FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTA LAS GRANDES OBRAS IMPRESIONISTAS DEL MUSÉE D’ORSAY.

El próximo 13 de enero, FUNDACIÓN MAPFRE presentará la exposición Impresionismo. Un nuevo renacimiento. Manet y el entusiasmo por la Modernidad, que recorre la historia del más importante movimiento artístico moderno, a través de las grandes obras del Musée d’Orsay.


FUNDACIÓN MAPFRE acogerá, del 15 de enero al 22 de abril, 90 de las grandes obras maestras de Manet, Monet, Renoir, Sisley, Pisarro o Cézanne, entre otros. Es la primera vez que un conjunto de obras impresionistas de primera importancia se presenta en España. Se trata por tanto de una ocasión única para contemplar, a través de los grandes maestros, una visión global de este movimiento artístico que cambió la percepción de la modernidad.

FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTA EL CURSO “¿QUÉ NOS QUEDA DEL SIGLO XX?”

El Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE va a poner en marcha un nuevo curso de iniciación al Arte Contemporáneo, titulado “¿Qué nos queda del siglo XX?” en el que, bajo la dirección de Pablo Jiménez Burillo, Director General del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE, se analizará la herencia del arte del siglo pasado en las nuevas expresiones artísticas de nuestros días.

El curso, que se celebrará desde el 29 de octubre hasta el 3 de diciembre en el auditorio MAPFRE de la Avenida General Perón, consta de diez conferencias en las que se estudiará lo contemporáneo como expresión que hay que preservar en el futuro, se examinarán los límites del arte y se debatirá sobre la búsqueda de la libertad en la expresión artística del siglo pasado.
En este curso, donde se tratarán fenómenos como la desmaterialización y la escenificación del arte, y se abordarán movimientos como el simbolismo, la abstracción o el impresionismo.

A lo largo de las diez conferencias, participarán personalidades nacionales e internacionales del mundo del arte como Juan Manuel Bonet, escritor y crítico de arte; Francisco Calvo Serraller y Estrella de Diego, Catedráticos de Historia de Arte de la Universidad Complutense de Madrid; Pascal Rousseau, profesor de la Universidad François-Rabelais de Tours; o Werner Spies, antiguo Director del Centro Pompidou de París y crítico de arte.

Los participantes que asistan a este curso de iniciación recibirán un título acreditativo. Además, en todas las conferencias se contará con traducción simultánea al lenguaje de signos para aquellos matriculados que precisen de dicho servicio y lo soliciten al realizar la matrícula,
El curso tiene un coste para todos los alumnos de 60 euros.

Para conocer todo el programa del curso “¿Qué nos queda del siglo XX?” y acceder al formulario de inscripción, pinche aquí:
http://www.mapfre.com/fundacion/es/cursos-de-formacion/cultura/cursos/que-nos-queda-del-siglo-XX-2009-presentacion.shtml

LA DANZA DE LOS COLORES. EN TORNO A NIJINSKY Y LA ABSTRACCIÓN.

FUNDACION MAPFRE, en colaboración con la Kunsthalle de Hamburgo, presenta La danza de los colores. En torno a Nijinsky y la abstracción. Se presenta un conjunto prácticamente desconocido de dibujos de Vaslav Nijinsky (1889-1950) en el contexto de la modernidad visual de su tiempo, participando de este modo en los actos que en todo el mundo conmemoran el centenario de la primera actuación de los Ballets Rusos en París.

Hace un siglo, el 19 de mayo de 1909, comenzó en París la campaña triunfal por Europa de la compañía de danza Ballets Rusos, dirigida por el empresario Sergéi Diaghilev. Nijinsky era el bailarín solista masculino más sobresaliente y la estrella de la compañía, y se convirtió, para la intelectualidad de la época, en una figura de culto. Muchos artistas destacados de su época, como Léon Bakst, Jean Cocteau o Georg Kolbe, hicieron del bailarín protagonista de sus creaciones.
Al igual que Nijinsky, los pintores Sonia Delaunay-Terk, Alexandra Exter, Vladímir Baranov-Rossiné y František Kupka (formados en Odessa, San Petersburgo, Moscú y Praga) habían ido a París para hacer realidad sus ambiciones artísticas en la metrópoli más vanguardista de Occidente. Todos ellos compartían el interés por representar el movimiento del ser humano en el espacio. Para ello dirigieron su atención sobre todo a la dinámica, el ritmo y la vitalidad de la danza.
Sus pinturas muestran formas circulares giratorias, arcos, espirales y curvas de oscilación melódica. Las superficies de los cuadros están estructuradas por patrones dispuestos rítmicamente, y muchas de las obras se despliegan en secuencias de imágenes yuxtapuestas. Inspiradas por la música, reivindican absolutamente los colores puros, liberados de su función de representación. Partiendo de la figura humana, de la danza y del radio de movimiento del cuerpo y sus extremidades, cada uno de los artistas de la exposición llegó a la abstracción por un camino propio. Los principios fundamentales de la configuración de sus pinturas presentan profundas coincidencias formales con las coreografías modernas que Vaslav Nijinsky representó por primera vez en 1912.

La exposición comprende un total de 64 obras (pinturas, dibujos y una escultura), de entre ellas 21 dibujos de Nijinsky, en gran parte procedentes de la Fundación John Neumeier, y otras tantas obras del resto de artistas, procedentes de importantes museos y colecciones particulares de Praga, París, Hamburgo, Zúrich, Londres, Moscú, Lisboa y Nueva York. El catálogo de la exposición incluye reproducciones en color de todas las obras y nuevos artículos de investigación de renombrados especialistas.

Del 7 de octubre al 20 de diciembre de 2009.
FUNDACIÓN MAPFRE. Instituto de Cultura.

