viernes, 28 de octubre de 2011

Exposición: Grafistas. Diseño Gráfico Español 1939-1975, en el Museo Nacional de Artes Decorativas



El Ministerio de Cultura presenta un recorrido por el corpus de trabajo más significativo de los pioneros del diseño gráfico español. En la muestra se puede apreciar, de forma atractiva y didáctica, cómo el diseño gráfico ha trascendido los ámbitos profesionales comunicativos para convertirse en una pequeña historia de la transformación de la España contemporánea.

Entre los creadores cuyos diseños pueden verse en la exposición destacan nombres como Alexandre Cirici Pellicer, Manolo Prieto, Ricard Giralt Miracle, Josep Renau, Daniel Gil, Joan Brossa o Josep Artigas, con cerca de 300 trabajos que recorren los ámbitos de la cultura, el contexto, lo institucional, el comercio y la cronología. Hasta la fecha no se habían mostrado obras e información suficiente para conocer las trayectorias y la dura coyuntura histórica en la que estos creadores trabajaron. Esta exposición cubre así una carencia documental, ubicando por vez primera todos estos datos dentro del contexto internacional y haciéndonos ver lo que los pioneros del diseño gráfico español supusieron para las generaciones posteriores de españoles: la apertura de una puerta a una nueva manera de relacionarse con la comunicación visual y, al mismo tiempo, la posibilidad de disfrutar, a través de sus diseños, de una estética atractiva.

La exposición incluye el diseño editorial (colecciones de libros, periódicos, revistas, cabeceras de diarios), el diseño tipográfico, logos y marcas de empresa, carteles de todo tipo, material discográfico, gráfica de comercios, material gráfico de productos farmacéuticos, felicitaciones navideñas, vallas publicitarias, sellos de correos, calendarios, tarjetas y papel de cartas de autopromoción, displays, collages, esculturas y recortables...

Museo Nacional de Artes Decorativas
C/ Montalbán, 12
Fecha: Desde el 28/10/2011 hasta el 29/04/2012
Horario: Martes a sábados, 9.30-15.00, y jueves, también 17.00-20.00 h; domingos y festivos, 10.00-15.00 h. Lunes, cerrado.

miércoles, 26 de octubre de 2011

EXPOSICIÓN "OBSERVADOS". VOYEURISMO Y VIGILANCIA A TRAVÉS DE LA CÁMARA DESDE 1870.


La Fundación Canal Isabel II presenta esta excitante exposición. La complacencia de ver sin ser visto. La mirada indiscreta en torno al erotismo, la violencia, el miedo, la muerte, el acecho a los famosos... Intromisión y una cámara son el eje de esta exposición de ciento setenta fotografías y dos piezas audiovisuales.

Trabajos de algunos de los fotógrafos más famosos de la historia como Brassai, Cartier-Bresson, Walker Evans, Robert Frank o Dorothea Lange muestran cómo el concepto de intimidad varía con el tiempo y cómo la vigilancia, en cualquiera de sus vertientes, está cada vez más presente, y de forma más natural, en nuestras vidas.



Exposición organizada por el San Francisco Museum of Modern Art y la Tate Modern. Patrocinada por Trellis Fund y la Phyllis C. Wattis Foundation

Del 27 de octubre de 2011 al 8 de enero de 2012

La escultura aérea de Viviane Brickmanne en la galería Atalante



Una veintena de esculturas de la artista belga (aunque residente en España desde hace muchos años), dialogan con los tapices flamencos colgados de las paredes de la galería Atalante. Piezas que muestran un personal universo poético a través de figuras estilizadas y líneas ascendentes, sugiriendo el vuelo, en consonancia con la definición de William Blake, “El vuelo es la libertad del mundo….el pájaro es el aire libre personificado”.

Las esculturas se instalan bajo el concepto general de “Aire”, aludiendo a una cierta poética del espacio, en referencia al "Ensayo sobre la imaginación del movimiento", del "El aire de los sueños", de Gaston Bachelard. Donde circula el aire La obra escultórica de Viviane Brickmanne ha evolucionado desde unas primeras obras en barro cocido, con potentes alas y picos, no figurativas pero con reminiscencias antropomorfas (Crucificado, Albatros, El Desdichado), hasta sus primeras piezas de bronce (Aullido, Vuelo), más estilizadas y aéreas, con líneas más elaboradas y pulidas, para reforzar la idea de pureza formal. En sus siguientes esculturas (Pájaro durmiente, El Pico del Cóndor, Libélula) elimina las alas buscando, a través de un juego de líneas, sugerir un movimiento dinámico ascendente; se rompe la estructura compacta introduciendo aperturas para dejar circular el aire, como referencia a la idea del soplo vital de François Cheng. En otras piezas (Dualidad, Cobra, Silbido, Llamada) la artista sigue ahondando en la estilización de la figura y en la simplificación de las formas, eliminando todo elemento superfluo a través de líneas depuradas, en bronce pulido.

