el centro cultural.
El objetivo es impresionar a los viandantes con la majestuosidad de estas figuras, que representan a mujeres tan importantes en la historia como 'La dama de Elche', 'La reina Mariana' o 'La infanta Margarita', inmortalizadas por Velázquez, o 'La gran Odalisca' de Ingres.
El resultado se convierte en iconos de la belleza, la emoción y el valor de las creaciones del espíritu humano más allá del tiempo. Y es que Valdés, uno de los principales artistas españoles del panorama internacional actual, ha buceado en la historia del arte para recrear algunos de sus temas libremente y en tres dimensiones.
El programa 'Arte en la calle', una línea de exposiciones iniciada por la Obra Social La Caixa con el objetivo de aproximar las creaciones de los artistas contemporáneos al público que no tiene por costumbre visitar museos y galerías de arte, inició su andadura en 2006 con los bronces gigantes del artista Igor Mitoraj, y cuenta en estos momentos con dos exposiciones más en curso.
El programa también incluye la exposición 'Rodin en la calle' que, tras exhibirse en Sevilla, Bilbao o Madrid, se podrá ver próximamente en Barcelona y Valencia.
lunes, 26 de octubre de 2009
LA DANZA DE LOS COLORES. EN TORNO A NIJINSKY Y LA ABSTRACCIÓN.
FUNDACION MAPFRE, en colaboración con la Kunsthalle de Hamburgo, presenta La danza de los colores. En torno a Nijinsky y la abstracción. Se presenta un conjunto prácticamente desconocido de dibujos de Vaslav Nijinsky (1889-1950) en el contexto de la modernidad visual de su tiempo, participando de este modo en los actos que en todo el mundo conmemoran el centenario de la primera actuación de los Ballets Rusos en París.
Hace un siglo, el 19 de mayo de 1909, comenzó en París la campaña triunfal por Europa de la compañía de danza Ballets Rusos, dirigida por el empresario Sergéi Diaghilev. Nijinsky era el bailarín solista masculino más sobresaliente y la estrella de la compañía, y se convirtió, para la intelectualidad de la época, en una figura de culto. Muchos artistas destacados de su época, como Léon Bakst, Jean Cocteau o Georg Kolbe, hicieron del bailarín protagonista de sus creaciones.
Al igual que Nijinsky, los pintores Sonia Delaunay-Terk, Alexandra Exter, Vladímir Baranov-Rossiné y František Kupka (formados en Odessa, San Petersburgo, Moscú y Praga) habían ido a París para hacer realidad sus ambiciones artísticas en la metrópoli más vanguardista de Occidente. Todos ellos compartían el interés por representar el movimiento del ser humano en el espacio. Para ello dirigieron su atención sobre todo a la dinámica, el ritmo y la vitalidad de la danza.
Sus pinturas muestran formas circulares giratorias, arcos, espirales y curvas de oscilación melódica. Las superficies de los cuadros están estructuradas por patrones dispuestos rítmicamente, y muchas de las obras se despliegan en secuencias de imágenes yuxtapuestas. Inspiradas por la música, reivindican absolutamente los colores puros, liberados de su función de representación. Partiendo de la figura humana, de la danza y del radio de movimiento del cuerpo y sus extremidades, cada uno de los artistas de la exposición llegó a la abstracción por un camino propio. Los principios fundamentales de la configuración de sus pinturas presentan profundas coincidencias formales con las coreografías modernas que Vaslav Nijinsky representó por primera vez en 1912.
La exposición comprende un total de 64 obras (pinturas, dibujos y una escultura), de entre ellas 21 dibujos de Nijinsky, en gran parte procedentes de la Fundación John Neumeier, y otras tantas obras del resto de artistas, procedentes de importantes museos y colecciones particulares de Praga, París, Hamburgo, Zúrich, Londres, Moscú, Lisboa y Nueva York. El catálogo de la exposición incluye reproducciones en color de todas las obras y nuevos artículos de investigación de renombrados especialistas.