Paseo de Recoletos nº 23. Planta -1.

VER ITALIA Y MORIR. Fotografía y pintura en la Italia del S.XIX.

Del 7 de octubre al 20 de diciembre de 2009 podrá visitarse en la sala de exposiciones de la planta 1, del edificio de FUNDACIÓN MAPFRE, en el Paseo de Recoletos, 23 de Madrid, la muestra que reúne pintura, fotografía y escultura en torno a la representación de Italia en el S.XIX.

FUNDACION MAPFRE, en colaboración con el Musée d’Orsay, presenta Ver Italia y Morir, -Pintura y Fotografía en Italia en el S.XIX- .Tras su paso por París, la exposición invita a un viaje para descubrir todos los tesoros del país que entonces encarnaba el summum de la belleza. Partiendo de una idea de Guy Cogeval y Ulrich Pohlmann, la exposición retrata Italia vista por los artistas desde una perspectiva múltiple y contrastada.

En tiempos del Grand Tour, todo creador que se preciara de serlo debía pasar por el rito de viajar a Italia y vivir la transformación que sus paisajes, sus gentes y su forma de vida infería en quien lo visitaba. Escritores, intelectuales, bohemios y aristócratas realizaban un viaje que les llevaba desde Venecia hasta Sicilia –esta última sólo para los más atrevidos- y les hacía resurgir con una mirada diferente, despierta, intensa.

El descubrimiento de la fotografía y su práctica alteró la concepción del país de peregrinaje y la belleza. Los artistas, dominados hasta este momento por su formación pictórica, abrazan un medio que les permite una objetividad documental desconocida hasta entonces. Aparece una fructífera tensión entre la manera de ver la realidad de unos y otros, y esto afecta a la percepción del denominado por muchos “paraíso terrenal”, pero también a la evolución que estos artistas sufrirán.

Ver Italia y Morir, título de esta exposición, deriva directamente de la famosa frase de Goethe “Vedi Napoli et poi mori” (Ver Nápoles y luego morir), se apropia de ese sentimiento y propone una simultánea contraposición y comunión de los frutos de estos descubrimientos, de la evolución del país y de sus gentes. Realiza un viaje en el tiempo que parte de los años del invento del daguerrotipo hasta la consolidación del Risorgimento, donde el telón histórico de fondo influye de manera determinante en la evolución del arte del XIX en Italia y en todos los artistas que reverencian este país. En esta exposición se invoca aquella atmósfera para devolverla a la actualidad recuperando su vigencia, haciendo memoria de fascinaciones precedentes para poder comprender las fascinaciones actuales.

Los miembros de la llamada Escuela de Roma investigarán y trabajarán con la fotografía, ahondando en esa aproximación más austera y neutra que el medio les permite, en comparación con la ensoñación que tiñe Italia de la mano de los pintores. Pompeo Molins, James Anderson o Giorgio Sommer, entre otros, deciden retratar las ciudades desde la distancia que les permite la fotografía, ahondando en la percepción del detalle geográfico y buscando que la atmósfera de la obra venga determinada por esta imagen fiel a la fuerza, no a la representación idílica sobre el lienzo.

A lo largo de la exposición podremos observar el diálogo que se entabla entre pintura, fotografía y escultura y que debe asemejarse en gran medida al diálogo sostenido por los ávidos viajeros que llegaban a Italia. La tensión entre la austeridad de los daguerrotipos y los calotipos y la riqueza de determinados lienzos como El Tepidarium "la sala donde las mujeres de Pompeya descansaban y se secaban al salir del baño", 1853 de Théodore Chassériau, o Les Pelerins a Rome, de Paul Delaroche, es palpable. Las fotografías del pueblo italiano de Carlo Baldassare Simelli o Edmond Lebel y los paisajes de Giacomo Caneva permiten apreciar la revolución que estaba sufriendo el arte y el país en ese momento.

Venecia, Florencia, Roma y sus foros; Pompeya y los yacimientos arqueológicos, Sicilia y Capri son algunas de las ciudades que encontraremos representadas bajo prismas muy diferentes. Los interiores de las iglesias y los templos, la representación de los paisajes ensoñados, y la nostalgia que impregna todas estas obras contrasta con la adusta densidad de las fotografías que se nutren de una melancolía más sobria por ceñida a la realidad.

El origen, las ruinas, la civilización antigua, hechizan a estos nuevos artistas. Plasman la memoria en imágenes absolutamente documentales, desnudas, sin aderezo. Tanto en estas obras como en los retratos podemos atisbar una Italia salvaje y ruda, a la par que dulce. Un territorio virgen donde muchos optan por asentarse desertando de sus países de origen.

Vamos recorriendo la Historia desde el viaje exclusivo de los más pudientes a los primeros viajes turísticos de la burguesía, que toma el relevo de la aristocracia. Su demanda se refleja en las primeras guías de Thomas Cook, y en los álbumes de expedición que los visitantes primero deben comprar y luego finalmente pueden elaborar ellos mismos cuando se populariza la técnica fotográfica. Los denominados turistas son entonces los viajeros por el placer de poder hablar de lo visto y vivido. Los hermanos Alinari o Alphonse Bernoud son algunos de los fotógrafos que viven de vender su obra como souvenir a los turistas. El recuerdo ya no es exclusivo de la clase social más pudiente. Las fotografías lo acercan a las gentes, y gracias a las guías ilustradas se viaja a ver lo ya visto, a encontrar la realidad de la que ya se tiene una imagen. Italia se convierte, para la Europa del norte, en un país lleno de un exotismo por descubrir.