El siguiente paso (las piezas Metamorfosis, Vuelo imaginario, La mirada de arriba, Alción), es una ruptura en la forma, no así en el contenido, ya que permanece la idea del aire como concepto, aunque ya no haya alas o espacios que dejen circular el aire. La forma pierde aquí el pulido y el rigor de la línea perfecta y se hace más áspera, con referencias a materiales primarios como la madera. Es el yin después del yang. Estas últimas piezas responden al deseo de buscar una representación diferente y de mayor soltura, con menos limitaciones o ataduras. Siguen siendo importantes el ritmo y la construcción, pero no compacta ni tan elaborada en apariencia.

La exposición cuenta con la colaboración con la Delegación de Flandes (Embajada de Belgica) en España.

Galería Atalante
Salustiano Olózaga, 3
Madrid

lunes, 24 de octubre de 2011

Exposición "La Caballería Roja. Creación y poder en la Rusia soviética de 1917 a 1945".


La Caballería Roja. Creación y poder en la Rusia soviética de 1917 a 1945 es un proyecto que engloba una gran exposición y una serie de actividades como cine, conciertos, propuestas escénicas y conferencias. Una visita imprescindibles si vienes con cualquier  vuelo barato a Madrid.

La exposición se centra en los años que van desde la marcha de la primera caballería roja en la Guerra Civil (1918-1921) a la intervención de la caballería roja en la Segunda Guerra Mundial (1941-1945). El título alude también a dos obras maestras homónimas de la época: el libro de relatos de Isaak Bábel y la famosa pintura de Malévich, que abre la exposición.

La Caballería Roja presenta el panorama artístico-cultural de los años 20 y 30 en la Rusia soviética en cuanto a la colaboración, voluntaria y entusiasta en algunos casos, impuesta y forzada en otros, de los creadores (escritores, músicos, artistas, directores teatrales y cineastas) en la construcción del socialismo (sus experimentos, sus compromisos, sus sufrimientos) y analiza las políticas culturales de Lenin, Stalin y su entorno.

La Caballería Roja es una especie de viaje desde la energía artística de la vanguardia que acompañó el estallido y los primeros pasos de la revolución (y sus tanteos y estrategias para conectarse con la nueva realidad social que se estaba construyendo) hasta la aniquilación de cualquier talento creativo por parte de Stalin al final de los años 30. Reúne materiales muy diversos, desde obras maestras de la vanguardia hasta algunas piezas significativas en la estética del realismo socialista, desde manuscritos de los poetas de la edad de plata -Ajmátova o Mandelshtam-, las sátiras de Bulgákov o Olesha y las obras de los llamados compañeros de viaje -Bábel, Pasternak o Pilniak-, hasta las novelas heroicas que se escribieron para ensalzar las grandes obras de los planes quinquenales.

A todos los que no viváis en Madrid, no lo dudéis coger un vuelo barato y visitar la Casa Encendida, situada en Ronda de Atocha, muy cerca de la Estación de Tren.

La Casa Encendida
Del 7 octubre de 2011 al 15 de enero de 2012.

domingo, 23 de octubre de 2011

Exposiciones sobre el cine en el Matadero Madrid y el Teatro Fernán Gómez.

Durante toda la semana Matadero Madrid acoge ciclos de proyecciones y el Centro Fernando Fernán Gómez propone una exposición dedicada a los premios Goya. La agenda trae también los coletazos acústicos del Conde Duque con las actuaciones de “La Bienquerida” (hoy jueves, 20 de octubre), “Las Pequeñas Cosas” (viernes, 21 de octubre) y “Calocando” (sábado, 22 de octubre).

La exposición propone al visitante un viaje emocional en el tiempo, en el que aparecen directores, intérpretes o técnicos que cuando nacieron los Goya ya estaban consagrados -como Carlos Saura, Luis García Berlanga, Fernando Fernán Gómez o Gil Parrondo-, así como los que han ido convirtiéndose en nuevas figuras en los últimos veinticinco años -como Alejandro Amenábar, Javier Bardem, Penélope Cruz o Alberto Iglesias. También figuran géneros habituales de nuestro cine, como el histórico o la comedia, junto a otros muy poco explorados anteriormente, caso del fantástico y de terror o del thriller. Asistimos a la internacionalización de nuestro cine de la mano de directores como Pedro Almodóvar o Fernando Trueba, así como a la progresiva incorporación de la mujer a los aspectos más creativos de la autoría cinematográfica, con nombres tan destacados e interesantes como los de Icíar Bollaín o Isabel Coixet.

Más información: http://www.mataderomadrid.org/

Próxima exposición de Martin Creed en la Sala Madrid-Alcalá 31.

La exposición Things/Cosas, del artista británico Martin Cree, uno de los artistas internacionales más interesantes de su generación, que combina su faceta de artista plástico con su grupo de música, formado en 1994.

Sus esculturas, instalaciones, vídeos y dibujos están inspirados en objetos, palabras, y sonidos de la vida diaria, en lo cotidiano. Creed está constantemente investigando la naturaleza básica de las cosas, creando un mundo de clasificaciones, categorías y excepciones inesperadas a través de objetos, palabras y sonidos.