Del 7 de octubre al 20 de diciembre de 2009.
FUNDACIÓN MAPFRE. Instituto de Cultura.
Paseo de Recoletos nº 23. Planta -1.
domingo, 25 de octubre de 2009
Exposición en el Reina Sofia: Rodchenko y Popova. Definiendo el constructivismo.
La exposición, una de las más importantes de la temporada, recoge la obra de dos figuras clave de la formación estilística y teórica del Constructivismo Ruso: Liubov Popova (1889 -1924) y Alekxander Rodchenko (1891 – 1956). Organizada por la Tate Modern de Londres en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la muestra, que ha sido comisariada por Margarita Tupitsyn, supone un completo repaso a este movimiento artístico que cambió la cara del arte ruso.
La amplia muestra, la más completa que hasta ahora se les ha dedicado en España, recoge aproximadamente 350 trabajos, realizados entre 1917 y 1929 por ambos artistas: pinturas, carteles de cine y teatro, dibujos de diseño de trajes, de muebles, libros, fotografías y esculturas. Como complemento se proyectarán algunas películas de la época que guardan relación con los artistas y se podrán ver otros trabajos de creadores coetáneos.
Una característica a destacar de la exposición, es la equiparación de los sexos (en consonancia con los ideales de la Revolución Rusa); a Popova se le ha otorgado el mismo espacio e importancia que a Rochednko y en términos de calidad e innovación en el trabajo, no hay diferencia entre los dos artistas.
La exposición arranca en 1917, año de la Revolución de Octubre, cuando Popova y Rodchenko empezaron a aplicar al diseño sus experimentos anteriores sobre abstracción geométrica. Con la convicción de que el lenguaje abstracto tenía el potencial de alterar la vida cotidiana, ambos artistas transformaron la pintura en un campo de pruebas de formas abstractas capaces de influir en las primeras teorías de la arquitectura constructivista y las nuevas ciudades socialistas.
En el arranque de la exposición, se muestran los primeros trabajos realizados por los artistas: una extraordinaria colección de lienzos y obra gráfica producidos entre 1917 y 1921 que reflejan la aplicación inmediata de su vocabulario abstracto, todavía muy influido por la arquitectura.
Siguiendo el recorrido expositivo, encontramos una sala dedicada a uno de los grandes pioneros del arte abstracto, Wassily Kandisky, influencia evidente en los primeros momentos del Constructivismo ruso y figura clave para los dos protagonistas de la muestra.
Más adelante, y después de pasar una sala dedicada a escultura, se presenta parte de la exposición titulada “5x5 = 25” que Rodchenko y Popova realizaron en Moscú en 1921 junto a Varvara Stepanova, Aleksandr Vesnin y Aleksandra Exter, donde renunciaban a la pintura. A partir de este momento, nos encontramos con la transición desde la pintura a otros medios como el diseño gráfico o la moda. Por lo tanto, los dos artistas promovieron una práctica multi-media que incluyó desde diseño para cine y teatro, hasta el diseño de pósters, libros, ropa, textiles, y muebles. En este sentido encontramos, por ejemplo, diseños para portadas de libros de escritores como Trotsky o Mayakovsky.
La exposición aúna también las contribuciones originales de ambos artistas en estos medios, enfatizando en su dedicación al trabajo en colaboración y su implicación con las industrias locales. La muestra de las obras utilitarias de Rodchenko y Popova pondrá de manifiesto el grado en el que ambos artistas influyeron en la moda, los medios audiovisuales, el teatro y el cine del siglo XX.