Paralelamente, y desde un punto de vista muy distinto, está ocurriendo lo mismo con España.
El mundo ama a Italia. Italia se ofrece y el mundo acepta. El país sufre la transformación del Risorgimento, con la serie de contiendas que ponen de manifiesto la pobreza, la forma de vida infrahumana a la que están sometidas la mayoría de sus gentes, la violencia y la necesidad. La representación del pueblo italiano es realista o ensoñada; los extranjeros llegan a percibir esa pobreza como “lo más hermoso”, y aparece de nuevo, como en otros momentos históricos esenciales, la perversa relación entre los refinados extranjeros y los locales -con una libertad y una manera de vivir salvaje y envidiable a los ojos del extranjero-, que queda prendado y decide no volver atrás. Todo esto nos ofrece este viaje, y todo esto pretende que asimilemos.

Con más de 40 prestadores entre colecciones públicas y privadas, donde encontramos obras de la TATE, el Museo Hermitage de San Petersburgo, el Folkwang de Essen, el Stadtmuseum de Munich, el Louvre, y como no, con gran parte de fondos del Musée d’Orsay, los comisarios, Guy Cogeval, Presidente del Musée d’Orsay, Ulrich Pohlmann, Director de la colección de fotografía del München Stadtmuseum, Françoise Heilbrun, Conservadora Jefe de fotografía y Joëlle Bolloch, Responsable de documentación, ambas también del Musée d’Orsay, han logrado dibujar una semblanza del viaje que imponía y permitía Italia entonces, de la percepción que tenían del país en el mundo en ese momento, y recuperar la memoria de los viajes iniciáticos esenciales.

Del 7 de octubre al 20 de diciembre de 2009.
FUNDACIÓN MAPFRE. Instituto de Cultura.

Paseo de Recoletos nº 23

MIRAR Y SER VISTO. De Tiziano a Picasso. El retrato en la colección del MASP.

La exposición Mirar y Ser Visto, en la planta 0, de la sala de exposiciones de Recoletos, 23 un maravilloso conjunto de treinta y tres obras maestras de la historia del retrato europeo, desde el siglo XVI al pasado siglo XX, todas ellas procedentes del Museo de Arte de São Paulo.

El retrato es uno de los géneros más desarrollados de las artes visuales, que desde sus orígenes en la Antigüedad ha contado con un desarrollo propio y ha ejercido una influencia constante en la historia del arte.

La representación de la individualidad de una persona y su perdurabilidad en el tiempo ha sido siempre una cuestión de vital importancia para el ser humano. No obstante, no siempre se ha entendido de la misma manera. Cuestiones como el parecido físico, el reflejo del poder que ostentaron, la clase social a la que pertenecieron o la psicología del retratado han variado mucho a lo largo de los cinco siglos que transita esta exposición.

No cuentan lo mismo los retratos clásicos que los modernos. La presencia del artista se ha ido imponiendo cada vez más sobre la imagen del retratado; la presencia de éste último se ha ido abstrayendo poco a poco hasta convertirse en un mero retrato de la concepción estética del arte. De la mano de sus grandes representantes de este género, FUNDACIÓN MAPFRE brinda la ocasión de recorrer estos cinco siglos y percibir claramente la evolución vivida en la concepción del retrato.

RECORRIDO

La exposición se organiza en dos grupos articulados cronológica y conceptualmente: los retratos de solemnidad (abarca obras desde el siglo XVI hasta la primera mitad del siglo XIX) y los retratos modernos (segunda mitad del siglo XIX y primera del XX). La articulación entre ellos produce un punto de reflexión no sólo sobre los caminos del arte a lo largo de estos cuatro siglos, sino también acerca de los avatares de la identidad durante este mismo periodo.

De entre los primeros lienzos de esta exposición, son ejemplares los retratos de Velázquez, Goya, Van Dyck o Franz Hals: los retratados se hallan sobre fondo neutro y se muestran en poses hieráticas, altivas, imponentes, aparecen de cuerpo entero o de medio cuerpo. Se ha congelado en ellos todo movimiento físico y psíquico. Son retratos de personas, están individualizadas, pero también son símbolos de algo más: del poder que ostentaron. En cierto sentido son atemporales, a pesar de que los ropajes, los atributos los sitúan en un lugar y una época determinados.

Los retratos modernos reflejan la individualidad de la persona, más que lo que representan, las muestran a ellas mismas y no el poder que tengan o al grupo social al que pertenezcan. No obstante predomina una sensación de extrañeza. El rostro está velado por una máscara, impuesta por el artista, tras la que se oculta el retratado.

El parecido fisiognómico ya no es un aspecto deseado y buscado. La modernidad rompe con el principio de congelación de la vida psíquica y corporal e introduce el movimiento. En los retratos realizados por Cezanne, Modigliani o Picasso, entre otros, el observador se enfrenta a las imágenes del Otro que le devuelven una imagen de sí mismo.

CATÁLOGO

Con motivo de la exposición se edita un catálogo que contiene unos textos explicativos sobre el concepto de la muestra de Jose Teixeira Coehlo, comisario de la misma y un ensayo sobre la evolución y el sentido del retrato en la contemporaneidad de Pablo Jiménez Burillo, Director General del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE. Asimismo se incluye en esta publicación, cuidados comentarios de cada una de las obras expuestas en la muestra.

FUNDACIÓN MAPFRE contará en esta exposición con un servicio de: Audioguías en español e ingles, así como un servicio de:Audioguías con audiodescripicion, cuyo guión y producción es elaborado específicamente para usuarios con discapacidad visual, cuya finalidad es lograr la mayor autonomía posible dentro del recinto y el uso de técnicas de descripción para transformar las imágenes en explicaciones sonoras. Signoguías, dispositivo portátil multimedia equipado con una pantalla que reproduce un vídeo en el que se explica las obras seleccionadas de la exposición mediante la lengua de signos y subtitulado.

FUNDACIÓN MAPFRE.

Instituto de Cultura.