El espacio expositivo será una gran sala donde Creed mostrará obra concebida para la ocasión, como sus nuevas pinturas murales, combinándolas con piezas tan conocidas como Work No. 88 A sheet of A4 paper crumpled into a ball (Una hoja de papel A4 hecha una bola), 1995, o su vídeo Work No. 670 Orson and Sparky, 2007, nunca hasta ahora presentadas en España.

Martin Creed se dio a conocer por la utilización de materiales simples para crear un mundo donde la realidad parece transformada, como la masilla azul adhesiva pegada en una pared en Work No. 79 Some Blu-Tack kneaded, rolled into a ball and depressed against a wall (Un poco de Blu-Tack amasado, hecho una bola y aplastado contra un muro), 1993, o una hilera de clavos ordenados de mayor a menor en Work No. 701 Nails (Clavos), 2007.

Sus trabajos son a veces el resultado de una rigurosa fórmula, presentados en forma de instrucciones: Work No. 150 Half of anything multiplied by two (La mitad de cualquier cosa multiplicada por dos), 1999, o frases tan simples escritas en signos de neón como Work No. 251 Things (Cosas), 2000. Estos trabajos que parecen simples gestos, a veces con un sentido del humor absurdo, pueden conseguir cambiar la percepción del espectador sobre los objetos y materiales que le rodean en su entorno diario.

La exposición podrá visitarse del 15 de diciembre al 26 de febrero de 2012, en la Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31 (Calle Alcalá, 31. Madrid), de martes a sábado, de 11 a 20.30 horas; y domingos y festivos, de 11 a 14 horas.

jueves, 20 de octubre de 2011

"ARQUITECTURAS PINTADAS. Del Renacimiento al siglo XVIII", exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.



El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y la Fundación Caja Madrid presentan a partir del 18 de octubre la exposición Arquitecturas pintadas, un conjunto de más de 140 cuadros, desde el Renacimiento al siglo XVIII, en los que arquitecturas y ciudades pintadas son tema principal o fondo para la representación de escenas diversas. El objetivo es mostrar al público la evolución de estos decorados o escenarios arquitectónicos y el abanico de matices que contribuiría a su independencia como género ya en el siglo XVIII.


Duccio di Buoninsegna, Canaletto, Giovanni Paolo Panini, Tintoretto, Gaspar van Wittel, Hubert Robert, Maerten van Heemskerck, Hans Vredeman de Vries...; grandes pintores, tanto de la órbita mediterránea como del norte de Europa, eligieron la pintura de arquitecturas para resaltar las escenas y los episodios representados en sus cuadros. Pintar arquitecturas significaba establecer la escena del movimiento o de la posición de las figuras, dotarlas de un lugar verosímil espacial y visual, histórico o mítico, legendario o imaginario, incluso convertirse en innovadores proyectos arquitectónicos pintados, o en elocuentes fragmentos de construcciones que guían, con muros y huecos, las emociones e historias representadas.



El recorrido de la exposición se organizará siguiendo un orden cronológico y temático al mismo tiempo, con una primera parte en las salas del Museo Thyssen-Bornemisza que abarca los siglos XIV al XVII, cuando la pintura de arquitecturas y vistas de ciudades se considera un género menor, pero que se utiliza con frecuencia como fondo de escenas religiosas, históricas, mitológicas... y va cobrando cada vez mayor protagonismo, hasta llegar a su triunfo como género independiente en el siglo XVIII, etapa que centrará la atención del visitante en las salas de la Fundación Caja Madrid, con la obra de los grandes maestros de las vedute, paisajes de ruinas, caprichos, etc.

18 de octubre de 2011 - 22 de enero de 2012
Museo Thyssen-Bornemisza y
Fundación Caja Madrid
Madrid

Exposición "Night falls" de Carissa Santoso.

La galería acoge a partir del 13 de octubre la exposición Night falls. The glass house for individual plants, creada por la ilustradora y diseñadora Carissa Santoso durante su formación en el Master of European Design Labs del IED Madrid. La artista indonesia, afincada en Madrid, nos acerca a un mundo imaginario que distingue la experiencia de la realidad. Lo que nos ofrece Carissa para estos días es un universo compuesto por la influencia de las cosas que nos rodean: el latido de la naturaleza, el olor de la tierra húmeda, el cielo estrellado, la brisa, las gotas de agua, los animales, el movimiento y lo que intuimos en la oscuridad; a través de vidrio soplado y tallado a mano con toques de madera de nogal.

Mi objetivo es conseguir que las personas experimenten la sensación de sentirse rodeadas de objetos que les hagan sonreír. Los elementos y personajes de este mundo imaginario tienen formas, materiales y tamaños diferentes. Me gusta jugar con la confusión de dimensiones y espacios, afirma Carissa. Mantiene las plantas a salvo, les da un hogar y las aísla de la contaminación y de la corrupción del mundo cotidiano.

Recomendamos acercarte a ver el detalle del grabado a mano sobre el vidrio. Son símbolos de protección, como dragones y elementos naturales, que se ayudan mutuamente para defender este espacio, comenta la diseñadora.