La temprana muerte de Popova, en 1924 no le permitió entrar en la siguiente fase del Constructivismo. A partir de este momento Rodchenko se dedicaría exclusivamente a la fotografía y el cine. La exposición, recoge, cómo éste empleaba la cámara para reflejar de forma efectiva la nueva arquitectura Soviética, y para identificar, por medio de enérgicos retratos, a las figuras claves del movimiento Constructivista. Por último, se proyectará la película Moscú en Octubre, 1927 de Boris Barnet donde Rodchenko participó como director de arte y diseñó los títulos de crédito del film.
Fecha: 21 de Octubre de 2009 - 11 de Enero de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Sala 103
viernes, 23 de octubre de 2009
La capital celebrará su I Semana Gótica desde mañana hasta el 1 de noviembre en la Plaza Felipe II.
La capital celebrará su I Semana Gótica de Madrid entre mañana, 24 de octubre, y el 1 de noviembre en la Plaza Felipe II, un evento cultural, académico y multidisciplinar para conocer autores góticos clásicos y actuales, ver la obra de artistas plásticos, disfrutar de cortometrajes, conferencias de expertos sobre cine y literatura, conciertos y talleres, todo ello enmarcado en el estilo 'siniestro'.Besarilia, asociación cultural sin fines de lucro de manera conjunta con la agencia de comunicaciones TwentyfourSeven han elaborado el programa del evento, que se puede consultar en la web www.semanagoticademadrid.com Contará con escritores, conferenciantes, artistas audiovisuales, músicos, compañías de teatro y artistas del cómic.
Según informó la organización, desde el primer momento la Semana Gótica de Madrid fue concebida como un evento académico y multidisciplinar, una ocasión para conocer autores góticos clásicos y actuales, ver la obra de artistas plásticos, disfrutar de cortometrajes, conferencias de expertos sobre cine y literatura, todo ello enmarcado en el estilo gótico. "Y por supuesto conocer la perspectiva de los estudiosos de los movimientos góticos urbanos en la actualidad", señalaron.
Asimismo, la I Semana Gótica, que se celebrará aprovechando las fiestas de Halloween y Todos los Santos, pretende posibilitar que los escritores se conozcan, debatan, y sepan por qué derroteros marcha la literatura gótica actual en los países de origen de los mismos. En este sentido, será un punto de encuentro para el contacto no sólo entre escritores sino con los libreros especializados y una oportunidad para editores independientes de vender una parte significativa de su producción.
Los organizadores pretenden, igualmente, favorecer la divulgación de los trabajos de artistas plásticos góticos de culto en disciplinas como la fotografía, el cómic y la pintura, divulgar los trabajos escénicos de compañías de teatro que actualmente presentan obras de ese estilo, acercarse a la música de los períodos romántico y gótico y conocer en profundidad el movimiento gótico actual y sus fuentes de inspiración en la literatura y el cine.
Por otro lado, en el contexto de la I Semana Gótica de Madrid se ha convocado el I Premio Avadoro de novela gótica. Podrán participar en el premio todos los autores que lo deseen, sin importar su nacionalidad, siempre que la naturaleza de la obra que presente se ajuste al común concepto de novela, se haya escrito originariamente en español y pertenezca al género gótico, entendiendo por tal no sólo el canon de autores clásicos, sino también cualquier nueva formulación o innovación que sobre este canon se pueda llevar a cabo.
“Si me descuido, no vienes”: Una expo-acción realizada por Javi Larrauri y Chevi Muraday.
Javi Larrauri y Chevi Muraday crearon el concepto de expo-acción con la idea de aglutinar danza y arte en un único formato, intentando en cada ocasión intervenir el espacio utilizado ofreciendo su propia visión de él.En el primer encuentro entre estos dos artistas, ocuparon un antiguo prostíbulo de la madrileña calle Ballesta.
En los distintos espacios de este burdel, el público se podía encontrar con instalaciones, obras de arte y solos interpretados por bailarines, creados expresamente para la ocasión.Estos dos artistas madrileños con inquietudes similares buscan espacios no convencionales para seguir desarrollando su obra en conjunto retroalimentándose mutuamente.