Paseo de Recoletos 23, 28004 Madrid
Del 7 de octubre al 20 de diciembre de 2009.

Exposición de fotografía de Lisette Model en la FUNDACIÓN MAPFRE.

FUNDACIÓN MAPFRE ha inaugurado el 23 de septiembre, la exposición de fotografía Lisette Model, que podrá verse hasta el 10 de enero en la Sala de Azca (Avda. General Perón, 40. Madrid).

La muestra, realizada en colaboración con JEU DE PAUME de París, presenta un recorrido por la vida y obra de esta fotógrafa nacida en Viena, aunque de nacionalidad estadounidense, caracterizada por una sobria mirada sobre la gente y las calles de la ciudad, una mirada de estudio del género humano sin pretensiones, que surge simplemente de observar y reconocer.
Las imágenes de Model retratan una época, pero llegan mucho más lejos. Son la semblanza del ser humano como género: vulnerable, fascinante y complejo. Nunca nos parecerá suficiente lo que podemos aprender de la observación detallada de los otros, y Model congela ese objeto de estudio para nuestro placer.

Con motivo de esta exposición se ha elaborado un catálogo, del que se publican tres ediciones (en español, en francés y en inglés) que cuenta con un ensayo de Ann Thomas, conservadora de la National Gallery of Canada y responsable de la investigación más exhaustiva que se ha realizado a día de hoy sobre la fotógrafa.

De forma paralela a la exposición de Lisette Model, y como ya viene haciendo desde hace años el Instituto de Cultura, FUNDACIÓN MAPFRE ofrece visitas-taller dirigidas a colegios y familias; en esta ocasión los niños descubrirán la particular visión de Nueva York desde el objetivo de Lisette Model: la fotografía de lo cotidiano, las personas anónimas, los reflejos, encuadres y el ritmo…

FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTA LA EXPOSICIÓN ¿OLVIDAR A RODIN? ESCULTURA EN PARÍS DE 1905-1914

FUNDACIÓN MAPFRE ha presentado el 24 de junio, la exposición ¿Olvidar a Rodin? Escultura en París de 1905-1914, que podrá verse desde el 26 de junio y hasta el 13 de septiembre en la sala de exposiciones que FUNDACIÓN MAPFRE tiene en su sede en el Paseo de Recoletos de Madrid.

La muestra, que analiza el nacimiento de la escultura moderna, reuniendo las mejores piezas escultóricas de los inicios del siglo XX, está organizada conjuntamente con el Museo d’ Orsay y con la colaboración excepcional de la Stiftung Wilhelm Lehmbruck Museum – Zentrum Internationaler Skulptur, de Duisburgo.

Se trata de una lectura novedosa del inicio de la escultura moderna durante los primeros años del siglo XX. A través de obras de los grandes artistas de ese periodo como: Maillol, Bernard, Bourdelle, Brancusi, Epstein, Duchamp-Villon, Zadkine, Julio González, Picasso, Wilhelm Lehmbruck, Archipenko, o el propio Rodin, se analiza la obra de aquellos artistas que pertenecen a la generación inmediatamente posterior a Rodin y que construirán el nuevo lenguaje de la modernidad tomando como punto de referencia (para olvidarlo o para insistir en él) el modelo -en el filo del final de una tradición y el inicio de un nuevo lenguaje- del gran escultor francés.
Entre las obras más emblemáticas que se presentan, podemos destacar la Mediterránea de Maillol, cuya influencia en la concepción del mediterraneismo catalanista resulta fundamental, y que por primera vez sale del Musée d´Orsay. También debemos destacar la presencia del original en yeso de El Pensador de Rodin, procedente del Musée Rodin, de París.

Desde la dirección www.exposicionesmapfearte.com/olvidararodin los internautas podrán realizar un recorrido por la muestra y ampliar su información sobre los artistas, sobre el argumento de la exposición o sobre el catálogo.

Exposición de GRACIELA ITURBIDE en la FUNDACIÓN MAPFRE.

FUNDACIÓN MAPFRE ha presentado el 16 de junio, la exposición de fotografía GRACIELA ITURBIDE, que podrá verse hasta el 6 de septiembre en la Sala de Azca (Avda. General Perón, 40. Madrid).

Graciela Iturbide (Ciudad de México, 1942) es uno de los grandes nombres de la fotografía artística de inspiración social y cultural. Su aportación y su talento han sido reconocidos recientemente con la concesión en 2008 del Premio Hasselblad, la más importante distinción mundial en fotografía.

La muestra, formada por más de 180 fotografías, presenta una de las más completas panorámicas realizadas hasta la fecha sobre su trayectoria, prestando al mismo tiempo especial atención a su trabajo más reciente, prácticamente desconocido en Europa.
Graciela Iturbide es una de las fotógrafas mexicanas más destacadas de la escena contemporánea internacional. A lo largo de cuatro décadas ha ido creando una obra intensa y profundamente singular, fundamental para comprender la evolución de la fotografía en México y en el resto de América Latina.

Con motivo de la exposición se ha publicado un catálogo que recoge la totalidad de las obras expuestas. El catálogo editado en inglés y español, contiene textos de Marta Dahó, comisaria de la muestra y de Juan Villoro, escritor y periodista mexicano.

www.exposicionesmapfrearte.com/gracielaiturbide

FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTA LA EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA FAZAL SHEIKH

FUNDACIÓN MAPFRE ha inaugurado el 2 de abril, la exposición de fotografía FAZAL SHEIKH, que podrá verse hasta el 31 de mayo en la Sala de Azca (Avda. General Perón, 40. Madrid).
La muestra, presenta, por primera vez en España, el trabajo del fotógrafo norteamericano Fazal Sheikh (Nueva York, 1965). La exposición es la retrospectiva más grande e importante realizada hasta la fecha sobre su obra.