Sin duda, conocer de cerca el trabajo de Carissa es la excusa perfecta para visitar una de las galerías más acogedoras y emergentes del barrio de Malasaña, en Madrid.

Inauguración: 13 de octubre a las 19:00
Exposición: del 14 al 28 de octubre
Galería 6mas1
Horario: Lunes a viernes. 10:00 -14:00 y 16:00 – 20:00
Entrada libre

martes, 18 de octubre de 2011

Delacroix, el príncipe de los románticos, llega al Caixaforum de Madrid.


"Eugène Delacroix. De la idea a la expresión (1798-1863)" pretende dar a conocer una nueva interpretación de la visión romántica del artista, reuniendo más de 100 obras del gran pintor francés Eugène Delacroix (1798-1863), una de las figuras más destacadas del romanticismo, entre cuyos óleos más conocidos están Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi (Museo de Bellas Artes, Burdeos), uno de los bocetos de La muerte de Sardanápalo (Museo del Louvre, París) o Las mujeres de Argel en su aposento (Museo del Louvre), excepcionalmente prestado para la muestra.

Dramatismo, exotismo, movimiento y color definen el programa de un artista que se presentaba a sí mismo como un revolucionario, enfrentado a las rígidas convenciones del arte neoclásico. Delacroix fue el primer pintor moderno, visceral y apasionado, que trasladó a la tela la renovación espiritual del romanticismo.

La exposición, organizada conjuntamente por la Obra Social ”la Caixa” y el Museo del Louvre en el marco de un acuerdo de colaboración, es la más importante que se ha organizado en España en torno a la figura de Delacroix. Cuenta con préstamos de instituciones tan importantes como la National Gallery de Londres, El Metropolitan Museum de Nueva York o el Art Institute de Chicago.


Propone un recorrido por las diferentes etapas de su producción, desde las primeras obras, que buscan la inspiración en el museo, hasta la etapa de madurez, en la que el artista extrae sus temas de la realidad, haciendo especial hincapié en sus obras de historia así como las orientalistas, reunidas por primera vez desde 1963, año de su centenario.

Horario: Lunes a domingo, de 10.00 a 20.00 h
Centro: CaixaForum Madrid, Paseo del Prado, 36
28014 MADRID

lunes, 17 de octubre de 2011

Exposición "Granada en Sorolla" en el Museo Sorolla.


La exposición “Granada en Sorolla” organizada por el Museo Sorolla de Madrid en colaboración con el Ayuntamiento de Granada es una oportunidad única de descubrir la huella que dejo esta ciudad en el pintor.

Sorolla estuvo en Granada en cuatro ocasiones: 1902, 1909, 1910 y 1917. La primera fue una visita fugaz, pero dejó en él una profunda huella con el deseo de regresar para pintarla, Sorolla quedó deslumbrado por el paisaje y el patrimonio monumental de la ciudad.



La exposición reúne 24 de los cuadros que el pintor realizó allí en varias estancias. Sierra Nevada, las vistas de la ciudad o los patios y torres de La Alhambra son algunos de los motivos que cautivaron al pintor. Los paisajes que realiza en Granada son claves dentro de su producción. En ellos explora el género del paisaje puro, sin figuras, desplegando todos los recursos adquiridos a lo largo de su carrera con una pincelada expresiva y certera. La exposición incluye además un conjunto de dibujos que muestran cómo la asimilación del paisaje granadino va más allá de su producción pictórica, quedando plasmada también en el diseño de una de sus obras más personales, el Segundo Jardín de la Casa Sorolla. Por último el comedor del Museo estará decorado con una muestra de la cerámica granadina de Fajalauza de la colección del Museo. El Museo ha organizado una serie de actividades paralelas a la exposición como visitas guiadas o cuentacuentos. Así mismo, la actividad de la Pieza del Mes abordará durante los próximos meses distintos aspectos de la exposición.

Del 3 de octubre de 2011 al 22 de febrero de 2012

Exposición de Alighiero Boetti en el Reina Sofia: Estrategia de juego.


Vinculado en sus inicios al arte povera, movimiento del que se desmarcaría muy pronto, Alighiero Boetti (1940 - 1994) fue un artista prolífico e inclasificable que trató de alejarse de cualquier forma de ensimismamiento autoral, explorando a lo largo de su carrera diferentes modos y grados de actividad colaborativa. Su obra puede enmarcarse dentro de otra relacional y en ella desempeñan un papel clave nociones como multiplicidad, dualidad o desdoblamiento (no en vano, a partir de 1972 decide firmar sus proyectos como Alighiero e Boetti) y se busca un equilibrio entre lo intelectual y lo sensible, entre orden y desorden, entre individualidad y colectividad. Fundiendo rigor conceptual, vocación experimental y sentido lúdico, Boetti deja siempre que el azar y la casualidad interfieran en su trabajo. Un trabajo con una fuerte carga poética e icónica en el que se recurre a una gran variedad de técnicas y herramientas -desde el dibujo o la pintura al mail art o la producción de objetos artesanales- y donde se concibe al espectador como un cómplice, como un compañero de juego.