En esta ocasión Javi Larrauri y Chevi Muraday crean un recorrido donde el espectador podrá ir transitando por diferentes formas de expresión que ellos han ido adquiriendo a lo largo de sus carreras. Los textos y obra pictórica de Javi Larrauri acompañan al movimiento de Chevi Muraday jugando y ensamblándose para que el espectador pueda adquirir una clara visión del trabajo de estos dos artistas madrileños.
El agua estará en todo momento presente durante la expo-acción con la idea de desatascar conciencias y abrir mentes.
Estas expo-acciones abren una vía en esta ciudad tan necesitada de encuentros entre creadores y espacios abiertos a la investigación.
Fundación Canal.
C/ Mateo Inurria, 2
29 octubre 2009
21 horas
Entrada gratuita.
Exposición: "CASA TOMADA" en Galería Columpio
En 'Casa Tomada', Theo Firmo (Brasil, 1983) presenta una serie de dibujos y un vídeo que dan continuidad a su investigación acerca del retrato y los espacios familiares que pertenecen a la memoria colectiva. Imágenes que se materializan en líneas sobre papel milimetrado que es una de las señas de identidad de ese artista brasileño y que ahora presenta su primera exposición individual en la galería Columpio, en la que en 2007 mostró sus dibujos en una colectiva.
Galería Columpio
Torrecilla del Leal 7
28012 Madrid - España
Tel: +34 91528 02 39
HORARIO
Lunes a viernes: 17.30 - 21.00 h. y sábado: 12.00 - 14.30 y 17.30 - 21.00 h.
jueves, 22 de octubre de 2009
Una exposición en Nuevos Ministerios recorre los 90 años de Metro.
Una exposición en Nuevos Ministerios recorre los 90 años de Metro a través de sus escrituras, insignias y billetes.
Metro de Madrid ha organizado una exposición en la estación de Nuevos Ministerios para conmemorar sus 90 años de vida y para ello ha reunido sus reliquias más destacadas como las escrituras de la fundación de la compañía, los diseños de los billetes a lo largo de estas décadas o las distintas insignias que ha tenido el metropolitano.
En la muestra puede verse desde los primeros uniformes utilizados por los trabajadores del Metropolitano, pasando por la evolución de los planos hasta las placas, semáforos y timbres del suburbano.
También hay muestras de las primeras máquinas expendedoras, así como maquetas y fotografías de la historia del suburbano que, desde su primer día de servicio, el 17 de octubre de 1919, con 600.000 habitantes en Madrid, ha evolucionado al compás de la sociedad madrileña.
La exposición permanecerá en Nuevos Ministerios durante el fin de semana y después se ubicará en la sala Expometro de Retiro, donde podrá ser visitada desde el 21 de octubre hasta el 9 de noviembre.
Exposición "The Subjecters", de Thomas Hirschhorn en la Casa Encendida.
“The Subjecters”, primera exposición individual del artista Thomas Hirschhorn en Madrid, es un “comentario sobre el mundo en el que vivimos, complejo, caótico, cruel, pero a la vez hermoso y espléndido”, según el propio artista. Se podrán ver instalaciones, esculturas, y vitrinas con maniquíes en su interior.El trabajo de Thomas Hirschhorn (Berna 1957), se caracteriza por ser una reflexión comprometida sobre la realidad contemporánea. Haciendo uso de distintas disciplinas como la escultura, el vídeo o la instalación, Hirschhorn desarrolla un trabajo ligado a la crítica social y política.
A través de la utilización de materiales cotidianos como cinta adhesiva, cartón, hojas de plástico, fotocopias, o, en este caso maniquíes, representa situaciones universales de una manera transgresiva y directa. A través de los maniquíes que nos representan, el artista, nos habla de una “herida universal”, que quiere dar forma a su afirmación “Yo soy responsable de cada herida producida en cualquier parte”.