Fazal Sheikh es un fotógrafo documentalista que busca reflejar la realidad que viven y sufren las comunidades más desfavorecidas del Tercer Mundo. En un principio centró su atención en refugiados de distintas partes del globo, personas que se han visto obligados a abandonar sus tierras para huir de guerras y matanzas. Con el tiempo abrió su campo de interés y, en los últimos años, se ha preocupado por discriminación que sufren las mujeres indias desposeídas de todo derecho y condenadas a sobrellevar una vida difícil.

Sheikh personaliza los conflictos y los narra a través del rostro de sus protagonistas. Él busca representar a sus retratados con plena dignidad y serenidad, como personas y no como símbolo de aquello de lo que han sido víctimas.

De forma paralela a la exposición FAZAL SHEIKH, el Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE ofrecerá recorridos especiales que, con el título de “Fazal Sheikh: leyendo imágenes”, están dirigidos a colegios y familias, y en los que se tratarán, entre otros aspectos, la fotografía documental, la realidad del tercer mundo y el compromiso mutuo entre el fotógrafo y los retratados.

MAX ERNST UNE SEMAINE DE BONTÉ -los collages originales- en la Fundación Mapfre.

Del 11 de febrero al 31 de mayo de 2009 podrá visitarse en la sala de exposiciones de la planta 1, del edificio de FUNDACIÓN MAPFRE, en el Paseo de Recoletos, 23 de Madrid, la muestra que reúne los collages originales de Une semaine de bonté, realizados por el surrealista Max Ernst en 1933.

Estas obras se expusieron una única vez tres años después de su creación, en Madrid en marzo y abril de 1936, y desde entonces han permanecido como uno de los secretos mejor guardados de la historia del arte. Hoy vuelven a Madrid cuando se cumplen 73 años de aquella exposición en los bajos de la Biblioteca Nacional, entonces sede del Museo Nacional de Arte Moderno. Fue Paul Éluard quien convenció a Max Ernst de que los expusiera en Madrid, y ambos estuvieron después extremadamente agradecidos por su devolución sanos y salvos a París, tras el inicio de la Guerra Civil española. Los collages sólo han podido contemplarse previamente en el museo Albertina en Viena, el museo Max Ernst en Brühl, y la Kunsthalle de Hamburgo, para llegar a FUNDACION MAPFRE en Madrid. Tras la muestra madrileña, los collages, podrán visitarse en el Museé D’ Orsay en París este verano. Las piezas que conforman Une semaine de bonté son un auténtico manifiesto del surrealismo, y con ellos el movimiento alcanza uno de sus puntos culminantes. La exposición se realiza gracias al propietario de las obras, Daniel Filipacchi, quien ha decidido, tras guardar durante años uno de los tesoros del arte del siglo XX, que vieran la luz de nuevo. La labor del experto en Max Ernst y comisario de la muestra Werner Spies ha sido decisiva en este proceso.

Max Ernst es probablemente uno de los pocos artistas del que podemos decir que se reinventó a sí mismo a lo largo de toda su vida. Al igual que Picasso, formó parte de algunos de los grupos y movimientos de vanguardia más importantes del siglo XX. Pero lo que ha caracterizado en todo momento su trayectoria ha sido su capacidad para ir por delante siempre, a la cabeza de estos movimientos, convirtiéndose así en un referente e influencia no sólo para sus contemporáneos, sino para los artistas actuales.

La capacidad de Max Ernst de crear un universo y una mirada propia, distinta y singular, lo convierte en uno de los artistas de referencia en el siglo XX, y también en uno de los más complejos y cambiantes a lo largo de toda su trayectoria: dadaísta, surrealista, políglota y ávido lector, Max Ernst desarrolló un universo absolutamente particular y personal donde podemos encontrar las influencias de la historia del siglo XX, pero también de quien podemos ver la sombra, desde entonces hasta hoy en día, en muchas de las obras de artistas, escritores y poetas que se han visto fascinados por su deslumbrante y afilada inteligencia, por su sensibilidad y por su sentido del humor ácido e irónico que se cuestionó siempre y lo establecido. Resistente y revolucionario, Max Ernst ha influido en artistas tan dispares como Cindy Sherman, Neo Rauch, o Julie Nord.

La capacidad de búsqueda del artista, esa mezcla de curiosidad y constancia que ensambla el discurso del artista, son la base sobre la que se construye su mirada: una búsqueda infatigable, en la que como decían los sabios griegos, es mucho más importante el camino que la llegada.

En la Fundación Mapfre.
Hasta el 31 de mayo.

Exposición de Walker Evans en la Fundación Mapfre.

Desde el 15 de enero al 22 de marzo de 2009 se podrá visitar, en la sala de exposiciones de FUNDACIÓN MAPFRE, una completa retrospectiva del fotógrafo norteamericano WALKER EVANS (1903-1975), considerado como uno de los referentes de la fotografía contemporánea.
La exposición está compuesta por más de un centenar de extraordinarias fotografías (vintage), realizadas en gelatina de plata, que proceden de los fondos de la que sin duda es la principal colección particular de obras del fotógrafo, y documenta ampliamente todas las etapas de la trayectoria de Evans.

Su obra está lejos de lo que se consideraba arte en fotografía, estatus por el que sin embargo los fotógrafos llevaban décadas luchando aunque por el equivocado camino del sentimiento y la belleza evidentes. Precisamente es la obra de Evans la que culmina esa evolución formal mediante la ruptura, con un estilo que vino a llamarse documental, que miraba a los hechos directamente, y estaba pensado para representar las cosas en relación a sí mismas, aparentemente sin intervención, de una manera precisa, sin emociones ni tendencia a la idealización. En resumen, como puros documentos que minimizan sus cualidades estéticas. Por primera vez, la fotografía como obra de arte podía tener la misma apariencia que cualquier otra fotografía y mostrar cualquier cosa, desde una habitación paupérrima y desolada de Alabama hasta un pasajero del metro de Nueva York ensimismado en sus pensamientos. La cualidad artística estribaba únicamente en la claridad, la inteligencia y la originalidad de la percepción del fotógrafo.