Su incesante búsqueda de un diálogo con el otro y su cuestionamiento de la visión del creador como demiurgo le llevaron a interesarse por tradiciones culturales no occidentales y a experimentar diferentes formas de cooperación que, en muchos casos, propiciaron que el desarrollo de sus trabajos escapara de su control. En estrategia de juego, la primera exposición retrospectiva que se le dedica en España, hay una selección de los bordados y tapices que hizo en colaboración con artesanos de Afganistán y Pakistán, como Mappa (1971-1994), un conjunto de bordados que reproducen mapamundis con los colores de la bandera de cada país; u Ordine e disordine (1973), tapices elaborados con cuadrículas de letras de diferentes colores y tamaños. En éstas y otras obras, Boetti concibe la idea y decide las formas o elementos con los que se va a trabajar, pero deja en manos de otras personas su realización material y también ciertas decisiones claves para su composición final.

En la muestra, que reúne más de un centenar de piezas de distintos momentos de su trayectoria artística, se exponen también algunas de sus primeras producciones, cercanas aún a los postulados del arte povera (por ejemplo, Lampada annuale, una caja de madera con una bombilla que se enciende durante once segundos al azar cada año), así como trabajos fundamentales en la evolución de su propuesta discursiva, como la obra de arte postal Viaggi postali o la misteriosa y evocadora serie Aerei (1978-1989), paneles de grandes dimensiones realizados a bolígrafo o acuarela en los que aparecen numerosos aviones surcando el cielo.

Del 5 de octubre de 2011 al 5 de febrero de 2012
Museo de arte Reina Sofia
Madrid

viernes, 14 de octubre de 2011

1º Concurso Fotográfico Nuevo Rastro Madrid.

1º Concurso Fotográfico Nuevo Rastro Madrid.

www.rastromadrid.es/concurso-fotografico

El Palacio de Villahermosa tiene una nueva iluminación.

Desde el 13 de octubre, el Palacio de Villahermosa tiene una nueva iluminación. Las tres fachadas del edificio que acoge parte de las Colecciones Thyssen-Bornemisza han sido intervenidas para lograr una mejora en la eficiencia energética y en el ahorro de esta iluminación y, también, para cambiar su aspecto nocturno, resaltando más las líneas arquitectónicas de este edificio histórico, con un nuevo tono de luz llamado Blanco Lunar, elaborado especialmente para el Museo. Estos cambios han contado con el patrocinio de Endesa.

Hasta ahora, la iluminación, limitada a los balcones de las plantas primera y segunda y a la entrada en la planta baja, suponía un consumo de unos 10.000 watios, consumo que pasará a ser un 16% de esto: se ha reducido el gasto a la vez que se han ampliado las zonas iluminadas (con un 201% más de luminarias), como los balcones de la planta baja, las bandas de granito de la fachada o las banderolas del jardín de entrada al Museo.

Al encendido de la nueva iluminación de las fachadas del Palacio de Villahermosa, acudieron la Baronesa Thyssen-Bornemisza, la subsecretaria del Ministerio de Cultura Mercedes de Palacio, el presidente de la Fundación Endesa Rafael Miranda, el director gerente del Museo Thyssen Miguel Ángel Recio y el director artístico Guillermo Solana, entre otros.

martes, 11 de octubre de 2011

Entrada gratis a los museos el 12 de octubre.

Muchos museos, palacios y otras instituciones ofrecerán mañana una jornada de puertas abiertas y visitas gratuitas en Madrid con motivo de la celebración del 12 de octubre.

Los Palacios Reales de Madrid, El Pardo y de Aranjuez, el monasterio de San Lorenzo de El Escorial, que además, afrecerá dos conciertos, de carillón y de órgano, este último en su basílica.

También será libre la entrada a muchos museos: El Prado, Reina Sofía, Thyssen, de Antropología, América, el Traje, del Romanticismo, Sorolla, Cerralbo y de Artes Decorativas

El Instituto Cervantes ha programado la exposición "Gráfika. 30 artistas de la España Joven". También los ciudadanos podrán acceder gratuitamente a la Biblioteca Nacional, a su museo y a sus exposiciones "Joaquín Costa. El fabricante de ideas" y "Joan Maragall. La palabra iluminada", mientras que la Casa de América ofrecerá la exposición "Mujeres fotógrafas mexicanas. 1872-1960".

Siete muestras se podrán contemplar en la sede del Ayuntamiento de Madrid, que también ha organizado un concierto de la Banda Sinfónica Municipal en el templete del Parque del Retiro.

En la Plaza de Oriente de Madrid tendrá lugar el concierto de la Banda de la Guardia Real mientras que el de la Banda de Infantería de Marina se podrá escuchar frente al Museo Naval que, al igual que el resto de los museos militares, celebrará mañana una jornada de puertas abiertas.

domingo, 9 de octubre de 2011

Exposición de fotografías de Gregory Crewdson en La Fábrica Galería.