Además de esta pieza, el artista ha producido dos nuevas obras para el proyecto: “Tool Vitrine” y “Subjecter”, que da título a la exposición. En la vitrina “Tool Vitrine” un maniquí parece amenazarnos con un martillo, aunque también podría estar simplemente cumpliendo su jornada laboral, rodeado de todo tipo de herramientas. Son útiles familiares a los habitantes de zonas industriales como Aubervilliers, donde se encuentra el estudio del artista. En medio de las herramientas, como si de un manual de instrucciones se tratara, aparece la “Ética” de Spinoza, uno de los libros favoritos de Thomas Hirschhorn. En la obra “Subjecter”, un solo maniquí completamente perforado por clavos, aparece fuera de las vitrinas, como una representación fetiche de una figura humana.
En las obras se puede observar que los maniquíes están “conectados” con la sociedad, ya sea a través de los tatuajes sobre la superficie de 4 women, ya sea a través de las revistas que resaltan el cuidado del cuerpo en la vitrina Mono Vitrine (Interview), de los libros de arte sobre Goya que nos recuerdan los desastres de la guerra en Mono-Vitrine (Goya), las herramientas en la pieza Tool Vitrine, o los muñequitos manga en INGROWTH. Se completa la exposición con dos instalaciones situadas en el centro de la sala, Black&White Hemisphere y The One World.
Video de la exposición del Museo Thyssen: "Lágrimas de Eros".
El Museo Thysen-Bornemisza ha escrito la historia del erotismo a través de los grandes mitos que han inspirado a maestros como Rodin, Gauguin, Rousseau, Courbet, Cézanne, Picasso, Rubens, Ernst o Warhol, en la exposición "Lágrimas de Eros".
La pasión erótica, desde todas las miradas y orientaciones sexuales, y la íntima relación entre el sexo y el instinto de muerte se muestran en las 119 obras exhibidas en la doble sede del Thyssen y la Fundación Caja Madrid.
Organizada temáticamente, las obras exhibidas recorren desde el romanticismo hasta el arte contemporáneo pasando por el simbolismo y el surrealismo así como el Renacimiento y el Barroco.
miércoles, 21 de octubre de 2009
Exposición Juan Bautista Maíno en el Museo del Prado.
La exposición Juan Bautista Maíno (1581-1649), que está compuesta por 35 obras del pintor español y otras 31 pinturas de los autores que más influyeron en su formación, entre ellos Velázquez y Caravaggio, permitirá al público contemplar la mayor parte de las obras de este artista, uno de los más importantes de la pintura española de la primera mitad del siglo XVII pero también más desconocidos debido a la tardía y difícil identificación tanto de sus datos biográficos como de sus obras.
Se trata de una ocasión inédita que ofrecerá al visitante la oportunidad de explorar y conocer en profundidad la figura de Juan Bautista Maíno, artista al que hasta ahora no se había dedicado una exposición monográfica. Gracias a los estudios sobre el pintor realizados en los últimos años y al creciente interés que ha despertado, se han ido añadiendo nuevas atribuciones a su escasa producción de unas 40 obras. Siete de estas atribuciones recientes se expondrán como obras del artista por primera vez en la muestra, además de algunas pinturas que hasta la fecha sólo se conocían por reproducción fotográfica y otras que se han exhibido en pocas ocasiones y que en ningún caso habían sido puestas en relación con otras obras del pintor.
También se incluyen en esta exposición algunas composiciones memorables como San Pedro Arrepentido procedente de la Galería Barbié de Barcelona, Magdalena Penitente de una colección particular suiza o Santo Domingo en Soriano, la más divulgada de sus iconografías, del Museo del Ermitage de San Petersburgo.