Este nuevo estilo directo que se nutre de temas a veces agresivamente ordinarios, que elimina las barreras entre lo bello y lo feo, lo importante y lo trivial, será el que en la década de los treinta facilite la penetración de la estética moderna en la fotografía americana y, a la larga, el que proporcione las herramientas básicas a otros muchos fotógrafos y artistas de las generaciones siguientes para construir su obra. Pero con su aparente frialdad podía resultar un estilo inmensamente rico en contenido expresivo, capaz de encontrar poesía y complejidad en los recursos internos de la tradición americana, evitando todo romanticismo, sentimentalidad y nostalgia. Por fin aparecía una alternativa duradera a la tradición.

La exposición muestra más de un centenar de fotografías vintage (copia de época) originales realizadas desde 1928 a 1975 muestran como Evans captó en imágenes concisas, contundentes y sobrias todas las caras de una sociedad capitalista que se presentaba al mundo como brillante ejemplo de desarrollo.

FUNDACIÓN MAPFRE. Instituto de Cultura.
Avenida General Perón, 40, 28020 Madrid

NUEVA FASE DEL PREMIO PENAGOS DE DIBUJO.

El nuevo Premio Penagos de Dibujo se otorgará a la trayectoria de un artista que en su carrera haya dedicado una especial atención al dibujo

El 19 de diciembre FUNDACIÓN MAPFRE concederá el Premio Penagos de Dibujo. En esta nueva fase el premio se otorgará como reconocimiento a la trayectoria profesional de un artista vivo de significación nacional o internacional, que dentro de su carrera haya dedicado una atención sobresaliente al dibujo.

El premio se fallará por un jurado compuesto por:

Presidente
Alberto Manzano Martos, Presidente del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE

Vicepresidente
Pablo Jiménez Burillo, Director General del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE

Vocales
Manuel Borja-Villel (Director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía); Francisco Calvo Serraller (Catedrático de Hª del Arte y crítico de arte); Eugenio Carmona Matos (Catedrático de Hª del Arte); Juan Fernández-Layos Rubio (Vocal del Consejo Asesor del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE); Julián Grau Santos (Artista), Leandro Navarro Ungría (Galerista); Rafael de Penagos (Escritor); Guillermo Solana (Conservador Jefe Museo Thyssen-Bornermisza).

Secretario no vocal: Daniel Restrepo Manrique.

Las nuevas bases son:

• Los candidatos a recibir el Premio serán personas físicas presentados por los miembros del jurado o por entidades culturales o profesionales relacionados con las actividades artísticas objeto del Premio, mediante propuestas razonadas, y valorando especialmente a los candidatos españoles o cuya obra tenga especial relevancia en España.
• El premio será fallado el día 19 de diciembre de 2008.
• El premio será entregado en una ceremonia especial organizada a tal efecto y tendrá una dotación económica de 30.000 Euros.

EL BANCO CENTRAL DE ECUADOR Y FUNDACIÓN MAPFRE PRESENTAN LA EXPOSICIÓN “DIBUJOS ESPAÑOLES DEL SIGLO XX”

El BANCO CENTRAL DE ECUADOR y FUNDACIÓN MAPFRE inauguraron, el pasado 19 de noviembre, la exposición “Dibujos españoles del siglo XX. Colecciones FUNDACIÓN MAPFRE”, que podrá visitarse en el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo, MAAC hasta el día 1 de febrero de 2009.

La muestra presenta alrededor de 80 trabajos sobre papel de los más importantes artistas españoles y de otros países cuyas carreras artísticas influyeron de manera decisiva en el devenir del arte en España.

La exposición que cuenta con obras de Miró, Juan Gris, Dalí, Bores, Palencia o Sandalinas, entre otros, inicia el recorrido con una obra de Regoyos, fechada en 1876, permite conocer la historia del arte de la primera mitad de siglo XX en España y se cierra con los dibujos de Tàpies y Chillida, fechados en 1960. Los dibujos de estos dos autores simbolizan la reincorporación del arte español a los grandes circuitos internacionales. La colección se compone de bocetos, ilustraciones y apuntes que son obras de arte en sí mismas.

La colección de dibujos de FUNDACIÓN MAPFRE se inició en 1997 y se ha ido ampliando a lo largo del tiempo con obras de diferentes artistas. Cada uno de los dibujos de esta muestra se acompaña de un comentario crítico que ayuda a comprender la trayectoria del autor y su significado en la historia del arte español.

Fundación Mapfre, exposiciones "Entre dos siglos, España 1900", Degas, el Proceso de la Creación y Las Hermanas Brown.

Las tres exposiciones con las que la Fundación Mapfre ha abierto su nueva sala en Recoletos (casi en frente de la Biblioteca Nacional, son magnificas.

Las exposiciones "Entre dos siglos, España 1900", "Degas, el Proceso de la Creación" y "Las Hermanas Brown", son excelentes.

Tengo que reconocer que fui a la nueva sala de Recoletos por ver la exposición de Degas, y por que me han enviado mucha información desde el departamento de comunicación de la fundación .

La exposición de Degas es magnifica, de cuando estudiaba arte contemporáneo recordaba que había leído que Degas había tenido más repercusión por su escultura que pos su pintura en la historia del arte. Porque el si consiguió la síntesis entre el espacio y el movimiento que los escultores más famosos de esa época buscaban y no lograron. Pero hasta que no he visto vivo sus esculturas no me lo creía.