El fotógrafo americano presenta su nuevo trabajo, Sanctuary en La Fábrica Galería. La muestra, compuesta por doce fotografías, será la segunda exposición individual del artista en la galería madrileña. Este nuevo grupo de fotografías en blanco y negro son el primer trabajo que Crewdson produce fuera de Estados Unidos, usando localizaciones en los exteriores del legendario estudio Cinecittà a las afueras de Roma. La serie Sanctuary es la primera serie en blanco y negro desde Hover (1996-1997), donde Crewdson se ha movido más allá de la construcción del surreal drama humano de las series anteriores a la representación del paisaje desprovisto de presencia humana.

Los abandonados decorados exteriores han devenido el sujeto, más que un mero decorado, de sus fotografías. Moviéndose a través de calles vacías de la antigua Roma al principio y final del día, Crewdson captura atmósferas melancólicas en cada rincón, cubiertas por la sombra o iluminadas inesperadamente por un rayo de luz. Aunque los vínculos con grandes cronistas urbanos como Eugène Atget y William Eggleston son evidentes, Crewdson aporta una nueva lectura al género buscando su forma particular de verité desde el interior de los restos artificiales de la realidad cinematográfica.

El imaginario de Crewdson nace de los impulsos que forman las visiones surrealistas de artistas americanos desde Albert Bierstadt a Steven Spielberg. En el pasado, Crewdson buscó localizaciones particulares donde crear imágenes vivas con gran carga psicológica que combinaban la observación empírica con el artificio, como fotogramas de películas que nunca existieron. Estas fotografías suponían a menudo semanas de preparación y un método paralelo a la producción de películas. En series anteriores, incluyendo Twilight (1998-2002) y Beneath the Roses (2003-2007), los sentimientos de enajenación, ansiedad y rareza invaden escenas ordenadas meticulosamente que exponen dramas ocultos en la existencia suburbana.

En Sanctuary, Crewdson convierte la arquitectura escenográfica en el sujeto principal de sus instantáneas, subrayando las técnicas ilusorias que antes había usado para construir sus escenas y acciones. La serie contiene ciertas características de una película documental por la cual es expuesta la vida oculta de las películas y sus artefactos que permanecen una vez que la producción ha cesado. En varias imágenes la estructura subyacente de fachadas y el andamiaje de los decorados en descomposición son expuestos. En otras, los edificios de época son enmarcados por calles adoquinadas y, allí donde se abre la tierra ahora alcanzada por hierbas e hierbajos; las estatuas en ruinas, los graffitis raros en una pared, los charcos de agua de lluvia, y algún detrito más lejos acentúan la ausencia misteriosa de vida que estas imágenes transportan, aumentada por la luz ambiental del alba y del crepúsculo.

La escala íntima de las fotografías en blanco y negro sirve para intensificar aún más el patetismo de cada escena desierta. “En estas fotos recurrí a la tranquilidad de aspectos inherentes y misteriosos de los conjuntos vacíos. Como ocurre con gran parte de mi trabajo, pongo mi mirada en los límites difusos entre realidad y ficción, naturaleza y artificio, belleza y decadencia.”, afirma el artista.

Gregory Crewdson nació en 1962 en Brooklyn, Nueva York, y es miembro del Departamento de Fotografía de la la Universidad de Yale. Sus fotografías están incluidas en numerosos museos y colecciones públicas de todo el mundo incluyendo el Whitney Museum of American Art, New York; el San Francisco Museum of Modern Art; el MoMA de Nueva York; el Fotomuseum Winterthur de Suiza; y la National Gallery de Victoria, Melbourne. Su retrospectiva en el Kunstverein Hannover (Alemania, 2005) itineró por el Fotomuseum Winterthur y el Hasselblad Center (Suecia). En 2007 el Palazzo delle Esposizioni de Roma acogió la mayor retrospectiva de su trabajo, seguido por Sorte Diamant en Copenhague y c/o Berlin. En el I semestre de 2011 su exposición individual In a Lonely Place se ha presentado en el Kulturheset en Estocolmo y en The Royal Library en Copenhague y a fines de septiembre se presentará en el Stenersen Museum en Oslo.

LA FABRICA
C/ Verónica 13
Madrid

Exposición de fotografías de Axel Hütte en la galería Helga de Alvear.


Axel Hütte presenta una vez más su trabajo en la galería Helga de Alvear, en esta ocasión con un proyecto reciente. Conocido por su trabajo sobre el paisaje, Hütte intenta atrapar en sus fotografías lo intangible de la Naturaleza. Sus imágenes prescinden de la presencia humana y descomponen la realidad en una visión casi abstracta.

Rheingau es el nombre que recibe la región agraria que transcurre a orillas del Rin, en su tramo medio, desde Wiesbaden hasta Frankfurt am Main. Es conocida especialmente por sus vinos, sobre todo por el popular Riesling, ya que se beneficia de un microclima especialmente benigno y una larga tradición vitivinícola. Su territorio, alternado de castillos y abadías, muchos de ellos en ruinas, se convertiría durante el Grand Tour en uno de los puntos de atracción del primer turismo decimonónico.