En cuanto a su importancia, cabe destacar las diez pinturas que conformaron su obra maestra en el convento donde ingresó como dominico en 1613: el Retablo de San Pedro Mártir, en Toledo, proveniente del extinto Museo de la Trinidad y hoy parte de las colecciones del Prado. Los cuatro lienzos de gran tamaño, que constituyen la parte más destacada de ese conjunto, son obras fundamentales de la pintura española del siglo XVII; la Adoración de los Magos y la Adoración de los pastores se sitúan en las cotas más altas de la mejor pintura europea del momento, remitiéndonos directamente a pintores como Savoldo, Caravaggio, Orazio Gentileschi o Guido Reni.
De las Colecciones Reales que ingresaron en el Prado, procede La recuperación de Bahía (1634-35), su obra más emblemática, destinada a decorar el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. La vinculación de Maíno con la corte le llegó gracias a su fama como excelente pintor y a su condición de dominico, y hacia 1620, cuando contaba 42 años, Felipe III lo llamó para que fuera maestro de dibujo del futuro Felipe IV. Por entonces, Maíno trabó amistad con Velázquez, a quién protegió y eligió en un concurso público para pintar el tema de La expulsión de los moriscos (hoy desaparecida) frente a rivales tan reputados como Carducho o Cajés.
De esta época del pintor cercana a Velázquez data el Retrato de caballero (1618-23), adquirido por el Museo del Prado en 1936, uno de los cuatro únicos cuadros firmados por el artista y capital dentro de su producción, en el que se aprecia con claridad los paralelismos con la pintura del sevillano.
Se trata de una ocasión inédita que ofrecerá al visitante la oportunidad de explorar y conocer en profundidad la figura de Juan Bautista Maíno, artista al que hasta ahora no se había dedicado una exposición monográfica. Gracias a los estudios sobre el pintor realizados en los últimos años y al creciente interés que ha despertado, se han ido añadiendo nuevas atribuciones a su escasa producción de unas 40 obras. Siete de estas atribuciones recientes se expondrán como obras del artista por primera vez en la muestra, además de algunas pinturas que hasta la fecha sólo se conocían por reproducción fotográfica y otras que se han exhibido en pocas ocasiones y que en ningún caso habían sido puestas en relación con otras obras del pintor.
También se incluyen en esta exposición algunas composiciones memorables como San Pedro Arrepentido procedente de la Galería Barbié de Barcelona, Magdalena Penitente de una colección particular suiza o Santo Domingo en Soriano, la más divulgada de sus iconografías, del Museo del Ermitage de San Petersburgo.
En cuanto a su importancia, cabe destacar las diez pinturas que conformaron su obra maestra en el convento donde ingresó como dominico en 1613: el Retablo de San Pedro Mártir, en Toledo, proveniente del extinto Museo de la Trinidad y hoy parte de las colecciones del Prado. Los cuatro lienzos de gran tamaño, que constituyen la parte más destacada de ese conjunto, son obras fundamentales de la pintura española del siglo XVII; la Adoración de los Magos y la Adoración de los pastores se sitúan en las cotas más altas de la mejor pintura europea del momento, remitiéndonos directamente a pintores como Savoldo, Caravaggio, Orazio Gentileschi o Guido Reni.
De las Colecciones Reales que ingresaron en el Prado, procede La recuperación de Bahía (1634-35), su obra más emblemática, destinada a decorar el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. La vinculación de Maíno con la corte le llegó gracias a su fama como excelente pintor y a su condición de dominico, y hacia 1620, cuando contaba 42 años, Felipe III lo llamó para que fuera maestro de dibujo del futuro Felipe IV. Por entonces, Maíno trabó amistad con Velázquez, a quién protegió y eligió en un concurso público para pintar el tema de La expulsión de los moriscos (hoy desaparecida) frente a rivales tan reputados como Carducho o Cajés.
De esta época del pintor cercana a Velázquez data el Retrato de caballero (1618-23), adquirido por el Museo del Prado en 1936, uno de los cuatro únicos cuadros firmados por el artista y capital dentro de su producción, en el que se aprecia con claridad los paralelismos con la pintura del sevillano.
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