De la exposición de "Entre dos siglos, España 1900", hay que destacar a Sorolla, solo por ver dos de sus cuadros que hay expuestos allí, vale la pena ir (uno de ellos es él de la fotografías).

Pero lo que más me gusto, quizás por la sorpresa, fue la que a priori es menos conocida de las tres exposiciones, "Las Hermanas Brown".

Se trata de una serie de 32 fotografías que Nicholas Nixon ha realizado desde 1975 hasta el presente. En ellas, retrata a su mujer Bebe y a sus cuñadas Mimi, Laurie y Heather mirando fijamente al objetivo y en el mismo orden.

Como dice el catalogo de la exposición "Las fotografías nos transmiten la sensación de estar asistiendo a una escena privada que, a su vez, se carga de profundos significados universales: la naturalidad, la vulnerabilidad y el paso ineludible del tiempo se dan la mano en estas obras"

La serie está considerada una de las piezas más importantes de la fotografía contemporánea

NUEVAS SALAS DE EXPOSICIONES PASEO DE RECOLETOS Nº 23, FUNDACIÓN MAPFRE.

El 13 de octubre de 2008 se inauguró al público las nuevas salas de exposiciones del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE, situadas en el Paseo de Recoletos 23, en un edificio que se convertirá en breve en la nueva sede de FUNDACIÓN MAPFRE, en el que se instalarán los diferentes Institutos que la integran: Acción Social; Ciencias del Seguro; Cultura; Prevención, Salud y Medio Ambiente, y Seguridad Vial.

El edificio que alberga las nuevas salas fue construido entre 1881 y 1884 por el arquitecto Agustín Ortiz de Villajos, para la duquesa de Medina de las Torres. Originalmente, la edificación presentaba un alzado de cuatro plantas y semisótano pero, en 1910, se resaltó la monumentalidad del palacio mediante la construcción de dos torreones sobre los cuerpos de las esquinas, manteniendo las decoraciones verticales y horizontales del estuco y empleando de nuevo los machones de ladrillo.

La programación de exposiciones para las nuevas salas del Paseo de Recoletos nº 23 se centrará en los grandes maestros y movimientos de la vanguardia internacional de la primera mitad del siglo XX. Después de las exposiciones actuales – Degas. El proceso de la creación y Entre dos siglos. España 1900– se presentará Max Ernst. Une semaine de bonté (5 de febrero a 3 de mayo de 2009), Mirar y ser visto. Colección de retratos del MASP (20 de enero a 28 de marzo de 2009), Olvidar a Rodin. Escultura en París 1905-1914 (23 de junio a 4 de octubre de 2009). Del mismo modo se prevé que haya siempre un espacio destinado a las propias colecciones de la Fundación o exposiciones sobre papel. Por ello presentamos junto a dibujos de nuestras últimas adquisiciones, la serie Las hermanas Brown del fotógrafo Nicholas Nixon, así como su catálogo, realizado en colaboración con el MoMA de Nueva York. Tras esta exposición se presentará el ejemplar de la Suite Vollard de Picasso perteneciente a FUNDACIÓN MAPFRE.

DEGAS. EL PROCESO DE LA CREACIÓN

14 de octubre de 2008 a 6 de enero de 2009

ENTRE DOS SIGLOS. ESPAÑA 1900

14 de octubre de 2008 a 25 de enero de 2009

NICHOLAS NIXONLAS HERMANAS BROWN

14 octubre de 2008 a 6 de enero de 2009

La 'milla del arte' se amplia con nuevas salas de exposiciones

La Fundación Mapfre se instala en Recoletos con mil metros cuadrados.

Las nuevas salas de la Fundación Mapfre. Son mil metros cuadrados, divididos en tres plantas dedicados totalmente al arte. Tres exposiciones constituirán, a partir del día 14, el saludo de este nuevo espacio. Son Degas. El proceso de la creación. Entres dos siglos. España 1900 y Nicholas Nixon: las hermanas Brown.

El nuevo espacio está situado frente a las salas de exposiciones del BBVA y a escasos metros de Caixaforum, el museo del Prado, la Fundación Thyssen, el Reina Sofía y la Casa Encendida. Todo un lujo que cada vez equipara más a Madrid a otras grandes ciudades europeas como Berlín o París.

Las antiguas salas de General Perón seguirán abiertas para exposiciones centradas en la fotografía. Allí se acaba de inaugurar la muestra Coleccionar el mundo, en la que se muestran las últimas adquisiciones de la Fundación. Hay trabajos de Diane Arbus, Harry Callahan, Helen Levitt o Garry Winogrand. En los próximos meses, se sucederán monográficas dedicadas a autores ya consagrados.

El edificio del Paseo de Recoletos será la sede permanente de las exposiciones de la Fundación, con especial atención al arte contemporáneo europeo y americano, según explicó ayer Pablo Jiménez Burillo, responsable de las actividades culturales de la Fundación.

Exposición "Colecionar el Mundo, seis fotografos norteamericanos) en la Fundación Mapfre.

La FUNDACIÓN MAPFRE presenta una parte significativa de sus adquisiciones de fotografía del año 2008. Seis fotógrafos indiscutibles cuentan a través de su obra la historia y evolución de su país, y su gente. Se exponen obras del padre del documentalismo Walker Evans, fotografías de calle de Garry Winogrand, o la trasgresión incómoda de los retratos de Diane Arbus; los televisores de la serie The Little Screens de Lee Friedlander, las calles y los niños de Nueva York de Helen Levitt, o las intensas imágenes de las mujeres de Harry Callahan.