La visión del paisaje romántico, sublime o pintoresco, popularizada de forma masiva a finales del siglo XIX, encuentra aquí el motivo perfecto y pronto se traslada a recuerdos y souvenirs de amplia distribución. La aparición de la fotografía generaliza más si cabe la distribución de estas imágenes, especialmente en las postales. Entre el 1900 y los años cincuenta, esa visión se trasmite en millones de ocasiones fijando una imaginería que en gran medida persiste todavía hoy en día.

En este proyecto, Axel Hütte investiga ese proceso de creación, fijación y trasmisión de las imágenes y de creación de la memoria colectiva. Para ello ha seleccionado alrededor de 300 postales de fotógrafos anónimos que en su conjunto resumen y ponen en evidencia ese modelo. El resultado es un recorrido por la historia de la representación fotográfica y de la percepción que consigue hacer lo familiar extraño y que lo extraño parezca familiar. Al mismo tiempo, junto a ellas, presenta sus propias visiones de ese mismo territorio en una defensa de la individualidad de la visión del mundo y de la capacidad del sujeto de maravillarse ante el mundo.

Axel Hütte (Essen, Alemania, 1951) estudia en la Kunstakademie de Dusseldorf bajo la guía de los Beecher y posteriormente amplía su formación en Londres y Paris. Empieza a exponer su trabajo en los años 80. El objetivo principal de su obra ha sido el paisaje, al que se enfrenta cuestionando la tradición artística.

En nuestro país ha expuesto su obra en el IVAM (Valencia), en la Fundación Telefónica (Madrid) y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MNCARS, (Madrid)

Del 15 de Septiembre al 29 de Octubre de 2011
Galería Helga de Alvear, Doctor Fourquet, 12
Madrid

sábado, 8 de octubre de 2011

Exposición de pintora mexicana Elva Moreno en Madrid.


Exposición de Elva Moreno Martínez, “Pinceladas del Alma”. En el restaurante “Vía Appia”, c/ Unión 10, Madrid (entrada por c/ Vergara, frente al Teatro Real), Metro: Ópera

Fechas: 13.10.-16.11.2011

Inauguración con cóctel: el jueves 13 de octubre a las 20:00

miércoles, 5 de octubre de 2011

XXVI Festival Internacional Madrid en Danza .

El XXVI Festival Internacional Madrid en Danza trae a la región 25 espectáculos de diez países. Actuará por primera vez en España una de las más importantes compañías de butoh de Japón, Kumotaro Mukai. También será la primera vez en nuestro país para el espectáculo ‘FAR’, del coreógrafo británico Wayne McGregor. Además, como novedad, el festival ha incluido en su programación la III Ventana de la Danza Madrileña

Una visita imprescindible para este mes en la capital de España, ahora lo tienes muy facil para venir con si cualquier vuelo barato a Madrid.



Fotografía de la presentación de ‘Madrid en Danza 2011’, en la que han intervenido el vicepresidente y consejero de Cultura y Deporte, Ignacio González, y el grupo de flamenco Enclave Español.

En la foto 12, aparecen también coreógrafos como Víctor Ullate, Sharon Fridman, Antonio Ruz, Anuska Alonso, Selene Muñoz, Chevi Muraday y Aída Gómez, entre otros.

martes, 4 de octubre de 2011

El Aeropuerto de Madrid-Barajas expone las últimas obras de Francisco Serrano.


El Aeropuerto de Madrid-Barajas continúa fomentando la presencia del arte en sus instalaciones con la inauguración de una nueva exposición  que presenta al público las últimas obras del pintor cordobés Francisco Serrano.

En esta ocasión la muestra elegida para ser expuesta en el Aeropuerto recoge un total de 35 pinturas, pertenecientes a las series ‘Los Nidos’, ‘Baco y Damas’ y ‘Nadadores y Gimnastas’, realizadas con técnica mixta empleando distintos materiales como madera, arpillera, acrílicos y óleo.

Con las pinturas de la serie ‘Los Nidos’, Francisco quiere mostrar “la fragilidad del ser humano, extrapolándola a las crías indefensas que represento, dependiendo de otros para sobrevivir, intentando transmitir el propio punto de apoyo que necesitamos para seguir adelante”.

La serie ‘Baco y Damas’ trata de expresar “el modo en que disfrazamos esa fragilidad con vicios y excesos, de cómo los modelos sociales actúan sobre nosotros aportándonos una visión de felicidad tras la que terminamos cayendo en depresión, siendo conscientes ya del vacío que nos queda tras algunos placeres efímeros”.

Por último, con la serie ‘Nadadores y Gimnastas’ el artista intenta reflejar “el esfuerzo y sacrificio que nos supone reencauzar nuestra vida y objetivos, lo mucho que nos cuesta tratar de nadar a contracorriente para alcanzar nuestra meta”.

La exposición, situada en el pasillo que da acceso a la Terminal T2 del Aeropuerto desde el Metro y el Parking P-2, podrá ser disfrutada por pasajeros y visitantes hasta el 30 de octubre.

YVES SAINT LAURENT en la Fundación Mapfre.


FUNDACIÓN MAPFRE ha presentado hoy, 4 de octubre, en colaboración con la Fondation Pierre Bergé-Yves Saint Laurent, la exposición Yves Saint Laurent que podrá verse en la sala de exposiciones de Recoletos (Paseo de Recoletos, 23) hasta el 8 de enero.

Esta gran muestra, que se expuso en el año 2010 en el Petit Palais de París, constituye la primera retrospectiva que se presenta en España sobre el gran artista y diseñador, un repaso completo a 40 años de creación.

La exposición se desarrolla sobre una estructura temática en once espacios que albergan una selección de cerca de 150 modelos de alta costura y prèt-a–porter, más de 80 dibujos, fotografías y películas. La puesta en escena de las creaciones seleccionadas para la exposición se concibe como una progresión teatral desde los comienzos de YSL como diseñador en Dior, con la famosa colección Trapèze (1958), hasta el esplendor de sus trajes de noche.

La construcción del estilo de Yves Saint Laurent y los fundamentos de su obra están presentes a través del contexto histórico, ilustrado con dibujos (planta -1), fotografías y películas. Los distintos espacios muestran las inspiraciones artísticas y culturales de un diseñador que combinó el anhelo de vestir a la gente común, sin renunciar por ello a la confección de un modelo exclusivo para la mujer de sus sueños. La exposición se cierra con una apoteosis de colores y de creaciones que ubican su obra en el presente.
Con motivo de la exposición se ha editado un catálogo sobre la vida y obra del diseñador, donde se reproducen todas las obras expuestas y cuenta con textos introductorios de Pierre Bergé y de la comisaria de la muestra Florence Müller, así como de reconocidos especialistas de la talla de Estrella de Diego, entre otros.

Para ampliar los contenidos de la exposición y hacer más accesible esta muestra, FUNDACIÓN MAPFRE ha creado una página web monográfica sobre la misma www.exposicionesmapfrearte.com/ysl. Además, colegios y familias podrán acceder a visitas guiadas a la exposición a través del programa educativo que desarrolla FUNDACIÓN MAPFRE.

sábado, 1 de octubre de 2011

Inauguración de la Exposición de Fotografía "Vivimos como soñamos: solos", de Juanjo Fernández.


Juanjo Fernández (Santiago de Compostela, 1966) es fotógrafo desde 1987 y alterna su dedicación profesional con su gran pasión: la fotografía. Entiende ésta como una disciplina narrativa no exenta de posibilidades poéticas cuyo mayor valor es su capacidad de reflejar fielmente la realidad. En ese sentido, huye de opciones creativas más allá de las que la propia cámara le proporciona y emplea en su obra personal fundamentalmente el blanco y negro por su gran poder de precisión y concisión.

Además del blanco y negro, en el que se siente cómodo al haber sido su primera forma de trabajo en las páginas de huecograbado del rotativo ABC, sus imágenes se caracterizan por la combinación entre la espontaneidad, adquirida en los años de trabajo en la prensa diaria, y una formalidad propia de los encargos de arquitectura, interiorismo e industrial que ha de acometer en la actualidad, dando como resultado una obra serena y equilibrada no exenta de tensión y emoción.

Vivimos comos soñamos: solos es un ensayo fotográfico desarrollado entre los años 1987 y 2000 que aborda el tema de la soledad, especialmente la soledad que asola al hombre en los entornos urbanos. En torno a la cita de Joseph Conrad en su Corazón de las Tinieblas se configuran las imágenes de personas de todo tipo y condición que parecen volver su mirada hacía el interior de si mismos lejos de su entorno. Lejos de señalar personajes solitarios, las imágenes no son sino enunciados de preguntas que asaltan a diario nuestra existencia, tanto individual como social, y que el autor, sin duda, ha tenido que abordar, transfiriendo a la emulsión sensible de la película sus propias preguntas.

Preguntas que se convierten en incertidumbre y fuente de desasosiego en una sociedad cada vez más dura, condicionada por el cambio de la percepción en el tiempo como consecuencia del rápido desarrollo tecnológico, los cambios sufridos en las relaciones laborales y la sensación de distancia entre individuos que se aprecia especialmente en las ciudades. De esta forma, a pesar del crecimiento general y aparente de la riqueza, la infelicidad individual es cada vez más frecuente, como decía Umberto Ecco en el Péndulo de Foucault, “Sólo me reconozco en la soledad de mis semejantes.”



Vivimos como soñamos: solos se presenta por primera vez al púbico en forma de exposición en el Ateneo de Madrid, una institución centenaria de larga tradición que siempre ha estado atenta a todo lo que afecta a la sociedad y que sirve de refugio a todos aquellos que deseen compartir con sus semejantes sus inquietudes e ideas. La mejor receta para la soledad: compartir.

ATENEO DE MADRID
Científico, literario y artístico
C/ Prado 21
28014 Madrid