Estos seis fotógrafos se relacionaron, directa o indirectamente, en un momento en que Nueva York bullía con la actividad artística e intelectual. Los tres mayores (Walker Evans, Helen Levitt y Harry Callahan, nacidos entre 1903 y 1913) fueron ejemplo a seguir –o a evitar– para las generaciones posteriores, además de punto de referencia del mundo en el que emergían como artistas los tres más jóvenes (Diane Arbus, Lee Friedlander y Garry Winogrand, nacidos entre 1923 y 1934), verdaderos contemporáneos entre sí. Éstos últimos compartieron profesores y contactos con profesionales relevantes del mundo editorial y museístico del momento, que los descubrieron y apoyaron en su lucha por la supervivencia y el reconocimiento artístico.

"Fotografiar es apropiarse de lo fotografiado", afirmaba Susan Sontag. Y atesorar lo fotografiado es contar una historia. En esta exposición nos encontramos con el relato de seis grandes maestros de la fotografía que, por medio de su obra, cuentan la historia de las personas y ciudades que los rodean; ciudades y personas que transmiten la vitalidad, la luz y el transcurrir del tiempo que marca la vida de su país. Estos fotógrafos se apropian de la realidad en sus imágenes y por medio de las mismas, a su vez, cuentan su propia historia.

Del 12 de septiembre de 2008 al 4 de enero de 2009

Amazonas del arte nuevo, en la FUNDACIÓN MAPFRE

Las protagonistas de Amazonas del arte nuevo pertenecen a las primeras generaciones de mujeres artistas que, salvo algunas excepciones, se mantuvieron en primer plano dentro del mundo del arte. Convivieron, se mezclaron, expusieron junto a los hoy identificados como los grandes creadores, masculinos, de su época; formaron parte activa de las corrientes artísticas y aportaron puntos de vista que las convirtieron en referentes obligados en la historia del arte moderno.

A finales del siglo XIX la mujer empezaba a estar presente en las principales instituciones artísticas del momento. Algunas academias les habían abierto sus puertas y permitido tener acceso a la formación tradicional, hasta entonces reservada a los hombres, y sus cuadros empezaban a exponerse junto a los de los grandes maestros de la época. Su obra reclamó la atención de artistas y críticos quienes las introdujeron en los círculos intelectuales del momento.

A principios del siglo XX la situación de la mujer artista comienza a consolidarse. Hombres y mujeres conviven, trabajan y crean conjuntamente sin atender demasiado a las diferencias de género. La producción femenina se diversifica y está presente en los distintos movimientos y tendencias artísticas desarrolladas en el momento.

Amazonas del arte nuevo recupera a artistas de diferentes nacionalidades, algunas muy conocidas y otras prácticamente desconocidas, apenas estudiadas y que, en algunos casos, su obra, a pesar de su indudable valor, jamás había sido expuesta en España. Así mismo evidencia la importancia de la mujer en el arte moderno.

Dirección
Avda. General Perón, 40. Madrid 28020
Teléfono: 91 581 16 28

Horarios
Lunes: de 14 a 21 hrs.;
Martes a Sábados: de 10 a 21 hrs.;
Domingos y festivos: de 12 a 20 hrs.

Camille Claudel. 1864-1943. Exposición en la Fundación Mapfre

La exposición presentará, por primera vez en España, la obra de Camille Claudel. La leyenda la recuerda como la alumna y amante despechada del gran escultor Auguste Rodin, al que se considera culpable de la locura y el trágico destino de esta gran artista.

La historia de su tortuosa vida ha eclipsado la importante aportación a la escultura de Camille Claudel, alumna y amante de Rodin. Cerca de un centenar de esculturas, que se complementan con fotografías, documentos y apasionadas cartas entre Camille y Rodin, forman una muestra única.

Del 7 noviembre 2007 al 13 enero 2008.

Calle General Perón, 40

La exposición 'El neoimpresionismo. La eclosión de la modernidad' en Madrid.

La Fundación Mapfre ofrece hasta el próximo 10 de junio la posibilidad de contemplar por primera vez en nuestro país seis obras de Seurat, además de mostrar cuadros de otros artistas considerados los máximos exponentes del neoimpresionismo, como Signac, Charles Angrand, Henri-Edmond Cros y Maximilien Luce.

Según explicó la coordinadora de exposiciones de la Fundación Mapfre, Nadia Arroyo, la importancia de 'El neoimpresionismo. La eclosión de la modernidad' radica en lo poco común que es incluir seis obras inéditas del padre de este movimiento, ya que fue un artista "que murió joven y con pocas obras" y además, éstas son "muy frágiles", por lo que los cuadros no suelen ser trasladados con frecuencia.

La exposición permite "comparar y disfrutar" diferentes obras representativas de este estilo, también conocido como 'puntillismo', ofreciendo un recorrido desde sus comienzos, en la década de los ochenta del siglo XIX, hasta su huella en las primeras vanguardias y en autores contemporáneos.

Principalmente, la muestra pretende subrayar especialmente las aportaciones técnicas que hizo el movimiento neoimpresionista al arte, por lo que no se estructuran geográficamente ni por autores, sino que mezcla las obras según los argumentos pictóricos a los que éstas aluden.

De este modo, 'El neoimpresionismo. La eclosión de la modernidad' se estructura en torno a conceptos como la fragmentación, la abstracción, el espacio plano, la geometría, la luz o el color a lo largo de los más de ochenta cuadros que la componen.

Entre ellos se encuentran testimonios de la influencia del neoimpresionismo en varios artistas españoles como Pablo Ruiz Picasso, Salvador Dalí o Juan Gris, así como obras de Darío de Regoyos, considerado el gran abanderado de este movimiento artístico en España.

Más información: http://www.fundacionmapfre.com/
FUNDACIÓN MAPFRE. Instituto de Cultura.
Avd. General Perón, 40
28020 Madrid